Artículo original publicado el 8 de abril de 2023 en fictiontalk.com

Original por: James Laight

Traducción por: Lizzy Z.

Xbox Live Arcade (XBLA) fue una plataforma de distribución digital de videojuegos para la consola Xbox 360. Se lanzó el 22 de noviembre de 2005 y ofrecía una amplia gama de juegos a precios asequibles. XBLA permitía a los desarrolladores independientes publicar sus juegos en la plataforma, lo que contribuyó a ofrecer títulos nuevos e innovadores a los jugadores. En este artículo, profundizaremos en la historia y los datos de Xbox Live Arcade.

Los primeros días de Xbox Live Arcade

XBLA se lanzó inicialmente como un complemento para la interfaz de Xbox 360. Ofrecía una selección limitada de juegos, incluyendo clásicos como Pac-Man y Galaga. Estos juegos se renovaron con gráficos de alta definición y nuevos modos de juego para hacerlos más atractivos para el público moderno.

Con el tiempo, XBLA empezó a atraer la atención de desarrolladores independientes que buscaban una forma de acercar sus juegos a un público más amplio. Microsoft aprovechó esta tendencia y comenzó a ofrecer más apoyo a los desarrolladores independientes que querían publicar sus juegos en XBLA.

El auge de los juegos independientes en Xbox Live Arcade

XBLA se convirtió en una plataforma para que los desarrolladores independientes mostraran su creatividad y ofrecieran experiencias de juego únicas a los jugadores. Algunos de los juegos independientes más populares de XBLA incluyen Braid, Castle Crashers y Limbo. Estos juegos ayudaron a consolidar XBLA como un centro para el desarrollo de juegos independientes y abrieron el camino para que otras plataformas siguieran su ejemplo.

Microsoft también apoyó a los desarrolladores independientes mediante iniciativas como el programa Summer of Arcade. Este programa destacó los nuevos juegos independientes lanzados en XBLA durante el verano, ofreciendo descuentos y otros incentivos a los jugadores que los adquirieran.

El legado de Xbox Live Arcade

XBLA fue una parte importante del éxito de Xbox 360 y contribuyó a establecer la consola como un centro de juegos digitales. También abrió el camino para que otras plataformas de distribución digital, como PlayStation Network y Steam, siguieran sus pasos.

A pesar de su éxito, XBLA finalmente dio paso a Xbox Game Pass, un servicio de suscripción que ofrece acceso a una amplia gama de juegos de Xbox. Xbox Game Pass ofrece a los jugadores una mayor selección de juegos y elimina la necesidad de comprarlos individualmente. Sin embargo, el legado de XBLA aún se siente en la industria de los videojuegos.

Conclusión

Xbox Live Arcade fue una plataforma de distribución digital que ofrecía a los jugadores una amplia gama de juegos a precios asequibles. Fue una parte importante del éxito de Xbox 360 y contribuyó a consolidar la consola como un centro de juegos digitales. XBLA también sentó las bases para el desarrollo de juegos independientes y estableció un legado que aún se siente en la industria de los videojuegos. Aunque XBLA ya no existe, su impacto en la industria de los videojuegos será inolvidable.

Artículo original en inglés: https://fictiontalk.com/2023/04/08/xbox-live-arcade-history-and-facts/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 23 de enero de 2025 en koreatimes.com.kr

Original por: KTimes

Traducción por: Lizzy Z.

La actriz Han Ji-min interpreta a la meticulosa directora ejecutiva de una empresa de búsqueda de talentos en el drama de SBS "Love Scout". Cortesía de SBS.

El exitoso drama "Love Scout", centrado en una directora ejecutiva y su secretario, está arrasando en el mundo de los K-dramas. Al invertir los roles de género tradicionales, la serie destaca una tendencia creciente en los dramas coreanos de invertir los clichés clásicos.

De ‘Cenicienta’ a mujer profesional

Las protagonistas femeninas de los K-dramas se han retratado durante mucho tiempo como cenicientas o personajes valientes y optimistas que superan la adversidad. Sin embargo, una nueva ola de dramas está cambiando radicalmente esta narrativa. Series como "Love Scout", con Han Ji-min como una imponente directora ejecutiva, y "When The Stars Gossip", protagonizada por Han Ji-eun como una figura de élite chaebol de segunda generación, destacan a las mujeres en puestos de poder, apoyadas por sus homólogos masculinos en roles más modestos.

En “Love Scout”, Han Ji-min interpreta a Kang Ji-yoon, una emprendedora ambiciosa que convierte su empresa en la segunda más grande de su sector en tan solo cinco años. Su actitud fría y calculadora la distingue de los protagonistas típicos de las comedias románticas. Frente a ella, Lee Jun-hyuk interpreta a Yoo Eun-ho, un secretario afectuoso descrito como una mezcla de resiliencia y ternura. Su dinámica presenta a una mujer carismática y con ambición profesional, acompañada de un protagonista masculino cariñoso, lo que le da un giro innovador a los clichés románticos habituales.

Un tema similar se desarrolla en "When The Stars Gossip" de tvN, donde Lee Min-ho interpreta a Gongryong, un modesto médico comprometido con una heredera chaebol, Choi Go-eun, interpretada por Han Ji-eun. "Queen of Tears", del año pasado, también exploró una narrativa cliché inversa, centrándose en una rica heredera y su esposo oficinista.

Redefiniendo las relaciones

La diferencia clave en estos dramas reside en la dinámica de género. Las protagonistas femeninas asumen roles tradicionalmente masculinos, a menudo superando a sus homólogos masculinos en estatus social y marcando las relaciones. En "Love Scout", la inversión del estereotipo del "director ejecutivo y la secretaria" aporta un giro irónico y entretenido.

Según Nielsen Korea, "Love Scout" alcanzó un máximo histórico de audiencia del 11,4 % en su sexto episodio, tras superar el 11,3 % en el cuarto. Los fans afirman que el éxito de la serie se debe a sus sólidas actuaciones y al atractivo renovador de su visión de clichés anticuados.

El auge de este tipo de programas no es solo un experimento, sino un reflejo de la evolución narrativa de los dramas coreanos. Al desafiar las normas establecidas, estas narrativas conectan con el público que busca algo nuevo. A medida que más series adoptan estas nuevas dinámicas, los espectadores se preguntan: ¿Podrían los clichés inversos convertirse en un género propio?

Artículo original en inglés: https://www.koreatimes.co.kr/www/art/2025/01/398_390987.html

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 14 de diciembre de 2025 en spoon-tamago.com

Original por: Johnny

Traducción por: Lizzy Z.

Todas las fotografías son cortesía del Museo de Arte Onomichi.

Lamentablemente, Japón ha dicho adiós a un gato muy querido. Ken-chan, el felino local cuya épica batalla con un guardia de seguridad en el Museo de Arte Onomichi de Hiroshima se convirtió en un clásico, falleció en septiembre.

La historia de Ken-chan comienza en 2017, cuando el Museo de Arte Onomichi presentaba una exposición de obras de arte con temática de gatos. Ken-chan, el gato de una cafetería local, sintió, comprensiblemente, curiosidad por la obra y se atrevió a entrar al museo.

Sin embargo, el guardia de seguridad del museo no lo permitió. Ken-chan, obstinado, seguía regresando, intentando entrar en los pasillos del museo. Un día incluso logró pasar la entrada principal, pero fue rápidamente capturado y sacado a la fuerza. El "ataque y defensa" del gato contra el guardia fue grabado por el personal del museo y publicado en las redes sociales del museo, donde se difundió por todo Japón y más allá.

Ken-chan se convirtió en un personaje habitual del museo y el intercambio fue tan popular que el museo incluso creó una línea de productos inspirados en él. Esta bolsa de mano fue una de nuestras favoritas.

Sin embargo, con el tiempo, Ken-chan perdió el interés en entrar al museo y, en cambio, desarrolló un cariño especial por el guardia de seguridad. Comenzaría a aparecer solo para ver a su amigo. Y cuando el guardia tenía días libres, Ken-chan ni siquiera aparecía.

Lamentablemente, el museo anunció recientemente que Ken-chan falleció en septiembre. Sin duda, lo extrañaremos, pero no lo olvidaremos. 

Artículo original en inglés: https://spoon-tamago.com/onomichi-museum-cat-ken-chan/#more-58422

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 21 de junio de 2025 en spoon-tamago.com

Original por: Johnny

Traducción por: Lizzy Z.

En su última exposición ‘FACE’ la ilustradora dirige su mirada a las expresiones faciales de personas, mascotas e incluso alimentos.

Marie Asaba¹ es una ilustradora residente en Yokohama que retrata niños, animales y plantas con expresiones delicadas y composiciones audaces. Criada en la exuberante Toyama, Asaba se inspira en sus tempranas conexiones con la naturaleza para inspirar su obra y su propia identidad. En una nueva exposición titulada «FACE», la ilustradora dirige su mirada a las sutiles expresiones de sus numerosos sujetos, tanto animados como inanimados.

Actualmente en la galería ONDO² de Tokio, la exposición individual de Marie Asaba presenta numerosas ilustraciones que abarcan desde personas y mascotas hasta alimentos y objetos cotidianos del hogar. Cada una está creada con una intención deliberada que realza el tema, permitiendo al espectador observar y reflexionar sobre su expresión.

Si bien las obras de Asaba son mayoritariamente digitales y se componen de impresiones giclée, la exposición presenta varias obras alteradas a mano con lápices de colores para añadir textura. Si te encuentras en el distrito Kiyosumi-Shirakawa de Tokio, te recomendamos visitar la Galería ONDO para ver la exposición, que estará abierta hasta el domingo 22 de junio.

Si te pierdes la exposición, también puedes ver varias de las impresiones de Asaba, disponibles en línea³. También puedes seguir a la ilustradora en Instagram⁴.

Artículo original en inglés: https://spoon-tamago.com/illustrator-marie-asaba-face/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 23 de febrero de 2023 en tokyojournal.com

Original por: TJ

Traducción por: Lizzy Z.

– Inaugurados entre 2020 y 2021 –

Mientras el mundo luchaba contra la propagación del COVID-19, numerosos hoteles abrían sus puertas en Japón. Muchos de estos hoteles y posadas se preparaban para los Juegos Olímpicos y Paralímpicos de Tokio 2020, anticipando una avalancha de visitantes extranjeros. Sin embargo, el aplazamiento de los Juegos Olímpicos y Paralímpicos durante un año debido a la pandemia puso a las industrias turística y hotelera del país en una situación económica difícil. A pesar de este desafío, las ideas innovadoras y el deseo de emprender nuevos negocios persistieron, y muchos de los hoteles abrieron sus puertas. A continuación, se presentan algunos de los hoteles más interesantes que abrieron sus puertas entre 2020 y 2021. Merece la pena visitarlos para descubrir la cultura japonesa y el encanto de estos hoteles.

Hotel Around Takayama
https://hotel-around.com/takayama/

El hotel crea un encuentro entre la ciudad y el viajero.

La ciudad de Takayama, en la prefectura de Gifu, a menudo llamada Hida Takayama, es conocida por su paisaje urbano antiguo. El Hotel Around Takayama, inaugurado en julio de 2021, sirve de puente entre esta tradicional ciudad y los viajeros que desean descubrir su encanto. El hotel fue diseñado para que los turistas puedan experimentar activamente la cultura de las diversas maneras que los residentes locales adoran. Por ejemplo, en el salón de la primera y segunda planta, hay 100 tarjetas que presentan los lugares y especialidades más famosos de la ciudad. Los huéspedes pueden crear sus propias guías seleccionando las tarjetas que les interesen. Además, el mapa turístico en la pared incluye códigos QR que pueden escanearse para acceder a las tiendas y otros lugares de interés. Los visitantes pueden alquilar bicicletas en el hotel y disfrutar de la magnífica naturaleza de Takayama de camino a sus destinos. Con habitaciones de madera que evocan el bosque y amplios baños de aguas termales para calmar el cansancio, este hotel es muy recomendable para quienes deseen disfrutar activamente de la riqueza de la naturaleza.

Glamping Spa Sendai Mori Komorebi
https://www.akiu-rantei.com/

Disfruta de una experiencia de baño al aire libre.

El Glamping Spa Sendai Mori Komorebi, inaugurado en agosto de 2021, cuenta con tres tiendas temáticas: "Zeon", "Astel" y "Gunay". Zeon admite mascotas y cuenta con un miniparque para perros. Astel cuenta con un planetario, y Gunay te hará sentir como una princesa. Con baños al aire libre, habitaciones, baños y otras instalaciones acuáticas dentro de las instalaciones, podrás disfrutar del glamping en un espacio completamente privado, sin contacto con otros huéspedes. Una posada termal también opera estas instalaciones, así que puedes disfrutar de un auténtico baño termal. Astel es maravilloso. No solo puedes disfrutar del planetario interior, sino que también está equipado con un telescopio astronómico para contemplar el cielo estrellado de la prefectura de Miyagi en todo su esplendor. Por la noche, no olvides encender la barbacoa para disfrutar de una comida elaborada con ingredientes únicos de Sendai, que goza de una naturaleza y una gastronomía abundantes. Este es un lugar ideal para familias, con opciones para todos los gustos.

El artículo completo se puede encontrar en el número 281 del Tokyo Journal.

Artículo original en inglés: https://www.tokyojournal.com/sections/travel-food/item/1021-japan%E2%80%99s-newest-most-innovative-hotels.html

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 5 de diciembre de 2019 en thefashionlaw.com

Original por: ...

Traducción por: Lizzy Z.

Con sede a una hora de Manhattan, en Carlstadt, Nueva Jersey, una empresa llamada Pantone clasifica el color y lo vende. Fundada en la década de 1950 por los hermanos Morris y Jesse Levine como imprenta comercial, M&J Levine Advertising evolucionó hasta convertirse en algo completamente distinto en la década de 1960, cuando el empleado Lawrence Herbert renovó la división de tinta e impresión de la empresa, introdujo un sistema para "simplificar el stock de pigmentos y la producción de tintas de colores de la empresa" y la encaminó a convertirse en "la autoridad mundial en color".

En las décadas transcurridas desde que Herbert se hizo cargo de la empresa, compró a los hermanos Levine y cerró su división de publicidad comercial en números rojos, Pantone se ha hecho un nombre en gran medida gracias a su Pantone Matching System, una oferta exclusiva para todo lo relacionado con el color que comenzó como un sistema estandarizado para diseñadores profesionales en 1963, pero que desde entonces se ha transformado en una especie de fenómeno cultural y referencia para empresas que abarcan una amplia variedad de industrias.

“Al notar lo difícil que era para los diseñadores, las agencias de publicidad y las imprentas comunicarse” en lo que respecta al color, creó su primera guía de colores Pantone en 1963, según Fast Co. Al identificar 10 colores por tono y asignarles un número, Herbert se propuso “reducir la cantidad de variables que ocurren en el proceso de impresión”, y así se embarcó en un esfuerzo por “crear un lenguaje objetivo y numérico [para permitir] que cualquier impresor en cualquier parte del mundo produzca un color con precisión”.

Bajo la dirección de Herbert, nació un negocio basado enteramente en el color.

En su afán por conquistar y conservar el título de creador del "lenguaje universal del color", Pantone no se limitó a categorizar cientos de tonos; se embarcó en una estrategia de marketing ambiciosa y duradera. Pero en lugar de emitir anuncios de televisión o pagar por páginas en revistas, Pantone ha difundido sus servicios orientados al color durante casi 20 años mediante una iniciativa anual específica: desde el año 2000, Pantone elige su "Color del Año".

El living coral fue su tono anual para 2019. Para 2018, la autoridad mundial en color seleccionó el ultravioleta. En 2017, fue el greenery. Rose Quartz y Serenity (2016), Marsala (2015), Radiant Orchid (2014), Emerald (2013), Tangerine Tango (2012), Honeysuckle (2011), Turquoise (2010), Mimosa (2009), Blue Iris (2008), Chili Pepper (2007), Sand Dollar (2006), Blue Turquoise (2005), Tigerlily (2004), Aqua Sky (2003), True Red (2002), Fuchsia Rose (2001) y Cerulean (2000).

La presentación anual y el gran impulso de marketing que la rodea ayudan a Pantone a poner continuamente su nombre en el mapa y atraer nuevos clientes "en todas las industrias donde el color importa", afirma.

Pero lejos de ofrecer un solo color nuevo anualmente, Pantone lanza una selección más amplia de tonos cada uno o dos años. Por ejemplo, en marzo de 2016, Pantone anunció que "introducía con orgullo 112 nuevos colores" a su sistema existente "para brindar a los diseñadores una mayor gama de expresión y libertad". Anteriormente, en 2014 y 2015, añadió 84 colores a la gama, y ​​entre 2012 y 2013, Pantone incorporó la impresionante cifra de 336 nuevos tonos. La compañía complementa su oferta con proyecciones de colores de temporada y colecciones adicionales dedicadas a su creciente arsenal de tonos.

Estos colores se compilan en una gama de productos Pantone, desde su “Color Specifier & Guide Set” de $805 hasta su “Planner” de $995 para diseño de interiores, que se comercializan a un número no pequeño de marcas orientadas al consumidor, ya sean marcas de alta moda o empresas de fabricación de alfombras, ya que “tener los colores correctos para elegir es esencial al tomar decisiones de diseño”, según Pantone.

Al igual que la postura de Pantone, una empresa privada, sobre sus informes financieros (no divulga sus ganancias, aunque su empresa matriz, Danaher Corp., conglomerado de soluciones ambientales y aplicadas, ciencias de la vida y diagnóstico, generó $19,89 mil millones en ingresos en 2018), la práctica de seleccionar el "Color del Año" es muy reservada y está rodeada de misterio. Lo que Pantone afirma sobre el proceso es que no es una operación formal; la selección anual de colores es "altamente subjetiva", según Pantone.

Como señaló Mental Floss recientemente en un esfuerzo por descifrar el proceso: «Dos veces al año, los representantes de Pantone se reúnen con un grupo central de entre ocho y doce pronosticadores de tendencias de todo el mundo del diseño, un grupo anónimo de expertos internacionales en color que trabajan en diseño de producto o moda, enseñan teoría del color en universidades o están asociados con instituciones como el British Fashion Council. Se reúnen en un lugar céntrico (a menudo en Londres) para hablar sobre los colores que parecen estar a punto de despegar en popularidad, un proceso relativamente esotérico que [Laurie Pressman, vicepresidenta de Pantone] se resiste a describir con detalle».

Aunque las reuniones en la sombra se celebran a puerta cerrada, a Tom Vanderbilt, quien escribe para Slate, se le permitió la entrada, "con la condición de que no revelara la identidad de los coloristas". A Vanderbilt también se le "pidió que no revelara su propia identidad como periodista [durante la reunión del comité de selección de color]", que describió como "una presentación de alto concepto fusionada con un seminario de antropología cultural". En cambio, Vanderbilt afirma: "Me retrataron vagamente como un funcionario de X-Rite", la antigua empresa matriz de Pantone antes de que X-Rite y Pantone fueran adquiridas por Danaher Corp. en 2012 por 625 millones de dólares.

Las reuniones se desarrollan más o menos así: «Uno de los pronosticadores [miembros del comité], elegido de forma rotatoria, elige un tema abstracto antes de cada reunión para iniciar la lluvia de ideas. Para la sesión de planificación de las tendencias de otoño/invierno 2018-2019, el tema es el tiempo». Mental Floss afirma que «cada uno elabora sus propios pronósticos de color inspirados en este tema y trae cuatro o cinco páginas de imágenes —una especie de mood board— con combinaciones y paletas de colores relevantes. Luego se reúnen en una sala bien iluminada y cada uno presenta su visión de hacia dónde se dirige el mundo del color».

El impacto de la selección anual abarca desde los colores de las prendas y accesorios que lucen en las pasarelas de Nueva York, Londres, Milán, París y otros lugares durante cualquier temporada, hasta los tonos que los floristas eligen para sus arreglos florales. Es más, se convierte en una oportunidad que otras marcas aprovechan para vender sus propios productos. Después de todo, «la predicción de color de Pantone es, en parte, una profecía autocumplida», escribe Anne Quito de Quartz. «Meses antes de la presentación [anual] de cada diciembre, [Pantone] firma acuerdos de licencia con diversas empresas, desde fabricantes de esmaltes de uñas hasta cadenas hoteleras, para garantizar que el tono exacto se materialice en diversas presentaciones». De repente, el «Color del Año» está en todas partes.

La directora de moda del New York Times, Vanessa Friedman, se hizo eco de esta idea, escribiendo inmediatamente después de la revelación del "Color del año" en 2017, donde "Greenery" se llevó la palma: "Prácticamente solo minutos después del anuncio, mi bandeja de entrada se inunda con correos electrónicos de marcas y minoristas que promocionan productos disponibles en el 'Color del año'". Dichas presentaciones, señaló, también vienen con fotos en paralelo que coinciden con artículos que detallan cómo el color ya se ha utilizado en la pasarela en temporadas recientes, un guiño al hecho de que parte del trabajo de Pantone es medir el espíritu de la época.

La idea de que Pantone se centra menos en predecir tendencias que en dictarlas rara vez se desvincula del debate sobre el trabajo de la compañía. Como declaró Mikel Cirkus, director del Grupo de Diseño Conceptual de Firmenich, empresa ginebrina de sabores y fragancias, a Slate en 2012, la proliferación de prendas y accesorios con el color estrella de Pantone tras su gran presentación «no es casualidad. Para mí, ni siquiera se trata de predecir, sino de dictar». En otras palabras, las marcas se complacen en seguir las directrices de las distintas autoridades para calcular no solo qué tonos serán más relevantes para los consumidores en las próximas temporadas, sino también qué tejidos, texturas, textiles, estampados, gráficos y otros elementos de diseño serán de interés para el público consumidor.

En el panorama excesivamente corporativo de la moda moderna, es lógico que las marcas, especialmente aquellas que tienen accionistas a los que rendir cuentas, sean cada vez más reacias al riesgo, lo que las lleva a trabajar para satisfacer exactamente los caprichos de los consumidores. Y el comité de selección lo sabe.

Un miembro anónimo del comité declaró a Vanderbilt: «Le ponemos temporadas y fechas a las cosas. Este color es para el verano de 2013. La gente sigue necesitando una dirección... Siempre necesitan confirmación. Incluso si eres tan fuerte como Zara, necesitan un punto de partida».

*Este artículo se publicó inicialmente en diciembre de 2016 y ha sido actualizado.

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original en inglés: http://www.thefashionlaw.com/home/the-business-of-being-pantone