Artículo original publicado el 29 de septiembre de 2020 en stephano.me

Original por: Stephano

Traducción por: Lizzy Z.

Aunque nosotros, la comunidad lolita de habla inglesa, no siempre podamos conectarnos verbalmente con las lolitas de habla japonesa, hay un problema universal que la mayoría de las lolitas tienen que enfrentar: viejos espeluznantes que simplemente no lo entienden.

Este es un cómic divertido de 4-koma que Aito¹, el diseñador y propietario de Royal Princess Alice² y Bio Politics³, dos marcas japonesas de moda alternativa, publicó en febrero de 2020. El cómic presenta a Aito y dos de sus amigas que tienen que lidiar con ancianos borrachos en las calles de Japón vistiendo estilos lolita y visual kei. Aito usa principalmente visual kei mientras que sus dos amigas usan Sweet Lolita y Gothic Lolita Dependiendo del estilo de moda que se use, el anciano reaccionará de manera diferente. Muchos de los que se visten a la J-Fashion especialmente aquellos que viven en ciudades con sistemas de transporte público, probablemente puedan identificarse con esta historia. ¡Con el permiso de Aito, hemos traducido el manga del japonés al inglés para que la comunidad internacional lo disfrute! El cómic debe leerse de derecha a izquierda.

¿No estás juzgando a las personas solo por su apariencia?

La situación común de Lolita-chan y visual kei-chan por Aito

¿No estás juzgando a las personas solo por su apariencia? La situación común de Lolita-chan y visual kei-chan (versión en inglés) por Aito (versión original en japonés aquí⁴)

Este cómic es una colaboración de varias personas. La historia se basa en las experiencias personales de Aito viviendo en Kansai. Aito señala que solía estar en una banda de comedia visual kei y durante ese tiempo, a menudo le tenía miedo al oji-san por la noche. La obra de arte está dibujada por Akiharu Nobita⁶, que es un artista de manga publicado por Boys Love. Sus trabajos están disponibles para leer en inglés a través de Renta!⁷, un servicio de lectura de manga en línea (advertencia: algunos trabajos pueden ser NSFW). Los diseños del personaje de sweet lolita se basaron en una lolita de Kansai llamada Ririka (@ririka_lolita_). El diseño del personaje de gothic lolita se basó en Tuyahime Neko (@tuyahime_neko), un antiguo personal de tienda de TyCHE/KERA Shop Sendai que también es baterista en una banda de visual kei.

¿No fue gracioso? ¿Podrías relacionarte con eso? Definitivamente he tenido una buena cantidad de "NOOOOO" mientras vestía moda lolita. Creo que es cierto que los estilos más oscuros, como el gothic lolita y el visual kei, obtendrán reacciones mucho más suaves del público, ya que los normies probablemente piensen que solo eres un bicho raro gótico. Simplemente hay algo con las sweet lolitas que atrae la atención del público y conduce a algunos encuentros bastante extraños.

Puedes ver la versión japonesa original en el Twitter de Aito. Si disfrutaste la historia, ¡asegúrate de darle algunos retweets y me gusta!

Créditos

Obra original por Aito (@KERA_Aito)
Ilustraciones por Akharu Nobita
Traduccion por going_grimy
Composición tipográfica por buttcape

Artículo original en inglés: https://stephano.me/blog/lolita-visual-kei-common-situation-comic-translation/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

1 https://twitter.com/KERA_Aito/

2 https://royalprincessalice.net/

3 https://biopolitics.thebase.in/

4 https://twitter.com/KERA_Aito/status/1231886569633501184  

6 https://twitter.com/52nbt/

7 https://www.ebookrenta.com/renta/sc/frm/list?col=info&crd=1&word=Nobita%20Akiharu

https://twitter.com/ririka_lolita_

https://twitter.com/tuyahime_neko

Artículo original publicado el 30 de enero de 2017 en the-artifice.com

Original por: Scole

Traducción por: Lizzy Z.

Cómics. ¿Qué te viene a la mente cuando escuchas esa palabra en particular? ¿Recuerdos de la infancia cuando solías leer Spider-Man y X-Men en la comodidad de tu propia casa un martes a las 8 de la mañana antes de que comenzara la escuela secundaria? Eso es lo que me viene a la mente cuando pienso en los cómics. Libros de historietas. O eso o Steve Rogers o algo que estoy leyendo actualmente.

Sin embargo, ¿me abstengo de llamarlos cómics porque la gente los considera infantiles? No. Todavía diré con orgullo que leo libros de historietas y voy a comprar cómics con regularidad para el nuevo y mejorado cómic que solía conocer y amar. Estoy segura de que algunas personas en el exterior me juzgan por eso y dicen "¿Todavía está leyendo cómics?" Y eso está perfectamente bien; sin embargo, ¿de dónde vino ese estigma? ¿Por qué la gente parece conectar los cómics con la inmadurez o las personas infantiles? ¿Cuándo comenzó exactamente eso y por qué comenzó?

Simpsons: “Comic Book Guy”

A lo largo de los años, he notado que parte de la comunidad del cómic es tan perjudicial como las personas que nos llaman infantiles por leer cómics. La comunidad de cómics te criticará por equivocarte en un personaje o por no gustarte un cierto cómic. Encontrarán cualquier razón para ser pretenciosos acerca de un cómic y no enseñarte sobre el cómic. No son muy acogedores, dependiendo de con quién te encuentres. Entonces, la respuesta se convierte en, ¿es el estigma social en torno a los cómics derivado de la propia comunidad de cómics? Ahí es donde aterrizamos.

¿Qué son los cómics?

Los cómics son diferentes a las novelas gráficas. Uno es más corto y uno más largo, a veces el contenido también es diferente: en los últimos años, las novelas gráficas también son temas agrupados para hacer una serie completa de un cómic en particular. Entonces, Black Canary tendría una gran novela gráfica llena de los problemas que surgieron en esta serie de su serie. Normalmente, consta de aproximadamente 10 o menos, a veces más; sin embargo, solo depende de la serie y de cuánto tiempo dura.

Las ediciones son mucho más baratas en la escala de las cosas; oscilan entre uno y cuatro dólares y tienen alrededor de 10-20 páginas. Esto depende de la edición y de qué edición se trata, si se dejó en suspenso o no, etc. Se publican semanalmente o mensualmente, nuevamente según la serie y el cómic en sí. Algunas personas pueden argumentar que es más barato comprar la novela gráfica al final de la serie porque estás pagando exactamente lo mismo. Si deseas comprar ediciones  separadas también está bien, normalmente es lo que prefieres hacer por ti mismo.

Entonces, ¿dónde entra en juego el estigma? Bueno, algunas personas dicen que los cómics son "infantiles" o "un pasatiempo que nunca dejas de lado". Lo cual, puede ser verdadero hasta cierto punto; sin embargo, ¿por qué hay incluso un estigma para comenzar? Los cómics no se basan necesariamente en la edad, los lees a medida que los lees y así es eso. No hay "Tengo 12 años porque estoy leyendo Moon Girl and the Devil Dinosaur". Moon Girl and the Devil Dinosaur puede ser para que cualquiera lo lea, aunque su audiencia principal podría ser para niños o adolescentes. Eso no quiere decir que alguien en sus veintes no lo esté leyendo y está perfectamente bien que lo lean porque no son infantiles por ello.

Algunos cómics en el mercado actualmente.

Puede haber cómics destinados a adolescentes y niños, pero también son una muy buena lectura para adultos. Los cómics están destinados a ser divertidos y los lees porque el arte y la escritura son muy emocionantes. Es emocionante en un sentido que leer cada número que sale semanalmente o mensualmente es divertido. Se convierte en algo entretenido y divertido ir a comprar estas ediciones que te gustan. Ciertos cómics pueden tener tendencias infantiles, pero eso no significa que sean para niños.  La audiencia de los cómics es universal. Lo cual, no creo que muchos lectores que no leen cómics entiendan. Todavía no es infantil leer a Archie a la edad de veintitrés años. Los cómics no tienen edad, en cierto sentido, porque no representan quién es infantil y quién no.

Sí, algunos cómics están hechos para adultos y otros para niños, pero la única preocupación debería ser que los niños no lean Sex Criminals. Tienen comics pornográficos (versiones de la vieja¹ y la nueva escuela²), tienen comics que representan relaciones sexuales, tienen seres humanos desnudos en los cómics hoy en día; entonces, el estigma es algo anticuado. Frank Miller es un ejemplo de eso con sus lanzamientos de cómics de su Sin City y 300. El predicador de cómics, que incluye situaciones como sexo, violencia y blasfemias por parte de los cómics Vertigo, también es un ejemplo. Y, esos son solo algunos de los que están en el mercado en este momento. Si realmente quisiera salir y encontrar cómics para "adultos", los tienen.

El estigma de que es "infantil" o "un pasatiempo al que nunca renunciaste" es realmente lamentable. Hay cómics para todos y para cualquiera; no hay una persona para la que esté hecho un cómic. Hay cómics de Joker que pueden tener material sensible, pero, aun así, si alguien quisiera leerlo, es fácilmente accesible. No está hecho para adultos, pero es un cómic para adultos. No hay una edad establecida para los cómics, tienen clasificación T o clasificación M; pero, al final del día, lees exactamente lo que quieres leer. Si vas a clasificar los cómics entre adultos y no adultos, estás diciendo que los cómics pornográficos son para adultos y todo lo demás es infantil. Eso es más o menos lo que se manifiesta, en otras palabras.

¿Qué son las novelas gráficas?

Algunos pueden considerar que las novelas gráficas son más "adultas" en un sentido de Maus y otras lecturas como The Killer Joke también. Sé que cuando me metí en los cómics por primera vez, Maus era popular, y las novelas gráficas no eran necesariamente ediciones que se unieron en una gran novela gráfica. La diferencia entre Maus y novelas como Killer Joke es que no fueron ediciones de antemano. Al menos no creo que Killer Joke lo fuera, podría haber tenido algunas; pero, creo que fue un lanzamiento que siguió a una película también. Había novelas como The Watchmen, Sandman, Scott Pilgrim, The Walking Dead, y un montón de ediciones de Batman son predominantemente novelas gráficas al igual que Joker y Harley Quinn. Las ediciones de aniversario  incluyen lanzamientos de novelas gráficas y muchas series de novelas gráficas tienen extras que no están en los números que publicaron antes.

Las novelas gráficas solían ser lanzamientos originales como Dark Rain y Persepolis; sin embargo, ese ya no es el caso. Probablemente todavía se están haciendo, sí, pero en cuanto a la popularidad, no son tan conocidos como solían ser. Hubo un momento específico en el que fueron extremadamente populares. La base de fanáticos de los cómics y las novelas gráficas es igual, la mayoría de las veces si compras cómics, también compras novelas gráficas a veces. Las novelas gráficas son extremadamente suaves y ordenadas porque puedes seguir leyéndolas como novela, por eso se llaman así.

Persepolis

No están destinados a ser para adultos o niños, simplemente son todos iguales. Moon Girl and the Devil Dinosaur también tiene una contraparte de novela gráfica, y si se hizo estrictamente para "adultos" o una cierta edad de tipo de persona, entonces ese cómic específico no se convertiría en una forma de novela. Si la gente dice que las novelas gráficas son para cierta edad de tipo de persona, las novelas gráficas, posiblemente en el pasado, solían ser para adultos o un tipo de persona mayor; pero, han vacilado en los últimos años. Son simplemente otra versión de un cómic. El mismo cómic que se inculca en una novela gráfica probablemente fue una edición de antemano. Hay situaciones en las que ese no es el caso, pero se ha vuelto algo popular en los últimos años.

Al final del día, los cómics y las novelas gráficas no son diferentes entre sí. Una tonelada de novelas gráficas todavía se llaman cómics para algunos. Puedes buscar en Google "Maus Comic" y aparecerá la misma novela gráfica, en lugar de buscar "Maus graphic novel". No hay una forma específica de hablar sobre ellos, que es lo que los hace agradables.

El estigma y la comunidad del cómic

El estigma de la comunidad del cómic es donde las cosas fallan. Tienes la mitad de la comunidad que es extremadamente genial y agradable; sin embargo, también tienes otra mitad que es perjudicial. Que es ligeramente de donde creo que proviene el estigma. Un par de personas de la comunidad pueden ser muy "Si no sabes esto, entonces eres estúpido". Si lees una novela cómica o gráfica, es mejor que conozcas cada detalle. Ahora, no todo el mundo es así y probablemente no muchos, pero todavía existen. El estigma que creo deriva de esto y lo infantil proviene de lo pretencioso que tienes dentro de la comunidad. La gente va a pensar que eres infantil porque actúas de esa manera.

Yo, personalmente, he entrado en contacto con esto. Ahora, para alguien que se está metiendo en un cómic o quiere saber más, debe estar, siempre dispuesto, a completarlo y demostrar que sabe cuáles son sus cómics favoritos. Sin embargo, en cambio, a veces es lo contrario. Esto no es como "ay, soy yo", sino más bien para mostrar de qué podría derivarse el aspecto infantil. Cómo las personas responden preguntas de cómics de una manera muy "duh" es infantil. Si lo superamos y realmente nos enfocamos en hacer que las personas se sientan amadas por los cómics que leen, y que se sientan felices de ser parte de una comunidad, el estigma podría desaparecer fácilmente hasta cierto punto. Por supuesto, la gente aún dirá que eres infantil o nostálgico; pero no será porque seas un imbécil con los cómics. Será porque son un imbécil pensar eso, más bien.

Comic-Con’s & Con’s en general

Comic-Con también está relacionado con los cómics, con la idea de que es para niños, o que tienes que tener algún tipo de inmadurez para incluso ir vestido con cosplay. Ese no es el caso. Hay concursos mundiales por dinero y diferentes premios para las personas que se visten con el mejor cosplay. Incluso hay ocasiones en que en estos Con’s también tienen premios. Las personas que se visten con cosplay gastan un año entero y más en estos disfraces, ellos mismos los cosen y se aseguran de que estén a la altura. Esto lleva trabajo. Puedes decir que es inmaduro e infantil, pero pasan mucho tiempo haciendo estos disfraces por sí mismos.

Comic Con de NY

Comic-Con nunca será infantil. Los adultos se toman su tiempo para ir a estas Con para ver escritores, artistas, actores, que tienen exactamente la misma edad (o más) que ellos. El aspecto "infantil" es extraño de decir porque las personas famosas que asisten a estos Con tienen aproximadamente la misma edad que las personas adultas que asisten. Eso se compara con las novelas gráficas y la asociación de cómics con la infancia también en cierto sentido. La gente no conoce a otros nerds porque quieren pasar un buen rato y pagar el dinero, quieren conocer su infancia. Quieren encontrarse con esa nostalgia; la gente realmente ama estos Con’s y es divertido para ellos. Conocer a personas que aman lo mismo que tú te da poder, no es infantil cuando se trata de eso. No debería haber ningún estigma relacionado con el cosplay porque el cosplay es un esfuerzo serio y a las personas se les paga por ello.

¿Qué sigue?

El estigma debería desaparecer, ya no hay necesidad de ser llamado infantil en 2017 por leer cómics. Los siguientes pasos serían dejar de tener esa mentalidad y cambiar la parte de la comunidad para ser acogedora. Al final del día, si buscas en Google "por qué los nerds de los cómics son pretenciosos", salen más resultados de los que deberían. Es algo en que pensar cuando se trata de pensar sobre el estigma de los cómics y las novelas gráficas. Tal vez las personas no están trayendo esa mentalidad a la mesa por su cuenta, podría ser por quién o qué encontraron.

Notas:

¹ https://comicsalliance.com/the-best-dirty-comics-by-great-artists/

² https://www.ranker.com/list/comics-that-are-not-for-kids/rhune-kincaid

Artículo original en inglés:  https://the-artifice.com/social-stigma-comic-book-reading/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 16 de mayo de 2016 en The-artifice.com

Original por: Scole

Traducción por: Lizzy Z.

A través de la historia de los cómics, ha habido superhéroes y el físico de los superhéroes, en su mayor parte, ha permanecido igual. El musculoso Steve Rogers (o Chris Evans) ha sido prominente en el universo del cómic en los últimos años. Y, puesto que no están creando a nuevos superhéroes tan a menudo, él, desafortunadamente, parece permanecer de esa manera. La idea de que tienes que ser musculoso y lucir como Black Widow o Steve Rogers es una visión imaginaria de lo que los superhéroes deberían ser y verse. Aunque, ya que ha sido lo que han querido que pienses ¿es realista la idea de tener un superhéroe con sobrepeso? ¿Los escritores piensan que no son realistas en un sentido en que no pueden hacer lo que Steve Rogers puede, o lo que Batman puede hacer? ¿Puede un superhéroe beber cerveza como el resto de ellos y tener una panza cervecera y todavía ser capaz de patear traseros cualquier día? Estas son las preguntas que podrían pasar por la mente de los lectores en 2016. Como sociedad, estamos volviéndonos más positivos y conscientes de cosas que en realidad no bastan para esos temas. Los lectores pueden empezar a preguntar dónde están y si estaban aquí - bueno... ¿a dónde fueron?

Aquí está una lista de superhéroes (villanos y héroes, ambos son importantes) con sobrepeso/ de tallas grandes del pasado que no son realmente en el centro de atención como los que están en forma o son musculares. Pero no podemos olvidarlos y por ello, esta lista los traerá de vuelta. 

Superhéroes y villanos con sobrepeso/ de tallas grandes

En primer lugar, tenemos a Kingpin (1967) que apareció por primera vez en El Sorprendente Hombre Araña #50. Quien no solo es considerado un supervillano con sobrepeso en los cómics, sino también en el show de “Daredevil”. Lo que es interesante saber acerca de Kingpin es que en realidad es totalmente musculoso y muy fuerte, sólo parece tener sobrepeso; y si tienes experiencia con Kingpin, sabes que él puede acabar con todos porque el patea grandes traseros. Uno de los villanos más cool en la historia del cómic, y el más antiguo. Esta es una buena representación de un superhéroe que parece tener sobrepeso, pero es simplemente muy musculoso, como un luchador de sumo. También es un capo del crimen.

2. Volstagg (1965) quien apareció por primera vez en el #119 Viaje al Misterio del cómic Thor, es una gran idea mencionarlo ya que él tiene un gran estómago y algunos lo considerarían con sobrepeso o de un peso mayor que un superhéroe normal.  Pero, de nuevo, también es muscular y puede patear traseros con el resto de ellos. Ser de los cómics de Thor significa que es ágil, lo que significa que el peso no tiene nada que ver con que sea un superhéroe. Esta es otra instancia donde el sobrepeso no tiene nada que ver con el rendimiento del superhéroe en absoluto. Aún pueden patear traseros y lo hacen lo suficientemente bien como para tener problemas continuos. Se dice que Volstagg solía ser delgado y musculoso en el pasado, pero por problemas que sucedieron, parece haber ganado peso como se implica.

3. Blob (1964) quien apareció por primera vez en X-Men #3, un supervillano como se le llama considerado con sobrepeso; pero, por otro lado, también es un supervillano fantástico. Su piel ha demostrado ser elástica y sebosa, asi como una resistencia y fuerza sobrehumana. Incluso el argumento de que los superhéroes con sobrepeso o "más ponderados" no pueden correr tan rápido como los superhéroes musculares y aptos, no se aplica y no se ha aplicado en los dos anteriores. La mayoría de los superhéroes con "sobrepeso" pueden patear traseros y eso no es diferente de lo que hacen los villanos con lo que hace Blob.

4. Big Bertha, también conocida como Ashley Crawford, asimismo es una superheroína con sobrepeso en los cómics de Marvel, apareciendo por primera vez en West Coast Avengers vol. 2 #46 en 1989. Teniendo en cuenta el nombre, se considera que tiene sobrepeso; Big Bertha tiene la capacidad de hacerse más fuerte que la mayoría y también de tener más resistencia. Además, tiene la capacidad de ser a prueba de balas, por ser "obesa", como se le considera. Lo que es interesante acerca de Bertha es que ella puede hacerse delgada purgando la grasa de su cuerpo y así tiene un aspecto más delgado. A pesar de que patea traseros, también tiene la capacidad de hacerse delgada o con sobrepeso, ambos en la misma superheroína, lo que demuestra una manera interesante de ser una superheroína. Bertha demuestra tener lo mejor de ambos mundos, pero, ¿es capaz de contraargumentar esta noción de ser un superhéroe con sobrepeso por tener lo mejor de ambos mundos? 

5. Bouncing Boy apareció por primera vez en Action Comics #276 en 1961. Tiene la habilidad de expandir su cuerpo a una forma de esfera, siendo una bola en cierto sentido y capaz de rebotar. Cuando no se convierte en balón, se le considera "con sobrepeso", pero todavía tiene la capacidad de ser el jefe de la Liga de Superhéroes. Como puede que tenga sobrepeso y también es un superhéroe, indica otro caso que sí es capaz de ser un superhéroe a pesar de tener "sobrepeso".

6. Slug, también conocido como Ulysses Lugman, apareció por primera vez en Capitán América #324 en 1986. Él es un supervillano, similar a Kingpin es un capo del crimen/ narcotráfico. Aunque es un supervillano con sobrepeso - también es el mayor capo del crimen y demuestra que, con sobrepeso o no, eso no tiene ningún impacto en su éxito. Su obesidad demuestra que es indestructible cuando se le dispara a sus órganos, los cuales son más difíciles de herir por sus sobrepeso. Slug también puede sofocar a sus oponentes con su grasa corporal y es extremadamente inteligente.

7. Pink Pearl, (una supervillain y terrorista) que apareció por primera vez en Alpha Flight #22 en 1985. Se considera que es obesa y que eso la lleva a tener fuerza y resistencia por encima de la media A pesar de que no tiene superpoderes, su peso le da habilidades que la convierten en una fuerza a tener en cuenta por sus oponentes.

Por último, la superheroína más reciente en los cómics llamada Faith, quien ha regresado. Apareció por primera vez en JLA #69, en 2002; ella puede teletransportarse, volar y tiene telepatía. Ella es nombrada a menudo por sus compañeros de equipo "la señora gorda" en referencia a la línea "no ha terminado hasta que la señora gorda canta." Ha estado acaparando la nueva generación y se considera “talla extra” en vez de con sobrepeso como en los últimos de superhéroes con sobrepeso. Faith, al ser la más reciente superheroína de talla extra y ser capaz de patear traseros, prueba que somos capaces de tener superhéroes así, ¿no?

Eso me lleva a por qué parece ser que ya no hacen o regresan a los superhéroes de mayor tamaño. Incluso si no quieren hacer más superhéroes, no tienen que, pueden traer fácilmente a viejos superhéroes o villanos tales como los de esta lista. Los pueden hacer más tipo millennials, que se vean como algo cool que tener en los próximos años. Ser siempre Body Positive es tan importante y tenerlo en los cómics sería una gran experiencia para los lectores que están luchando con eso. Pero, no sólo eso, puede mostrar a la gente que no se tiene que ser muscular y estar en perfecta forma física para ser un superhéroe. Uno puede ser quien sea y de cualquier tamaño y ser un muy buen superhéroe.

Todos estos superhéroes y villanos también, porque prueban ser una parte vital en el mundo del cómic. No sólo por ser un villano, pero sin ellos no habría superhéroes para salvar el día. Se mencionan anteriormente porque cualquier caso de mencionar a personajes body positive, deberían de mencionarse sin importar lo que representen en una serie de cómics. Demuestran ser una parte vital para enseñar que a pesar de que eran obesos, de tallas extras, o con sobrepeso que todavía tiene los músculos y pueden patear traseros como cualquiera. Eso no los detuvo o los hizo menos por tener cierto tamaño. Ellos aún eran capaces de ser los mejores y hacer lo que mejor saben hacer y eso es un aspecto importante como para quitarlo.

¿Los personajes de cómics comenzarán a ser más body positive? Faith es una buena manera de comenzar esto y es un día feliz cuando tenemos a un personaje body positive. Pero, ¿continuará? Bueno, uno puede tener esperanza. Los lectores esperan que no hayan hecho un personaje así, y se olviden por completo de lo mucho que necesitamos más de ellos en la comunidad. Uno sólo puede esperar ver más y con suerte será pronto; el tiempo lo dirá. Hasta entonces, las ediciones más antiguas son mejor que nada.

¿Qué opinan? Dejen un comentario.

Artículo original en inglés: http://the-artifice.com/overweight-superheroes-and-supervillains/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio. 

¹ y ² Nombres corregidos ya que en el original estaban mal escritos.

Artículo original publicado el 23 de mayo de 2016 en the-artifice.com

Original por: Benedict Hadley

Traducción por: Lizzy Z.

El regreso de Superman y Batman en la misma película este mes, debería haber causado un choque de emoción en las comunidades de los fanáticos de los comics y fans de superhéroes de todo el mundo. Pero desde que se anunció hace tres años que los dos pelearían cara a cara en la secuela de ‘El Hombre de Acero’ (2013), la especulación frenética ha dividido a los fanáticos incondicionales. A pesar del abrumador fin de semana de apertura, los recibos de la taquilla cayeron significativamente en las semanas que siguieron, y ha recibido duras críticas tanto de los críticos como de los fans. Para los propósitos de este artículo me referiré a la película como 'BVS' en todas partes.

Mala Prensa

En una reseña mediocre para el periódico británico The Guardian, Mark Kermode llamó a 'BVS' un 'cenagal estigio de imágenes casi religiosas'. En el mismo artículo Lindy West la llamó “153 minutos de un hombre adulto golpeando dos muñecas”. Las reseñas decentes han sido conspicuas por su ausencia, y parece haber una proliferación notable de videos en YouTube sobre las “razones por las cuales BVS apesta”.

Pero ¿por qué toda la hostilidad? 'BVS' ofrece dos de nuestros superhéroes favoritos en la misma película, así que ¿qué salió mal? Para entender por qué esta película ha recibido una mala prensa, tenemos que compararla con encarnaciones anteriores de ambos personajes, y mirar el material de origen de Zack Snyder. Tal vez esta película no es tan mala como todo el mundo dice. Tal vez sufre no sólo porque se va rápido y se pierde en las historias respectivas de Batman y Superman, sino también porque ha habido mejores versiones de ambos en los últimos años.

Legado cultural

Batman y Superman tienen diversas interpretaciones a lo largo del siglo pasado y más allá, tanto en el cine como en los comics. Su amplio atractivo suele reflejarse en el público que va al cine estadounidense, que ha favorecido a un superhéroe sobre el otro según el "estado de ánimo" cultural. En tiempos más simples, los fans se habrían identificado con Batman o Superman como su superhéroe favorito (o Spiderman si fueras uno de los chicos cool). Ahora ambas de sus historias se han combinado en una narrativa que complica sus rasgos de carácter respectivos.

Justo cuando una versión recién reformada del mito de Superman lo llevó al siglo XXI en 'El Hombre de Acero', ahora parece que Batman ha invadido petulantemente la secuela para robar la oscuridad. En 'BVS' los dos superhéroes parecen estar en desacuerdo con los seres humanos que buscan proteger, y hay una notable ausencia de convincentes relaciones humanas.

En anteriores franquicias de películas de Batman y Superman, ambos héroes eran parte integral de su propio universo. 'Superman' (1978) habitó en una Metrópolis que era innegablemente Nueva York en la década de 1970, y esto hizo que su particular marca de luchar contra el crimen anticuado, fuera aún más relevante.

Batman de Tim Burton (1989), que siguió poco después, era un tipo diferente de superhéroe "adulto". Bruce Wayne acechaba en cuevas oscuras, existía por encima de la ley, y acechaba a sus víctimas por la noche. Su dificultosa infancia dio lugar a un deseo patológico de luchar contra el crimen, que sólo se equiparó con la insensata locura de sus contrapartes criminales. La re imaginación excéntrica de la ciudad de Gotham dentro de un escenario oscuro de cuento de hadas, era el ambiente perfecto para la justicia del vigilante de Batman.

Origen del comic

Un tomo popular entre los fans de los comics en la década de los ochenta, la novela gráfica de Frank Miller 'The Dark Knight Returns' (1986) ahora se ha convertido seguramente en la biblia para cualquier cineasta moderno que intenta reelaborar la narración del gran salvador de Gotham. Para su trilogía 'Dark Knight' (2005-2012), Christopher Nolan tomó prestada la idea de situar a Bruce Wayne en el centro de un futuro cercano ultra-violento (con vigilantes imitadores). También reformó a los villanos como terroristas modernos, dando así a la película una relevancia contemporánea.

Aunque "BVS" debe considerarse una secuela del reboot de Superman finamente ajustado de Zack Snyder, la narración también incorpora el aspecto visual de la trilogía de Christopher Nolan 'Dark Knight' (2005-2012). Refiriéndose a lo que fue una versión exitosa, Snyder espera reavivar nuestro interés por el personaje, desafortunadamente solo sirve para recordarnos lo inteligentes que son las películas de Nolan y lo tonta que es 'BVS'.

Snyder forjó su reputación con interpretaciones con estilo de novelas gráficas que han emocionado (300) (2006) y decepcionado (Watchmen) (2009) en igual medida. ciertamente parece ser un gran fan de cómics, y los ha utilizado como material para la mayoría de sus películas hasta ahora.

Snyder ha saqueado el texto de Frank Miller para crear la historia de 'BVS', y cuestiona la legitimidad de las acciones de Superman en el proceso. Una sencilla secuela de 'El hombre de acero' puede haber explorado este tema intrigante más lejos, pero no se une con la historia de Batman. Pintar los conceptos literarios de una novela gráfica dentro de las amplias pinceladas de entretenimiento de pantalla grande no es una tarea fácil, y Snyder lucha con una multiplicidad de referencias culturales.

Snyder también toma la idea de un estancamiento entre los viejos amigos Clark y Bruce, lo que apareció en 'The Dark Knight Returns', y lo utiliza para crear la pieza de acción principal de su película, pero carece del borde satírico del material de origen. En la versión de Miller el distanciamiento es una distracción de la narración principal, una observación irónica sobre la inocencia incuestionable de Superman cuando se convierte en una marioneta del gobierno de Estados Unidos. En la versión de Snyder, Batman y Superman se enfrentan entre sí en un clímax destruyendo un edificio, sin resonancia cultural.

Una nueva franquicia

‘BVS’ soporta una pesada carga. Trata de combinar el legado de dos franquicias masivas, y de lanzar el nuevo universo de la Liga de la Justicia. Combínalo con el deseo del director Zack Snyder de imponer su propio comentario sobre los mitos de Batman, y se obtiene un lío grande y agitado de una película que no está seguro de si es un reboot, una secuela, una precuela o una toma revisionista del género.

Desafortunadamente, la película de Snyder se encuentra en algún lugar en el centro de sus propias ambiciones como cineasta, y la presión para crear una nueva franquicia con interminables iteraciones. Con mucho, el elemento más fuerte en la historia es la interpretación de los medios de comunicación que no pueden dejar de disecar y desheredar a su salvador, Superman. Esta película se siente como el centro de una colisión entre dos gigantes del cine, que ahora se han convertido apenas en otro par de superhéroes en un mercado cada vez más atestado.

La promesa de más superhéroes y supervillanos en esta franquicia hace que uno se pregunte cuánto quedará de la tierra para proteger en el futuro. Tal vez estos héroes han perdido su poder para impresionar, o tal vez deberían colgar sus medias por un tiempo.

¿Qué piensas? Deja un comentario.

Artículo original en inglés: https://the-artifice.com/batman-vs-superman-what-went-wrong/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio. 

Artículo original publicado el 23 de mayo de 2016 en Sunglasswarehouse.com

Original por: Admin

Traducción por: Lizzy Z.

No solemos pensar en lo que llevamos cada día como un disfraz, pero eso es precisamente lo que son. Los trajes que llevamos todos los días a la oficina, o el color-coordinado y camisas estampadas con logos que usamos, son realmente disfraces -un estilo particular de vestir para una ocasión.

Nada es más natural para un superhéroe que estar preparado y en acción. Es cuando el héroe está fuera de servicio, tratando de mezclarse en la multitud, que se pone el disfraz verdadero. Superman es un excelente ejemplo de esto. A diferencia de la mayoría de los otros superhéroes, Superman no se transformó en lo que es. Nació de esa manera, y Clark Kent es su alter ego, su traje para mezclarse con la multitud.

A medida que las décadas han pasado los superhéroes todavía necesitan permanecer disfrazados, pero pensamos que sería interesante ver cómo su vestimenta fuera del horario de trabajo ha cambiado de los años 70 y 80. Tony Stark ha actualizado sus trajes para parecer más modernos y, afortunadamente, se ha librado de ese mullet. Encontramos algunos superhéroes más testarudos como Wolverine y el Capitán América que parecen un poco anticuados, pero tal vez es una prioridad menor cuando el envejecimiento es menos preocupante.

Superman se disfraza con pocas técnicas, incluyendo usar gafas, alterar su postura y cambiar su voz. Sin embargo, Henry Cavill, el actor que interpreta a Superman en la película de este año Batman v Superman: El Origen de la Justicia, demostró recientemente que no siempre se necesita un traje de Clark Kent o incluso gafas falsas para volar bajo el radar. http://www.businessinsider.com/henry-cavill-times-square-2016-3 

Artículo original en inglés: http://www.sunglasswarehouse.com/blog/off-duty-superhero-clothing  

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio. 

Artículo publicado el 3 de agosto de 2016 en theguardian.com

Escrito por: Richard Vine

Traducción por: Lizzy Z.

¿Qué se necesita para sobresalir en un mundo de metahumanos con superpoderes? Margot Robbie, Cara Delevigne y Gal Gadot logran con éxito estilos importantes sin una capa a la vista.

Margot Robbie y Gal Gadot como Harley Quinn y La Mujer Maravilla Fotógrafo: Rex Features.

Cuando se trata de metahumanos del mundo fílmico, no hay escasez de disfraces maximalistas; el estilo de un superhéroe o de un villano es una gran parte de su personalidad como lo es la habilidad de trepar paredes o de volar. Pero es un mercado abarrotado: lograr un look que es consistente como los trajes rojos y dorados de Iron Man, la paleta de morado con verde de Hulk, el nada más que color negro y murciélagos de Batman, o el rojo y azul típico estadounidense de Superman, no es fácil. (Con razón Jessica Jones no se molestaba en vestirse…) Aquí un vistazo a los tres looks más recientes (aunque la aventura de La Mujer Maravilla no estará con nosotros hasta el próximo año, Escuadrón suicida sale esta semana).

Harley Quinn

Estilo: Barbie Patinadora

Accesorios: bate de béisbol, chicle, shorts súper cortos.

En una película que ya destaca por el paquete de superhéroes al voltear el guión y empujar a los malos al frente, son las coletas disparejas rosa y azul y la sonrisa Enchantress de Margot Robbie que la hacen ver como la protagonista. Con una camiseta desgarrada que dice “Daddy’s Lil Monster” y una chaqueta de béisbol de seda con la frase “Ryan Who?”, esperen ver una sobrecarga de cosplays de Quinn en Halloween este año; mientras tanto, siéntense y pregúntense cuánto tiempo pasará antes de que Moschino haga suyo el estilo de Robbie.

Cara Delevingne en Escuadrón suicida. Fotografía: Warner Bros.

Enchantress

Estilo: lo gótico encuentra  a Shakespears Sister.

Accesorios: tocado metálico de media luna, mirada temperamental.

Con las acreditaciones de moda más fuertes entre el elenco de Escuadrón Suicida, Cara Delevingne no es ajena a un look fuerte; lo sorprendente aquí es como parece estar sentada atrás de la primera fila, dejando que Harley Q y compañía tomen el centro de atención.  Por los looks del tráiler, el poder principal de Enchantress parece ser que avienta sombras en vez de bolas de fuego. ¿El look? Con un montón de delineador kohl, llamen a las fuerzas oscuras de Rodarte Otoño/Invierno 2016.

Gal Gadot como la Mujer Maravilla. Fotografía proporcionada por LMK

La Mujer Maravilla

Estilo: Amazona suprema

Accesorios: lazo de la verdad, brazaletes y tiara que hacen juego, espada, botas con rodilleras incorporadas.

Parte fantasía bondage, parte proto-feminista, el puesto complicado de la Mujer Maravilla como la única mujer que trabaja hombro con hombro con Batman y Superman, se ha reflejado en los cambios de su sentido de la moda a través de los años. Desde la edad de oro de los comics en los cuarenta donde combatió el crimen en una falda esponjada, hasta la versión icónica de los setenta de Lynda Carter (corsé de satín y shorts, capa de barras y estrellas y de vez en cuando un traje de baño entero de pies a cabeza) y las curvas exageradas de la caricatura de la Liga de la Justicia, ahora llegamos a la encarnación de Gal Gadot, con el poderoso leotardo de piel de Saint Lauren otoño/ invierno 2016 en tonos discretos.

Artículo original recuperado de https://www.theguardian.com/fashion/2016/aug/03/super-stylewatch-harley-quinn-enchantress-and-wonder-woman

Artículo original publicado el 1 de febrero de 2015 en theladynerd.com

Original por: The Lady Nerd

Traducción por: Lizzy Z.

Hay momentos en los que parece que los mundos de la moda y el de los geeks no podrían estar más separados: uno adornado con costosas fantasías de chiffon, cuero y cristales Swarovski, mientras que el otro se deleita con telas de diseños de superhéroes, camisetas gráficas y un montón de leggings. Pero los dos no están tan alejados como se podría suponer. Mientras que los dos se han patinado uno alrededor del otro, pareciendo polos opuestos, sus órbitas se están acercando cada vez más (y, de hecho, se han cruzado antes). Desde la línea de pasarela de Star Wars de Rodarte el año pasado hasta el crecimiento de cosplay de temática formal en convenciones de todo el mundo, la combinación de la geek couture va en aumento.

En esta categoría, Geek Couture, cada semana presentaré una de estas llamadas mezclas, ya sea del lado de la moda o del lado geek de las cosas. La presentación de hoy viene de la edición de 2008 de Vogue, donde (mi modelo favorita) Coco Rocha y el fotógrafo, Craig McDean, realizaron una editorial inspirada en los superhéroes (inspirada en el Costume Institute of the Metropolitan Museum of Art y su gran exposición de primavera, “Superhéroes: Moda y fantasía" ese mismo año. Una cita del sitio web del Costume Institute," ... para revelar cómo el superhéroe sirve como la mejor metáfora de la moda y su capacidad para potenciar y transformar el cuerpo humano ".

Hiedra Venenosa con un vestido a la medida adornado con Swarovski de Nina Ricci.

Dawnstar en un vestido de lentejuelas haute couture de Dior hecho a la medida.

(Fotos a través de http://www.mymodernmet.com/profiles/blogs/superhero-style-by-craig)

Artículo original en inglés: http://theladynerd.com/geek-couture-superhero-fashion/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.