Artículo original publicado el 29 de julio de 2024 en spoon-tamago.com

Original por: Johnny

Traducción por: Lizzy Z.

Tulipán, en Japón, se pronuncia chulip. Y chu significa beso, por lo que era inevitable que alguien se divirtiera con el juego de palabras. Pero nunca imaginé una serie de obras de arte tan extraña como esta. El artista Takayuki Fukusawa (famoso por su collar de escote) creó una planta ficticia llamada Chulip¹, así como un diario ficticio para documentar científicamente sus hallazgos ficticios.

Las ilustraciones puntillistas, a la vez misteriosas y divertidas, son realmente exquisitas y le valieron a Fukusawa un Premio Internacional de Ilustración² el año pasado.

Fukusawa incluso convirtió su creación en un objeto inerte: un recipiente que puede usarse como macetero, taza o decantador de vino. Los vende en el sitio web de artesanías Minne³ por 3200 yenes.

Artículo original en inglés: https://www.spoon-tamago.com/chu-lip-the-fictional-plant-that-loves-to-kiss/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 9 de febrero de 2026 en koreanindie.com

Original por: Ashley J. Chong

Traducción por: Lizzy Z.

Antes de conocer a flow blow, conocía su música. Si eres fan del K-pop, seguramente tú también. El dúo estuvo detrás de la canción debut de Wanna One, "Energetic", y también trabajó en temas conocidos como "Shine" de PENTAGON y "Pick Me" de PRODUCE 48. Casi una década después de comenzar su trayectoria como productores, flow blow lanzó su primer EP, presentándose nuevamente como artistas.

Me intrigó la historia de flow blow cuando contactaron con nosotros. Como alguien familiarizado con los lanzamientos de K-pop del dúo, tenía curiosidad por la evolución de su sonido artístico y cómo llegaron a donde están ahora.

Por favor, preséntense a nuestros lectores.

Hola, Korea Indie, somos flow blow. Zyro y HAI trabajamos juntos como dúo.

¿Qué significa su nombre artístico? ¿Usaron el mismo nombre mientras producían para otros artistas?

Cuando empezamos a trabajar como productores, entramos en la escena del K-pop, y el nombre surgió de un juego de palabras. En lugar de simplemente seguir la corriente de la música pop convencional, queríamos "explotarla" o desafiarla a nuestra manera.

Para ser honestos, también nos gustó mucho lo bonito que sonaba el nombre. Cuando trabajamos como artistas, usamos el nombre escrito en minúscula como "flow blow". Queríamos separar sutilmente nuestra identidad como productores, Flow Blow, de quiénes somos como artistas.

Antes de lanzar su propia música, eran productores. ¿Esta secuencia fue intencionada?

En realidad, fue todo lo contrario. Al principio, queríamos ser DJs y admirábamos mucho a artistas como Zedd. Gracias a una oportunidad inesperada y muy agradecida, empezamos a trabajar como productores en la escena del K-pop. Mientras tanto, nuestros planes de lanzar nuestro propio disco se posponían constantemente.

¿Cómo creen que su experiencia como productores ha influido en su enfoque musical actual?

Trabajar con diferentes artistas nos permitió observar de cerca el proceso de grabación y aprender mucho de diversos colaboradores de la escena pop. Nuestra experiencia con la mezcla, masterización y distribución se ha convertido en una base sólida para crear nuestro propio EP.

No creemos que nuestro enfoque musical haya cambiado drásticamente. Si antes producíamos para otros grandes artistas, ahora simplemente nos centramos en encontrar el estilo que mejor se adapta a nosotros. Dado que el K-pop abarca una gama tan amplia de géneros, también nos ayudó a expandir de forma natural nuestro espectro musical. Si escuchas nuestra música, probablemente notarás una gran variedad de matices.

¿Cómo fue la transición entre los diferentes roles (productor vs. artista)? ¿Surgieron desafíos inesperados en el proceso?

Cuando trabajábamos como productores, podíamos centrarnos exclusivamente en la música, ya que la compañía se encargaba del marketing y la producción general [de los lanzamientos]. Sin embargo, como artistas independientes, somos responsables de cada paso, desde la promoción hasta la producción, lo que sin duda conlleva más desafíos.

Para este EP, produjimos discos físicos por primera vez, y la comunicación con las fábricas y la promoción de los productos terminados todavía se siente extraña y difícil en ocasiones.

En Apple Music, su discografía se etiquetó inicialmente como K-pop ("peace signs", "spotlight"), luego se inclinó hacia el dance con "invisible" y, desde "second to me", se ha etiquetado como electrónica. ¿Cómo identifican su música? ¿Y cuáles son sus influencias musicales?

En cuanto a géneros, creemos que aún estamos construyendo nuestra propia identidad, y agradeceríamos que los oyentes pudieran acompañarnos en ese viaje. Musicalmente, nos apasiona una amplia gama de estilos, desde el jazz hasta la música electrónica y el trap. Es difícil señalar un solo género como nuestra principal influencia.

Ya sea por la elección de sonidos (la batería de "Spotlight" en la introducción me recordó a la de la película Pantera Negra) o por breves momentos de teoría musical (la ligera modulación en "OUTTA TOUCH"), parece que hay mucha intención detrás de cómo unen sus canciones.

¿Cuál es su enfoque musical? ¿Y para quién crean música?

Antes que nada, gracias por escuchar nuestra música con tanta atención. Más allá de crear buenas melodías o armonías, intentamos contar una historia a través de nuestras canciones. Al construir esa historia, solemos centrarnos más en la narrativa —casi como guionistas— que en la teoría musical.

No nos fijamos un público objetivo específico al crear música. Primero la creamos para nosotros mismos, pero, por supuesto, esperamos sinceramente que conecte con la mayor cantidad de gente posible.

¿Qué los inspira? ¿Cómo se les ocurrió el título NOISY DAWN?

Este EP nació inspirado en la idea del "amanecer". NOISY DAWN cuenta literalmente la historia de un "amanecer ruidoso".

Un amanecer puede sentirse abarrotado y bullicioso en algunos lugares, mientras que en otros evoca vacío, emoción o tristeza. Queríamos capturar estas emociones contrastantes que coexisten al amanecer.

Para la financiación colectiva del EP, permitieron el acceso a archivos de Ableton. Parece que buscan no solo invitar a los fans al espacio creativo, sino también inspirar a futuros músicos.

De hecho, ya hemos impartido seminarios para personas interesadas en nuestro proyecto. Desde nuestros inicios como productores, mucha gente sentía curiosidad por los aspectos técnicos y musicales de nuestros archivos de sesión. Compartir los archivos de Ableton fue una de las maneras en que queríamos responder a ese interés.

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¿Cuál fue la lógica detrás de esta decisión?

Cuando estudiábamos música, éramos grandes fans de Mr. Bill. Comprar sus archivos de proyecto nos hacía inmensamente felices y nos ayudaban mucho en la práctica. Queríamos compartir esa experiencia con los demás.

¿Qué los inspiró a empezar con la música?

HAI: Quizás por mis padres, la música siempre me ha acompañado desde que nací, casi como una manta de seguridad con la que creces. No hubo un solo momento que me inspirara; hacer música simplemente se siente natural para mí.

ZYRO: Aprendí piano en la iglesia de joven, lo que despertó mi interés por la música. Más adelante, a pesar de la oposición de mis padres, comencé a asistir a una academia y me dediqué a la música más en serio.

Han trabajado con otros artistas anteriormente, y en su EP debut, destacamos la colaboración con HYO, miembro de Girls’ Generation, DJ y solista, y la cantautora Nia. ¿Cómo surgen estas colaboraciones?

Ya éramos fans de HYO cuando era DJ. Nos pusimos en contacto con ella a través de SM y aceptó amablemente la colaboración. Fue un sueño hecho realidad y estamos muy agradecidos.

Conocimos a Nia en Corea en 2025 a través de una presentación editorial. Sentimos que su tono y expresividad encajaban a la perfección con nuestra música, así que le pedimos que participara en una canción. Aportó ideas líricas ricas y líneas fuertes en ambos temas principales [“OUTTA TOUCH”, “WILDCHILD”], y quedamos muy satisfechos con el resultado.

Sus lanzamientos suelen ir acompañados de visualizadores. Los dos de las canciones principales de NOISY DAWN me recordaron a los humanoides plateados de los videoclips de Hitchhiker, mientras que, por otro lado, el visualizador de "let us part" es más extravagante, protagonizado por dos osos.

¿Cómo ven la relación entre los elementos visuales y la música? ¿Qué tan necesarios son para experimentar la visión/intención completa de la canción?

Siempre hemos creído que los elementos visuales son importantes, ya que pueden mejorar enormemente la inmersión musical. Sin embargo, no los consideramos absolutamente esenciales, en parte porque crearlos nosotros mismos cada vez puede ser exigente.

En el fondo, somos músicos, así que consideramos los elementos visuales un elemento adicional. Aun así, cuando sentimos que hay un mensaje visual fuerte que transmitir, terminamos creándolos sin darnos cuenta del esfuerzo que requiere.

Ampliando los sentidos, si su música fuera un sabor y un aroma, ¿cuáles serían y por qué?

Sería el aroma de una fruta pelada que aún no ha madurado del todo. No creemos que nuestra música sea perfecta todavía; actualmente, tiene una frescura cruda y sin refinar. Esperamos que los oyentes disfruten viéndonos madurar con el tiempo, jaja.

¿Qué sigue para flow blow? ¿Algún comentario final para nuestros lectores?

Nos estamos preparando para las presentaciones en vivo con la vista puesta en 2026 y también estamos trabajando arduamente en nuestro próximo lanzamiento. Esperamos que nos sigan.

Esperamos poder conocerlos en persona algún día. Muchas gracias por tomarse el tiempo de encontrarnos y leer nuestra historia; incluso un poco de atención significa mucho para nosotros. Tenemos muchas más historias interesantes que contar y haremos todo lo posible para crear oportunidades para compartirlas.

Spotify

Artículo original en inglés: https://www.koreanindie.com/2026/02/09/interview-with-flow-blow/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 23 de febrero de 2012 en messynessychic.com

Original por: Messynessy

Traducción por: Lizzy Z.

¿Sabías que durante casi una década (9 años para ser exactos), la marca de automóviles Citroën alquiló la Torre Eiffel y la iluminó con 125.000 luces brillantes? El letrero se erigió en 1925 y permaneció allí hasta que Citroën quebró por primera vez en 1934. Lo irónico es que su quiebra se debió en parte a las elevadísimas facturas de electricidad.

Artículo original en inglés: https://www.messynessychic.com/2012/02/22/the-eiffel-tower-was-once-a-giant-advertising-billboard/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 26 de junio de 2017 en messynessychic.com

Original por: Messynessy

Traducción por: Lizzy Z.

La actriz Phyllis Gordon con su guepardo.

“En resumen, estamos íntimamente ligados a los animales y es satisfactorio acogerlos y domesticarlos. Subconscientemente, somos una mezcolanza. No sabemos quiénes somos, así que, para simplificar, basamos nuestra individualidad en los animales.”

Dr. Yi-Fu Tuan, geógrafo cultural de la Universidad de Wisconsin

“Existe una tensión constante al mantener animales salvajes. La gente los quiere salvajes, pero también quiere que se comporten bien.”

-Dr. Serpell, director del Centro para la Interacción de los Animales y la Sociedad de la Facultad de Medicina Veterinaria de la Universidad de Pensilvania

Audrey Hepburn y su cervatillo

Salvador Dalí y su oso hormiguero saliendo del metro de París

Josephine Baker y su mascota guepardo, 1931

Un hombre con su perro y su jabalí en 1955

Zorita, la bailarina burlesca, pasea a su serpiente mascota. En la sociedad moderna, el estereotipo es que los hombres suelen preferir animales depredadores como mascotas y las mujeres prefieren adoptar criaturas "lindas". Esta mujer no.

Frida Kahlo con su mascota Granizo, 1939

Canguro como mascota, 1959 en Nueva York

Desayuno con macota chimpancé, 1971

El leopardo negro mascota “juega” en el patio trasero, 1971.

June Havoc y su mascota tucán, 1950

Jugando con un leopardo como mascota, 1971

Rupert el Rino, 1960

Ocelote mascota, 1961

Un hombre y su mascota Caimán Trudy, Reino Unido, 1963

Una mujer parisina y su guepardo, 1932.

Esta es una copia antigua de un catálogo de mascotas exóticas publicado por Stromberg.

Desde tiempos inmemoriales, la humanidad ha intentado domesticar animales. Las culturas aborígenes capturaron y domesticaron una amplia gama de mamíferos, como aves, jaguares y osos. En las tribus amazónicas, las mujeres incluso amamantaban a sus crías. Las mascotas salvajes también ayudaban a los niños a aprender sobre los animales. Para la realeza y los ricos, mantener grandes colecciones de animales exóticos era una forma de ostentar riqueza y poder.

“Todos los animales existen de forma independiente y necesitan respeto. Esto es diferente a la tenencia de mascotas contemporánea, donde el animal se reduce a un niño.”

Dr. Eugene Hunn, etnobiólogo de la Universidad de Washington

Vía Retronaut y New York Times

Artículo original en inglés: https://www.messynessychic.com/2012/04/19/when-wild-pets-were-the-accessory-du-jour/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 24 de junio de 2021 en ricedigital.co.uk

Original por: Conor Evans

Traducción por: Lizzy Z.

La temporada de primavera del anime está llegando a su fin, y ya es hora de repasar algunas de las series que más me llamaron la atención durante los últimos tres meses. Hablaré de tres series en particular que me sorprendieron gratamente o que considero buenas adaptaciones. Sin más demora, ¡hablemos de anime!

Ijiranaide, Nagatoro-san

En mi artículo "Esperando con ansias el mejor anime de la temporada de primavera¹" hablé sobre Nagatoro y cómo pensé que esta serie iba a hacer algo similar a Uzaki-chan con respecto a agitar Internet y causar algo de caos... Desafortunadamente, tenía razón, pero eso murió rápidamente y la gente volvió a disfrutar de la serie por lo que es: ¡divertida!

Soy fan del manga Nagatoro y busco activamente series similares, ya que me resultan fáciles de leer y relajantes, ya que evitan el tormento emocional de las series románticas más dramáticas. Aunque me encanta el manga shounen y seinen, las comedias románticas son una de mis debilidades; me encantan especialmente las series similares a Nagatoro, como Gal Gohan, Yancha Gal No Anjou-San y Hajimete no Gal. Aunque es un poco especifico, me encantan las series "Gyaru" con un toque de humor.

Nagatoro ha sido divertidísima durante toda su temporada, y aunque a veces le grito al protagonista masculino, Naoto (mejor conocido como Senpai/Paisen), que tenga agallas y le diga a esta chica que se calle, me encuentro feliz al final de cada episodio y con ganas de ver el siguiente. Las emociones principales y las partes de la serie que necesitaban ser perfectas (es decir, las expresiones icónicas de Nagatoro) fueron perfectas, y espero que podamos ver más de sus travesuras en el futuro.

Vivy: Fluorite Eye’s Song

Cuando IAs altamente evolucionadas se proponen erradicar a la humanidad, la carnicería resultante llena el aire con el hedor de sangre fresca y cuerpos quemados. En un intento desesperado por evitar que la calamidad ocurra, un científico lo apuesta todo a un vestigio del pasado.

Vivy, la primera IA autónoma de la historia, es una cantante encargada de difundir felicidad a través de su voz. En un parque temático donde rara vez encuentra un público adecuado, se esfuerza por entregar todo su corazón en sus actuaciones, obligada a repetirlo día tras día, hasta que una IA avanzada del futuro aparece ante ella y le pide ayuda para detener una guerra devastadora que lleva cien años fraguándose. Sin tiempo para procesar la revelación que trastoca su mundo, Vivy se ve catapultada a un viaje de un siglo para evitar la violenta historia que está por venir.

Probablemente no hayas oído hablar de la serie, pero sin duda conoces al estudio que la animó: Studio Wit. Son conocidos por su asombroso trabajo en la mayoría de las temporadas de Attack on Titan, además de otras series populares como Vinland Saga y Great Pretender.

No solo es una producción de Wit, sino que también es una serie de anime original y ha sido un placer verla cada semana. La serie se centra en Vivy, una IA cantante que carga con el destino de la humanidad mientras asume la responsabilidad que le ha sido impuesta. Vivy es un personaje increíblemente interesante, ya que es una IA que, a pesar de su programación, busca constantemente lo que significa "poner el corazón en algo".

Tokyo Revengers

Tokyo Revengers ha sido probablemente mi anime favorito de esta temporada, y hay varias razones para ello. Nuestro protagonista, Takemichi, presumiblemente muere tras ser empujado a un tren que se aproximaba, cuando de repente despierta 12 años atrás. Tras revivir sus días de instituto, Takemichi se encuentra con Naoto, el hermano menor de su novia del instituto, y cuando se dan la mano, Takemichi viaja en el tiempo y regresa al presente.

Sin embargo, hay un giro inesperado: el presente ha cambiado. Antes de viajar en el tiempo, Naoto y su hermana fueron víctimas fatales en la batalla entre pandillas rivales, pero tras el encuentro de Naoto con Takemichi en el pasado, ahora está vivo y lo busca. Tras hablar sobre su capacidad de viajar en el tiempo, se embarcan en una misión para salvar a la hermana de Naoto viajando en el tiempo y deteniendo los eventos cruciales que causan esta rivalidad entre pandillas.

El comienzo de Tokyo Revengers parece bastante típico, con el protagonista lleno de arrepentimiento por cómo vivió sus días escolares, lo que lo llevó a la edad adulta siendo un cobarde sin carácter cuya palabra más repetida es "lo siento". Pensé que la historia se centraría simplemente en Takemichi teniendo una segunda oportunidad para hacer las cosas de otra manera, pero Tokyo Revengers es mucho más que eso.

Takemichi debe regresar al presente para asegurarse de que los acontecimientos hayan cambiado. Mientras está en el presente, Takemichi se encuentra con personas de su pasado y aprende más sobre cómo las pandillas han causado tanto dolor a quienes lo rodean. Vemos a Takemichi pasar de ser un completo llorón a alguien que lucha por proteger a sus seres queridos para construir un futuro mejor.

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Sinceramente, ha habido una gran selección de buenas series esta temporada. 86 es otra serie que he seguido al día, al igual que HigeHiro y un par más. Sin embargo, estas tres que mencioné en particular han sido realmente destacadas para mí y son series que he esperado con ansias cada semana. ¡La temporada de verano se acerca pronto, así que pronto también les contaré algunas reflexiones sobre ellas!

Artículo original en inglés: https://ricedigital.co.uk/the-spring-season-anime-that-we-loved/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

1 https://ricedigital.co.uk/spring-season-anime-2021/

Artículo original publicado el 8 de abril de 2023 en fictiontalk.com

Original por: James Laight

Traducción por: Lizzy Z.

Xbox Live Arcade (XBLA) fue una plataforma de distribución digital de videojuegos para la consola Xbox 360. Se lanzó el 22 de noviembre de 2005 y ofrecía una amplia gama de juegos a precios asequibles. XBLA permitía a los desarrolladores independientes publicar sus juegos en la plataforma, lo que contribuyó a ofrecer títulos nuevos e innovadores a los jugadores. En este artículo, profundizaremos en la historia y los datos de Xbox Live Arcade.

Los primeros días de Xbox Live Arcade

XBLA se lanzó inicialmente como un complemento para la interfaz de Xbox 360. Ofrecía una selección limitada de juegos, incluyendo clásicos como Pac-Man y Galaga. Estos juegos se renovaron con gráficos de alta definición y nuevos modos de juego para hacerlos más atractivos para el público moderno.

Con el tiempo, XBLA empezó a atraer la atención de desarrolladores independientes que buscaban una forma de acercar sus juegos a un público más amplio. Microsoft aprovechó esta tendencia y comenzó a ofrecer más apoyo a los desarrolladores independientes que querían publicar sus juegos en XBLA.

El auge de los juegos independientes en Xbox Live Arcade

XBLA se convirtió en una plataforma para que los desarrolladores independientes mostraran su creatividad y ofrecieran experiencias de juego únicas a los jugadores. Algunos de los juegos independientes más populares de XBLA incluyen Braid, Castle Crashers y Limbo. Estos juegos ayudaron a consolidar XBLA como un centro para el desarrollo de juegos independientes y abrieron el camino para que otras plataformas siguieran su ejemplo.

Microsoft también apoyó a los desarrolladores independientes mediante iniciativas como el programa Summer of Arcade. Este programa destacó los nuevos juegos independientes lanzados en XBLA durante el verano, ofreciendo descuentos y otros incentivos a los jugadores que los adquirieran.

El legado de Xbox Live Arcade

XBLA fue una parte importante del éxito de Xbox 360 y contribuyó a establecer la consola como un centro de juegos digitales. También abrió el camino para que otras plataformas de distribución digital, como PlayStation Network y Steam, siguieran sus pasos.

A pesar de su éxito, XBLA finalmente dio paso a Xbox Game Pass, un servicio de suscripción que ofrece acceso a una amplia gama de juegos de Xbox. Xbox Game Pass ofrece a los jugadores una mayor selección de juegos y elimina la necesidad de comprarlos individualmente. Sin embargo, el legado de XBLA aún se siente en la industria de los videojuegos.

Conclusión

Xbox Live Arcade fue una plataforma de distribución digital que ofrecía a los jugadores una amplia gama de juegos a precios asequibles. Fue una parte importante del éxito de Xbox 360 y contribuyó a consolidar la consola como un centro de juegos digitales. XBLA también sentó las bases para el desarrollo de juegos independientes y estableció un legado que aún se siente en la industria de los videojuegos. Aunque XBLA ya no existe, su impacto en la industria de los videojuegos será inolvidable.

Artículo original en inglés: https://fictiontalk.com/2023/04/08/xbox-live-arcade-history-and-facts/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.