Artículo original publicado el 22 de marzo de 2022 en thumbsticks.com

Original por: Daniel New

Traducción por: Lizzy Z.

Las barreras lingüísticas e interculturales son solo algunos de los desafíos a los que se enfrentan los desarrolladores independientes japoneses al llevar sus juegos a Occidente.

Anne Ferrero es la gestora de la comunidad de Asobu, un espacio comunitario y de trabajo sin ánimo de lucro diseñado para apoyar a los desarrolladores de videojuegos independientes en Tokio. En 2016, Ferrero dirigió el documental «Branching Paths: A journey through Japanese indie game scene» y también ha colaborado con varios vídeos en el canal de YouTube de Archipel, que recogen las historias de creadores japoneses.

En una charla de la GDC titulada «Grandes éxitos en Japón, pero no en Occidente: Las dificultades del atractivo intercultural», Ferrero describió algunas de las oportunidades y los problemas a los que se enfrentan los estudios japoneses —y otros estudios de habla no inglesa—.

El panorama del desarrollo independiente en Japón ha evolucionado en la última década, pasando de ser una actividad tradicional para aficionados a una trayectoria profesional viable, aunque precaria. La última edición de la Guía de Supervivencia de Juegos Independientes sugiere que actualmente existen alrededor de 10 000 estudios independientes tan solo en Tokio y Kioto.

Ferrero afirma que, en parte, esto se debe a la facilidad para empezar a trabajar como desarrollador independiente o subcontratista.

«En Japón, no es necesario crear una empresa ni registrarse como actividad empresarial si, por ejemplo, los ingresos no alcanzan una determinada cantidad», explica Ferrero.

«Los desarrolladores no necesitan montar un estudio, aunque puede ser un problema a la hora de lanzar un juego en consola, ya que las compañías operadoras exigen que se sea una entidad legal».

Retro Game Aliens | Giichi Totsuka

La edad promedio de los desarrolladores independientes también tiende a ser mayor que en Occidente.

«Podrías pensar que los desarrolladores independientes son muy jóvenes, pero no es así en Japón», afirma Ferrero.

Muchas escuelas japonesas colocan a los estudiantes en empresas durante su último año, y ser desarrollador independiente no se considera una opción profesional reconocida. De hecho, algunas instituciones educativas lo desincentivan activamente, ya que desean mantener su reputación basada en las prácticas en empresas. Esto contribuye a la disparidad de edad, puesto que los desarrolladores independientes suelen ser profesionales que abandonan puestos consolidados a mitad de su carrera.

También está el tema de la financiación. Las editoriales japonesas ofrecen garantías mínimas bajas y la ayuda del gobierno o de otras instituciones creativas es escasa.

«Si publicas tu juego en el extranjero, tendrás que traducirlo», afirma Ferrero. «La localización cuesta dinero, y las editoriales necesitan recuperar esa inversión».

La mayoría de las inversiones suelen ir a parar a desarrolladores que ya han trabajado en estudios AAA o a desarrolladores famosos. Lo mismo ocurre con plataformas de financiación colectiva como Kickstarter.

«La financiación colectiva no es una opción viable en Japón», explica Ferrero. «La gente prefiere comprar productos, no ideas. Por lo tanto, si recurres a la financiación colectiva, tienes que intentar dirigirte a mercados extranjeros, lo que significa que necesitarás un equipo que hable inglés para gestionar la campaña».

El idioma es otro obstáculo evidente. En una encuesta a desarrolladores, Ferrero descubrió que más del 80 % de los encuestados afirmaron no poder comunicarse con fluidez en inglés.

«El mercado japonés de videojuegos es muy pequeño, así que si quieres tener más posibilidades de vender tu juego, tendrás que venderlo en el extranjero, lo que implica traducirlo y, por lo tanto, costes adicionales. Imagina que estás creando una novela visual o un RPG con mucho texto: te costará una gran parte del presupuesto».

La barrera del idioma también limita el acceso a la gran cantidad de información disponible en línea: desde herramientas y plantillas hasta documentación y contenido multimedia. Incluso una plataforma tan popular como GameMaker Studio no cuenta con documentación traducida oficialmente.

“Esto afectará tu acceso a la información. La mayoría de los recursos en internet están disponibles en inglés”, afirma Ferrero.

Como resultado, muchos autores independientes japoneses autopublican sus obras y luchan por darse a conocer. La cobertura mediática también es relativamente limitada, y la interacción en redes sociales requiere un dominio considerable del idioma. Plataformas comunes en Occidente, como Twitch, no son tan frecuentes en Japón. Y no existe la misma cultura de eventos, encuentros y exposiciones.

Unreal Life | Hako Life

Ferrero identifica áreas claras de mejora.

“En primer lugar, necesitamos más contenido traducido, ya sean artículos o tutoriales. Además, para conferencias como la GDC, contar con una transcripción es útil, ya que es más fácil leer inglés que escucharlo”.

También es necesario fomentar las incubadoras y aceleradoras que no se imparten en inglés, y los programas de intercambio escolar podrían permitir que desarrolladores de Oriente y Occidente compartan sus experiencias y cultura.

Asimismo, se necesitan más exposiciones y eventos para promocionar los estudios independientes japoneses y ampliar su alcance. En los últimos años, eventos como Bit.Summit e Indie Live Expo han prosperado, pero otros deben seguir su ejemplo.

“Es importante dar a conocer juegos de diferentes regiones y culturas porque así se crean referentes con los que la gente puede identificarse. Sabemos que la representación importa”, afirma Ferrero.

Dado el cariño que despiertan los juegos japoneses, sorprende lo difícil que puede ser promocionar y comunicar el atractivo de proyectos tan innovadores como los occidentales.

Ferrero concluye su intervención haciendo un llamado a los aficionados para que apoyen los juegos que les gustan.

“Si ves un juego o un creador que te guste, no dudes en retuitearlo, darle a me gusta o participar en la conversación.”

El boca a boca, sea cual sea el idioma, siempre ayuda.

Imágenes: asobu

Artículo original en inglés: https://www.thumbsticks.com/the-challenge-of-bringing-japanese-indie-games-to-the-west/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 2 de junio de 2025 en blog.mjohnso.com

Original por: Melissa Johnson

Traducción por: Lizzy Z.

https://www.youtube.com/watch?v=vfcNNtZbfmc

El titular del Korea JoongAng Daily, «El J-pop muere lentamente mientras el K-pop ocupa su lugar¹», no ha envejecido bien. El artículo que lo acompaña, publicado en 2022, describía cómo el mercado japonés no se adaptaba a un mundo cambiante, demasiado lento para la transición a las redes sociales y lo digital, a medida que los CD se volvían obsoletos. Mientras tanto, el k-pop «nunca había tenido tanto éxito en todo el mundo», incluyendo Japón, donde, gracias a sus años de desarrollo de marca, logró hacerse con una cuota de mercado propia («La lista Oricon es el hogar de los artistas coreanos», proclama este mismo artículo).

Y, sin embargo, a pesar del optimismo de ese artículo, la racha ganadora del k-pop en Japón no ha durado. Según un artículo de Kim Jae-heun publicado en The Korea Herald² a principios de este año en 2024, «Japón, uno de los tres principales mercados de exportación del K-pop, junto con Estados Unidos y China, registró una fuerte caída de la demanda. El valor de las exportaciones a Japón cayó un 24,7 %, hasta los 130.300 millones de wones en 2023». Esta disminución también se refleja en las listas anuales de fin de año. Mientras que en 2023, los grupos de k-pop ocuparon seis de los diez primeros puestos de las listas Billboard Japan Hot Albums, en 2024, su cuota se redujo a tres.

Esta publicación no explicará ni especulará sobre el declive de las exportaciones de k-pop en Japón; este tema ya ha sido ampliamente abordado por otros medios, incluyendo los artículos enlazados anteriormente. En cambio, mi intención aquí es menos explicar la caída que cuestionar este enfoque. Estas cifras indican que el k-pop en Japón está en "crisis" o "declive", una evaluación justa, pero basada en información incompleta. Las cifras por sí solas nunca pueden ofrecer una imagen completa del estado del k-pop en Japón.

La historia lo confirma. Entre 2012 y 2013, en medio de la decadencia de la hallyu, el sentimiento antihallyu y la creciente tensión política entre Corea y Japón, las cifras de ventas del k-pop —y su reputación— decayeron. Un artículo de 2012 del periódico japonés Asahi³ informó que, según datos de las listas de Oricon, «las ventas promedio de álbumes debut de un artista de k-pop también disminuyeron de 37 000 en 2011 a 18 000 en 2012». Este mismo informe citó a un representante anónimo de una discográfica que se lamentaba: «Como ya no atraen nuevos fans, estamos teniendo dificultades para vender CDs. Nos preocupa el grupo novato de k-pop con el que estamos trabajando. Espero que tengan éxito al año que viene». Incluso las antiguas grandes figuras del k-pop no fueron inmunes a la crisis. En comparación con sus cifras de ventas anteriores, ambos grupos, KARA y SNSD, experimentaron una caída en las ventas cuando lanzaron sus álbumes de noviembre de 2012, Girls Forever y Girls & Peace, como se relata en un artículo de Time Out Tokyo de diciembre de 2012⁴:

Girls Forever de Kara entró en las listas en el número 2 y rápidamente cayó en picada hacia los puestos más bajos del Top 20, mientras que Girls’ Generation II: Girls & Peace llega tras el sencillo con el rendimiento más bajo del grupo hasta la fecha (se llamó 'Flower Power', en caso de que te lo hayas perdido; aparentemente, al departamento de promoción de Nayutawave Records también se les pasó).

Debido a esta recesión, muchas agencias importantes reorientaron su enfoque y dejaron de centrarse en el mercado japonés, lo cual tuvo un efecto imprevisto. En concreto, sin que estos grupos atrajeran la atención, se destacó un subgrupo poco reconocido del k-pop en Japón, compuesto por grupos como Tahiti, BIGFLO, Pungdeng-e y High4, que luchaban por ganar terreno en Corea. Estos grupos no firmaron con grandes discográficas, sino con lo que ya he descrito como "sellos boutique de k-pop⁵", la mayoría de los cuales se fundaron para capitalizar la ola hallyu. Sus cifras de ventas son modestas, aunque no suelen concentrar sus esfuerzos en eso. En lugar de imitar el modelo iniciado por los ídolos indie y underground en Japón, estos grupos celebraron eventos pequeños e íntimos tanto en recintos dedicados al k-pop como K-Stage O!, FC Live Osaka Hall y FC Live Tokyo Hall, como en espacios también utilizados por grupos indie de j-pop, como espacios para eventos en Tower Records, centros comerciales y grandes almacenes.

En los años siguientes, este subconjunto del k-pop en Japón no ha desaparecido ni se ha reducido tanto como ha evolucionado. Gran parte de la escena todavía está compuesta por grupos de nivel bajo y medio, algunos de los cuales promocionan principalmente en Japón, pero con la adición de un nuevo grupo: ídolos de grupos que una vez fueron grandes en Japón, como KARA. Aunque el grupo pausó sus actividades grupales en 2016, los miembros aún mantienen clubes de fans y han celebrado reuniones anuales individuales de fans en el país. Seungyeon y Jiyoung firmaron con dos de los "sellos boutique de k-pop" mencionados anteriormente, junto con grupos que ni siquiera existían durante su propio apogeo. Asimismo, el sello con el que Seungyeon firma, HUB Japan, además de organizar reuniones de fans para grupos como RESCENE y ONE PACT, también ha organizado la sexta gira japonesa de KARA, KARASIA: Magical World, que se llevará a cabo este julio.

Aunque estos ídolos veteranos pueden presumir de currículums más impresionantes que los otros grupos que también firman con estos sellos más pequeños, ambos comparten la misma infraestructura. Por ejemplo, en mayo, TI-MA Japan, que se autodenomina empresa de gestión de artistas de k-pop, gestión de clubes de fans y planificación de conciertos en vivo, organizó reuniones de fans para ídolos de segunda generación como Niel de TEEN TOP, BOYFRIEND y Kevin Woo, Hoon y Kiseop de UKISS, así como para grupos de cuarta generación como NINE.i y ABlue. Todos los eventos presenciales se celebraron en uno de tres recintos, incluyendo el FC Live Tokyo Hall y el TIAT Sky Hall.

Whoop Japan, empresa de gestión de celebridades, planificación y producción de conciertos al estilo coreano, exhibiciones y eventos, es igualmente agnóstica en cuanto a los grupos con los que trabaja. Organizaron reuniones de fans en Japón para Apink, su subunidad Chobom y Jeong Eun Ji, así como para grupos como Drippin, The Boyz y Weeekly.

La entrada a estas presentaciones a veces está vinculada al lanzamiento de un álbum, por lo que la entrada incluye un álbum físico. En la mayoría de los casos, la compra de entradas es sencilla. Para asistir, solo hay que comprar una entrada; no es necesario comprar álbumes en grandes cantidades. Aunque esto implica un sacrificio para el grupo, lo que podría aumentar las ventas de sus álbumes, puede que no tenga importancia. La mayoría de los locales donde actúan estos grupos tienen un aforo de 250 asientos o menos.

Ninguna de estas dos cosas es un defecto. Al contrario, son la clave de su atractivo tanto para grupos novatos como para grupos menos conocidos, así como para grupos históricos e ídolos. En el caso de los primeros, el espacio les ofrece un refugio del hipercompetitivo mercado nacional, permitiéndoles construir su propia base de fans, pequeña pero fiel. De igual manera, para los grupos históricos e ídolos con fans ya existentes, ofrece la oportunidad de conectar con sus fans, muchos de los cuales han crecido junto a ellos, de forma íntima.

Si bien estos eventos pueden no reflejarse en las cifras de exportación ni en los dólares ingresados ​​o gastados, no deben subestimarse. En todo caso, deben considerarse parte del panorama general del mercado japonés, una prueba de la vitalidad en un mercado que contradice la imagen de un mercado en declive.

Artículo original en inglés: https://blog.mjohnso.com/post/785263275224039424/title

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

1 https://koreajoongangdaily.joins.com/2022/06/21/entertainment/kpop/kpop-niziu-miyawaki-sakura/20220621152734672.html  

2 https://www.koreaherald.com/article/10403901  

3 https://www.soompi.com/article/423280wpp/k-pop-popularity-in-japan-declining

4 https://web.archive.org/web/20121208010829/http://www.timeout.jp/en/tokyo/feature/6459/Kara-vs-Girls-Generation

5 https://blog.mjohnso.com/post/144919560601/dont-call-it-a-wave-the-state-of-k-pop-in-japan

Artículo original publicado el 30 de junio de 2025 en spoon-tamago.com

Original por: Fia Mikan

Traducción por: Lizzy Z.

Todas las fotografías de Shotaro Hamasaki, cortesía de mitone design.

Para celebrar el 25.º aniversario del Jardín Marmottan de Monet en la prefectura de Kochi, una querida recreación del icónico jardín de Monet en Francia, Kitagawa Village ha traído la serena belleza del jardín a la línea Gomen-Nahiri de Kochi. Diseñado por mitone design¹, este tren especial está repleto de fotografías tomadas a lo largo del año en el jardín, que muestran flores florecientes, una luz tenue y un hermoso paisaje. Incluso el techo presenta un diseño personalizado inspirado en los azulejos de la cocina de Monet, con un personaje oculto llamado "Kitagawa Monet-san", diseñado por Takashi Yanase, creador de Anpanman.

El objetivo del proyecto era aportar un toque de belleza y paz a la vida cotidiana. Ya sea que alguien se dirija al trabajo o simplemente salga a disfrutar del día, este tren ofrece un momento para detenerse y disfrutar de algo apacible e inspirador. No es solo publicidad, sino una pequeña escapada a la naturaleza, que brinda a las personas la oportunidad de relajarse y sumergirse en el mundo de Monet sin moverse de su asiento.

Tanto para residentes como para viajeros, viajar en el Tren Monet es una experiencia única que combina arte, diseño y comunidad. Es una forma creativa de honrar el legado de 25 años del jardín y un recordatorio de que el arte puede existir fuera de las galerías, en los momentos sencillos de la vida cotidiana. Para obtener más información sobre el proyecto y ver fotos, visite el sitio web oficial del 25.º aniversario: kjmonet.jp²

Artículo original en inglés: https://spoon-tamago.com/monet-garden-train/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

1 https://www.mitonedesign.jp/ 2 https://www.kjmonet.jp/25th/

Artículo original publicado el 29 de octubre de 2013 en thumbsticks.com

Original por: Elliot Codling

Traducción por: Lizzy Z.

Los juegos de terror siempre han sido un género increíblemente popular para muchos jugadores. La combinación de tensión, acción e historia necesaria para crear un juego de terror exitoso suele significar que cada uno es una experiencia que bien vale las pesadillas. Esta popularidad ha dado lugar a algunos títulos geniales, como Silent Hill, Resident Evil, Amnesia y Dead Space, por nombrar solo algunos. Sin embargo, casi inevitablemente, esto ha dado lugar a varios juegos decepcionantes que simplemente no logran capturar esa sensación de fatalidad y pesimismo. Así que echemos un vistazo y veamos qué hace que un juego de terror de Halloween sea perfecto.

1: Atmósfera

La atmósfera es fundamental en cualquier juego de terror. Silent Hill se considera una de las mejores sagas de terror hasta la fecha, y con razón. El mundo en el que se sumerge el jugador es extremadamente inquietante, provocando sentimientos de miedo, aislamiento y claustrofobia incluso cuando no hay acción en el juego.

Un lugar familiar, distorsionado de alguna manera, sin duda pondrá nervioso al jugador. Un lugar supuestamente seguro, como una casa familiar o un hospital, dejará una huella imborrable incluso en los jugadores más fieles. Pequeños detalles como sombras en movimiento, luces inestables y suelos crujientes, aunque un poco cliché, siguen avivando la ansiedad.

2: Música

Los juegos más aterradores casi siempre incluyen una banda sonora magnífica. Silent Hill, una vez más, fue casi excepcionalmente brillante en este aspecto. Logró equilibrar lo inquietante con lo triste, llevando la sensación de desesperanza del jugador a otro nivel. Es imposible subestimar la influencia del sonido en este estilo de juego. Dead Space utilizó las señales sonoras de forma excepcional, utilizándolas en ocasiones para hacer creer al jugador que estaba a salvo, cuando en realidad estaba lejos de estarlo. Incluso pequeños eventos, como ser contactado por otro personaje, siempre iban precedidos de una fuerte explosión de estática que siempre provocaba un sobresalto. Los pequeños matices del sonido añaden otra sensación a la atmósfera, una que podría decirse que es mucho más aterradora que cualquier cosa visual. A veces, incluso el silencio puede infundir miedo; no oír nada puede ser mucho más inquietante.

3: Enemigos

Los enemigos a los que se enfrenta un jugador influyen enormemente en la jugabilidad. ¿Tienes una gran cantidad de enemigos débiles como en los primeros Resident Evil? ¿O prefieres enemigos pocos pero casi o completamente indestructibles, como Amnesia? Ambas opciones tienen sus ventajas: una horda de zombis con solo tres balas puede hacer que muchos jugadores deseen una mecánica de suicidio. Pero igual de horrible es no tener armas y saber que en cualquier momento un giro equivocado podría llevarte a una pantalla de fin de partida. Left 4 Dead tenía una solución interesante para esto: el sistema "El Director", que permitía al juego cambiar cuándo y dónde los jugadores luchaban contra los monstruos. Esto significaba que el jugador nunca podía sentirse realmente seguro. Ahora imagina Amnesia u Outlast con esta mecánica.

Ya sean enemigos humanos o alienígenas, deben ser aterradores. Condemned: Criminal Origins solo presenta oponentes humanos, pero eso no los hace menos aterradores cuando te atacan o cuando puedes oírlos balbucear tonterías en la habitación contigua. Si son humanos corruptos o no humanos, el juego puede volverse loco visualmente con cuerpos mutilados y torturados, apéndices inusuales o simplemente alienígenas.

4: Aislamiento

¿Qué es peor que estar atrapado en un manicomio embrujado con mil bestias aterradoras e inhumanas esperando a saltar sobre ti y devorarte la cara? Estar atrapado allí, solo. Puede parecer obvio, pero tener aliados en un juego altera gravemente el equilibrio. Interfiere con lo que el juego intenta transmitir al jugador, como la locura y la paranoia. El terror nunca es tan aterrador cuando lo compartes con alguien. Si existe un NPC útil, debería ser atacado rápida y brutalmente ante los ojos del jugador para extinguir rápidamente cualquier rayo de esperanza. O debería convertirse en un enemigo disfrazado que le recuerde que está realmente solo y que no hay nadie para ayudarlo. Bioshock tuvo posiblemente uno de los mejores ejemplos de esto con la traición de Atlas.

5: Gore

Casi una necesidad, es difícil pensar en un juego de terror sin algún tipo de gore. Aunque esta es una de esas situaciones donde menos es más. Pasillos ensangrentados y cuerpos decapitados chorreando sangre se vuelven rápidamente aburridos. El jugador se vuelve insensible. ¿Qué suena más aterrador? Recorres cuatro habitaciones impecables solo para encontrar unas huellas de sangre en la quinta. Estas conducen a la siguiente puerta, que tiene una huella de mano manchada de sangre en la pared. O recorres cuatro habitaciones repletas de partes de cuerpos y entrañas; las huellas en el suelo y la pared son apenas indistinguibles de la masa de sangre que ya hay.

En el primer caso, se crea tensión; el jugador está seguro de que la siguiente habitación mostrará algo horrible. Esto es mucho más efectivo que el segundo ejemplo, donde el jugador ya ha visto tanta sangre que apenas podrá notar algo más.

6: Sustos Repentinos

Se puede saber mucho de un juego por sus sustos. Se han convertido quizás en una de las características más destacadas del género. Dicho esto, debe haber un equilibrio. Demasiados sobresaltos y el jugador comienza a frustrarse. Se vuelven molestos, no aterradores. Sin embargo, un buen sobresalto de vez en cuando aumenta la tensión del juego y hace que la experiencia sea aún más desconcertante. A veces, los jugadores pueden darse cuenta de cuándo un juego los está empujando a una situación así. Sin embargo, los mejores juegos aprovechan esto y obligan al jugador a entrar en una situación sin causar ningún susto. Esto vuelve al jugador aún más paranoico la próxima vez que sienta que está siendo empujado hacia un susto.

7: Rompecabezas

Los rompecabezas son una excelente manera de obligar al jugador a moverse y explorar. Obligarlos a buscar objetos u objetivos para avanzar en el juego es lo que mantiene viva la historia y le da profundidad. Los rompecabezas solo por el hecho de hacerlo pueden volverse frustrantes rápidamente y, si no contribuyen al juego o a la historia, el jugador se desanimará rápidamente del juego. Los rompecabezas en sí no tienen por qué ser supercomplicados; resolverlos bajo presión puede hacer que incluso los problemas más sencillos parezcan gigantescos. ¡Intenta seleccionar la tecla correcta mientras un monstruo sediento de sangre te pisa los talones!

8: Objetos

Un juego debe incluir objetos, ya sean botiquines, munición, llaves o cualquier otro objeto relevante para la trama. Deben ser extremadamente escasos, obligando al jugador a explorar y posiblemente a ponerse en situaciones donde no tenga más remedio que enfrentarse a un monstruo o a algún otro evento. Los objetos, combinados con rompecabezas son dos de los principales recursos que un creador utilizará para impulsar al jugador. Los objetos dan esperanza al jugador y un medio para avanzar en el juego, a la vez que brindan a los creadores la oportunidad de ser atrapados por un monstruo. El juego de terror minimalista Slender: The Eight Pages se basa completamente en esta idea. El jugador debe encontrar 8 páginas mientras es perseguido por una criatura sin rostro llamada "Slender Man". Es muy simple, pero el juego se ha vuelto increíblemente popular gracias a solo algunas de estas premisas básicas.

¿Qué elementos crees que son esenciales para un juego de terror exitoso? Compártelo en los comentarios.

Artículo original en inglés: https://www.thumbsticks.com/halloween-horror-makes-good-horror-game/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 24 de marzo de 2022 en fictiontalk.com

Original por: Mohamed Hassan

Traducción por: Lizzy Z.

La selección de terror de marzo de 2022 es de las mejores en mucho tiempo. Algunas de estas historias emplean técnicas literarias difíciles de replicar en otros medios narrativos, y gran parte de su magia no reside solo en lo aterradoras que son, sino que pueden ser impactantes al mostrar cómo la vida de otras personas puede ser más aterradora que cualquier historia de ficción. Algunos conceptos también son bastante únicos y difíciles de encontrar, pero muy relevantes en nuestro mundo moderno.

Escaping the Body

Creo que todo buen libro, en general, se caracteriza por la cantidad de investigación previa que se invirtió en su escritura, y Escaping the body lo logra a la perfección. Es un libro de poemas con una amplia gama de temas diversos y numerosas referencias a la ciencia ficción, el terror y personajes históricos. Es como una experiencia extracorpórea surrealista que te pregunta qué pasaría si realmente no estuvieras limitado a tu propio cuerpo y experiencia. Los poemas responden a esta pregunta de diversas maneras, incluso desde el ámbito biológico y científico, y cada uno de ellos es una lectura interesante por sí solo, pero juntos, conforman uno de los libros más emblemáticos de 2022.

Publicado: 7 de marzo de 2022

Editorial: Interstellar Flight Press

Extensión: 138 páginas

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Terror in the Trench: An Aquatic Horror Anthology

Si alguna vez te interesan más historias con reminiscencias de Lovecraft y su irreal anhelo por el horror cósmico incomprensible, esta antología te dará justo lo que buscas. Numerosos escritores talentosos han participado en la creación de esta celebración literaria, y todas sus historias están muy bien escritas y ofrecen una gran variedad y profundidad en los temas que exploran en torno al concepto de las profundidades marinas. Además, todas las ganancias de este libro se destinan a organizaciones benéficas conservadoras oceánicas, así que no te equivocarás al elegirlo.

Publicado: 13 de marzo de 2022

Editorial: Dead Sea Press

Extensión: 233 páginas

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Palimpsest: A Collection of Contemporary Horror

Si te gustaron nuestras dos primeras recomendaciones, esta es una buena mezcla de la poesía de la primera y la prosa de la segunda. Además, la autora aprovecha al máximo su lugar de nacimiento para llevar a los lectores a un viaje alucinante por todo Canadá: la naturaleza, los lagos y los puentes. Posee una imaginación desbordante y puede cambiarte la opinión sobre cualquier lugar que muchos otros autores descartan por considerarlo seguro o irrelevante para una trama aterradora. Ya ni siquiera es Canadá, es el mundo de la autora, y disfrutarás descubriendo adónde te llevará después. Es una novela que no te puedes perder, especialmente si disfrutas de las versiones ficticias de paisajes y lugares reales.

Publicado: 16 de marzo de 2022

Editorial: Ghost Orchid Press

Extensión: 192 páginas

Sitio web de la autora

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All the White Spaces

Como ya he dejado claro, siempre me fascinan los tropos ficticios que ocurren en escenarios históricos reales, como este que te lleva a una expedición a la Antártida tras la Primera Guerra Mundial. La falta de recursos y desarrollo técnico permite muchas más opciones y trucos narrativos, simplemente porque los autores están limitados por sus recursos argumentales y sus soluciones deus ex machina. Además, estas novelas siempre incluyen mucha investigación sobre temas realistas en todos los campos, por lo que resultan muy educativas y divertidas a la vez.

Publicado: 29 de marzo de 2022

Editorial: Atria/Emily Bestler Books

Extensión: 368 páginas

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The Resting Place

Elegí esta novela simplemente porque profundiza en un tema único y poco explorado: la prosopagnosia, o la capacidad de reconocer el rostro de una persona familiar. Al menos según goodreads, solo hay 18 libros escritos sobre este tema. Creo que este tipo de terror es lo que realmente vale la pena. Pocos libros hablan de las cosas aterradoras que llevamos dentro, y con las que algunos tenemos que vivir a diario, en gran parte debido a accidentes o problemas médicos, y ni siquiera podemos hablar de ello, ni salvarnos de ello porque ya forma parte de nosotros. A veces, la realidad puede ser mucho más aterradora que la ficción.

Publicado: 29 de marzo de 2022

Editorial: Minotaur Books; Edición reimpresa

Extensión: 336 páginas

Sitio web del autor

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The Temps

Admito que me reí un poco al empezar a leer la premisa de esta novela: desempleo y prácticas no remuneradas. Sí, es un contexto realmente aterrador. Pero cuanto más profundizaba en la premisa, más me parecía que la historia era realmente creativa y que la elección del reparto era realmente significativa, ya que gira en torno a personas que conoces al principio de tu carrera, pero en un entorno apocalíptico en lugar de una comedia de situación al uso. Te hace preguntarte a dónde quiere llegar con eso, y transmite una energía crítica sobre nuestra vida adulta temprana. Los aficionados al terror no deberían perdérsela.

Publicado: 29 de marzo de 2022

Editorial: Keylight Books

Extensión: 264 páginas

Sitio web del autor

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Sundial

Dejando lo mejor para el final. Sundial es un libro de terror psicológico, y aunque eso debería bastar para convencerte del concepto, también debes saber que la gente deja malas reseñas en Amazon simplemente porque no pudieron soportar el material perturbador. Se habla de muchos tipos de abuso y violencia, y se hace referencia a ella con una prosa sincera y vívida, por lo que el tema puede resultar difícil de digerir para algunos. Sin embargo, como mencioné antes, algunas de las cosas más aterradoras pueden provenir de lugares y personas cercanas, y cosas que podrían suceder a diario, como las de esta novela. Así que, aunque pueda ser perturbador, sin duda es la realidad para algunas personas.

Publicado: 1 de marzo de 2022

Editorial: Tor Nightfire

Extensión: 304 páginas

Sitio web del autor

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Artículo original en inglés: https://fictiontalk.com/2022/03/24/top-7-new-releases-in-horror-books-march-2022/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 15 de junio de 2021 en fictiontalk.com

Original por: Robert Webb

Traducción por: Lizzy Z.

Mi vecino Totoro, una película de Hayao Miyazaki y Studio Ghibli, es importante por diversas razones culturales y estéticas. Es una historia de fantasía maravillosamente imaginativa y bellamente animada que gente de todas las edades adora. También podría decirse que es una de las mejores películas de anime de todos los tiempos. Sin embargo, como en todas las mejores películas "familiares", su fachada infantil esconde algo mucho más sutil que la historia que realmente presenta, que sigue a dos niñas y sus encuentros con varios espíritus del bosque o "Totoro". Es una película familiar, sin duda, pero dejando de lado la fantasía (me viene a la mente el Gatobús), Totoro tiene mucho que enseñarnos.

Debe ser muy gratificante ver cómo algo creado en 1988 cobra cada vez más relevancia con el paso del tiempo. Ante la creciente preocupación por el cambio climático y el inminente desastre ecológico, Mi vecino Totoro es más importante que nunca. Ellas, junto con su padre, se mudan al campo después de que su madre enferma para estar más cerca de su hospital. Tras adaptarse a su nueva vida, las niñas se encuentran con varios espíritus del bosque, a los que conocen como "Totoro". Es a través de sus encuentros con estos espíritus que llegamos al meollo de la película.

En términos generales, Mi Vecino Totoro trata sobre el valor del mundo natural. También aborda temas de ecología, nuestra relación con la naturaleza y el declive de los espacios naturales. Hay una evidente influencia sintoísta. Si bien no es necesariamente sintoísta, es evidente que muchos de los principios fundamentales de la fe resuenan con Miyazaki, el creador de la película. Como él mismo dijo una vez: «En la época de mis abuelos, se creía que los espíritus existían en todas partes. En los árboles, los ríos, los insectos, los pozos, en cualquier cosa. Mi generación no lo cree, pero me gusta la idea de que debemos atesorar todo porque todo tiene vida». Sin duda, un hombre con un gran amor y respeto por la naturaleza.

En la naturaleza

Totoro actúa casi como un enviado de Miyazaki. Son la vida del bosque, y gracias a su ayuda, Satsuki y Mei pueden sobrellevar la ausencia de su madre. Al dar vida al mundo natural, quizás abrazando el animismo sintoísta, Miyazaki logra representar la dinámica entre los humanos y el mundo natural de maneras maravillosamente imaginativas. La escena donde Satsuki y Mei esperan el autobús de su padre es una de mis favoritas precisamente por eso. Es divertida, conmovedora y logra encapsular a la perfección todo el tema de la película.

Primero, un poco de contexto. El padre de las niñas trabaja hasta tarde una noche y llegará a casa en el autobús nocturno. Mientras lo esperan en la parada, Satsuki y Mei se ponen un poco nerviosas. Pasan varios autobuses, pero su padre no está en ellos. A medida que avanza la hora, se ponen cada vez más ansiosas. Sin embargo, se les une Totoro. A pesar de la oscuridad y la lluvia torrencial, la repentina aparición de la gran bestia no tiene nada de amenazador. Simplemente está esperando un autobús, igual que Satsuki y Mei. Solo lleva una hoja en la cabeza para protegerse de la lluvia, así que Satsuki le da un paraguas de repuesto. Totoro parece encantado con esto, especialmente por el repiqueteo de las gotas de lluvia sobre la lona, ​​rugiendo en señal de aprobación. Poco después, aparece el Gatobús y Totoro se marcha, no sin antes entregarle a Satsuki una pequeña bolsa de semillas mágicas.

Esperando un autobús

Es difícil saber por dónde empezar con esta escena. Me encanta por muchas razones. Creo que lo más importante que me impresionó al verla por primera vez es cómo el mundo natural refleja a la humanidad. Formamos parte de ella y tenemos una conexión íntima con ella. No creo que mucha gente intente negarlo. La aparición de Totoro en la parada de autobús lo demuestra a la perfección. No está allí para hacer nada extraño o inusual, sino que está esperando un autobús, igual que las chicas. Incluso termina sosteniendo un paraguas, lo que acentúa aún más el paralelismo. Si se entiende que Totoro representa la naturaleza, esta escena podría incluso ser un guiño a las creencias animistas sintoístas. La misma vida que habita en los humanos habita en el mundo que nos rodea.

Es muy importante entender esto. Al menos en mi opinión. El momento de la parada de autobús es una lección de perspectiva. Sin ánimo de sonar sentimental, creo sinceramente que apreciar nuestro lugar en el orden natural nos lleva a la superación personal. Comprender que formamos parte de la naturaleza implica respeto por ella, lo que implica respeto mutuo. Sé que suena un poco cursi (por falta de una palabra mejor), pero es cierto. Tenemos nuestro propio nicho junto a los demás, y eso nos llena de humildad.

El deleite que Totoro parece sentir con el sonido de la lluvia contra su nuevo paraguas también dice mucho. Actúa como un niño, con una inocencia juguetona. Algo tan simple como el sonido de la lluvia le brinda una felicidad infinita. En los últimos años (sobre todo durante la pandemia), he hecho un esfuerzo consciente por intentar ser más así yo mismo. Disfrutando de las cosas sencillas pero hermosas. Y lo recomiendo encarecidamente. Busca un lugar verdaderamente salvaje, libre de cemento y de los ruidos de la vida urbana. No necesita vistas impresionantes ni formaciones geológicas únicas. Simplemente necesita ser un lugar donde puedas experimentar la naturaleza sin interrupciones.

Una vez que encuentres un lugar así, simplemente espera y observa. Tus experiencias pueden variar, por supuesto, pero casi siempre me entretiene, me fascina o, a veces, simplemente me desconcierta lo que veo. Con las interacciones entre la vida animal y vegetal, el ciclo de crecimiento y renacimiento, y las complejidades del diseño de la naturaleza, no es difícil entender por qué los sintoístas creen que los "kami" (espíritus) habitan en todas las cosas. En cualquier caso, te hará bien alejarte de la vida moderna, aunque sea por un momento. A pesar de la abundancia de vida y energía, también hay una quietud notable en estos lugares. Una dosis de la cual le sienta de maravilla a cualquiera.

La película en sí misma encarna esta idea. Muchos críticos, como Roger Ebert, han destacado la clara ausencia de conflicto. Lejos de ser una crítica, esto es, de hecho, un testimonio de la creación de Miyazaki de un lugar que se siente casi como un oasis. Un punto sereno de tranquilidad en un mundo cada vez más caótico. La escena de la parada de autobús lo demuestra maravillosamente. La naturaleza nos rodea, lista para brindarnos su apoyo. Cuando las chicas necesitan a Totoro, él está listo y esperando. No hay misterio, ni obstáculo, ni búsqueda. Si lo necesitamos, estará ahí. Siempre y cuando lo protejamos, claro está, pero esa es otra historia. Somos parte de él, y él es parte de nosotros.

Todo esto puede parecer una vaga tontería pseudoespiritual, y sé que a veces lo parece. Sin embargo, creo firmemente que Totoro puede enseñarnos varias lecciones ecológicas vitales. Un poco de perspectiva puede ser muy útil.

Artículo original en inglés: https://fictiontalk.com/2021/06/15/my-neighbour-totoro-bus-stop-ecology/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.