Artículo original publicado el primero de diciembre de 2024 en spoon-tamago.com

Original por: Johnny

Traducción por: Lizzy Z.

Todas las fotos cortesía de yourhighschool_kimitsu

Existe una gran cantidad de manga y anime japonés ambientado en la escuela secundaria. Además, hay una amplia y creciente comunidad de fans del manga japonés fuera de Japón; por si fuera poco, Japón tiene muchas escuelas abandonadas debido a la disminución de su población. Todos estos factores han convergido, dando como resultado Kimino High School (君ノ高校), una experiencia inmersiva de un día completo que te permite vivir la vida de un estudiante de secundaria japonés de la era Showa.

El instituto Kimino, inaugurado hace apenas un año, permite matricularse por un día en una escuela ubicada en la zona rural de Chiba. El programa se desarrolla en el antiguo instituto Kameyama, que cerró sus puertas en 2020. Los alumnos comienzan el día eligiendo su uniforme escolar y, a continuación, disfrutan de una jornada escolar normal, que incluye una ceremonia de entrada, tutoría matutina, turno de día, clases de caligrafía e historia, almuerzo, jornada deportiva y ceremonia de graduación.

La escuela está dirigida por actores profesionales, que le dan un toque dramático típico del anime a la jornada, como la irrupción de delincuentes (conocidos coloquialmente como yankees) que interrumpen la clase, o el castigo tradicional de tener que sostener cubetas con agua en el pasillo.

La matrícula en el instituto Kimino cuesta 30 000 yenes (unos 200 dólares) e incluye un servicio de transporte gratuito entre Shinjuku y el instituto. Puedes encontrar más información en su página web y en Instagram.

Tu clase podría verse interrumpida por algunos delincuentes alborotadores.

un simulacro de incendio

Artículo original en inglés: https://www.spoon-tamago.com/kimino-high-school/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 24 de febrero de 2026 en koreaherald.com

Original por: Hong Yoo

Traducción por: Lizzy Z.

En Changsha, provincia de Hunan, una tienda de belleza llamada "Only Young" ha recibido críticas por su gran parecido con CJ Olive Young, la principal cadena de tiendas de belleza de Corea, ampliamente considerada por los turistas extranjeros como un destino de compras de cosmética coreana. (Instagram)

A medida que la popularidad mundial de la cosmética coreana sigue en aumento, los productos falsificados e imitaciones de  marcas coreanas de cosméticos se están extendiendo rápidamente en el extranjero, lo que genera preocupación por las violaciones de la propiedad intelectual y la seguridad del consumidor.

Las exportaciones de cosméticos surcoreanos superaron los 11.400 millones de dólares el año pasado, lo que sitúa al país en segundo lugar a nivel mundial. A medida que crece el reconocimiento de marca y la confianza del consumidor, también proliferan las llamadas "imitaciones" que buscan capitalizar el auge de la cosmética coreana. La expansión del comercio electrónico y las redes de distribución internacionales ha acelerado la difusión de productos que imitan fielmente a las marcas coreanas en plataformas online extranjeras y minoristas locales.

Estas falsificaciones suelen ir más allá de la simple copia de marcas registradas. En muchos casos, replican diseños de envases, colores, nombres de productos e incluso conceptos de distribución. El Ministerio de Seguridad Alimentaria y Farmacéutica estima que las infracciones de propiedad intelectual causaron daños por valor de aproximadamente 1,1 billones de wones (825 millones de dólares) a las empresas de cosmética coreana el año pasado.

Según el Servicio de Aduanas de Corea, los cosméticos representaron 41 903 casos, o el 35,9%, de los 117 000 artículos falsificados de marcas coreanas incautados el año pasado, la mayor proporción entre todas las categorías. Entre los productos incautados se encontraban imitaciones de las marcas de belleza Skin1004 y Beauty of Joseon, pertenecientes a Goodai Global.

Según datos del Ministerio de Propiedad Intelectual, los casos denunciados de cosméticos coreanos falsificados que circulan en mercados online internacionales aumentaron de 16.774 en 2023 a 23.494 en 2024, antes de dispararse a 36.116 el año pasado. La falsificación se ha concentrado en cosméticos de color, productos para el cuidado de la piel y productos funcionales, donde el reconocimiento de marca ha crecido rápidamente. Las autoridades advierten que los cosméticos piratas, cuyos ingredientes y procesos de fabricación no están verificados, pueden suponer graves riesgos para la seguridad de los consumidores.

La imitación descarada de marcas también ha generado controversia. En Changsha, provincia de Hunan, una tienda de belleza llamada "Only Young" ha recibido críticas por su gran parecido con CJ Olive Young, la principal cadena de cosméticos de Corea, ampliamente reconocida por los turistas extranjeros como un destino de compras de belleza coreana. El nombre, el logotipo, el característico color verde y el diseño de las bolsas de la tienda presentan similitudes sorprendentes, lo que genera preocupación de que los consumidores que no conocen las marcas puedan ser engañados.

La tienda se ha expandido rápidamente, ofreciendo envíos gratuitos a todo el país y abriendo sucursales adicionales en la cercana Liuyang. Su estrategia de marketing se centra en gran medida en la estética coreana, incluyendo el uso de música K-pop de fondo en los videos promocionales publicados en Douyin, la plataforma china de videos cortos.

“Una táctica común para atraer consumidores es hacerse pasar por una tienda relacionada con Corea, dado el creciente prestigio de la marca del país a nivel mundial. Las respuestas corporativas por sí solas tienen limitaciones. Se necesita urgentemente la cooperación del gobierno en materia de protección de la propiedad intelectual y la coordinación con las fuerzas del orden locales”, afirmó Seo Kyung-duk, profesor de la Universidad Femenina de Sungshin.

Artículo original en inglés: https://www.koreaherald.com/article/10681258

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 26 de julio de 2021 en messynessychic.com

Original por: Messynessy

Traducción por: Lizzy Z.

En el rincón más alejado de los bosques de Vincennes, en París, se encuentran los restos de lo que hace más de 100 años fue una exposición pública para promover el colonialismo francés y que hoy sólo podemos llamar el equivalente a un zoológico humano.

En 1907, se construyeron seis aldeas diferentes en el Jardín de Agronomía Tropical, representando todos los rincones del imperio colonial francés de la época: Madagascar, Indochina, Sudán, Congo, Túnez y Marruecos. Las aldeas y sus pabellones se construyeron para recrear la vida y la cultura tal como eran en sus hábitats originales. Esto incluyó imitar la arquitectura, importar la agricultura y, sorprendentemente, habitar las réplicas de las casas con personas traídas a París desde territorios lejanos.

Los habitantes humanos de la exposición fueron observados por más de un millón de curiosos visitantes desde mayo hasta octubre de 1907, fecha de su clausura. Se estima que, entre 1870 y la década de 1930, más de mil quinientos millones de personas visitaron diversas exposiciones en todo el mundo que presentaban habitantes humanos.

En 1906, esta réplica de una "fábrica" ​​congoleña se construyó en Marsella como parte de una exposición colonial. También se trajeron familias congoleñas para trabajar en la fábrica. En febrero de 2004, sus restos fueron incendiados.

Hoy en día, el Jardín de Agronomía Tropical se considera una mancha en la historia de Francia. Oculto tras puertas oxidadas y cerradas con candado durante la mayor parte del siglo XX, los edificios están abandonados y deteriorados, y las raras plantaciones exóticas desaparecieron hace mucho tiempo.

En 2006, el público pudo acceder a los jardines, pero pocas personas los visitan. La entrada está marcada por un pórtico de 3 metros de inspiración asiática, hecho de madera podrida y pintura roja descolorida, que se alza como el fantasma de un portero asesinado. Los visitantes pueden sentir ansiedad al entrar y comprender rápidamente que este no es un lugar del que los franceses se sientan orgullosos. Cien años después, todavía se percibe la inquietante presencia de mujeres con sombrillas y hombres con bombines que llegaban, ansiosos por ver el espectáculo al otro lado de esta columnata ahora desmoronada.

Solo algunos caminos permanecen libres de naturaleza invasora y todos conducen a diversos monumentos vandalizados, casas en ruinas con señales de peligro y parafernalia abandonada que no se puede entender.

Una puerta de entrada a una de las casas del pabellón de Indonesia.

El pabellón marroquí

Me colé por una valla y entré en una misteriosa estructura oculta al fondo del parque, un taller donde científicos y estudiantes venían a estudiar maderas tropicales traídas de las colonias.

Más de treinta y cinco mil hombres, mujeres y niños abandonaron sus países de origen durante el apogeo de la Europa imperialista y participaron en espectáculos exóticos celebrados en grandes ciudades como París, Londres y Berlín. Familias enteras, reclutadas en las colonias, fueron colocadas en réplicas de sus aldeas, vestidas con trajes tradicionales de imitación y pagadas para ofrecer un espectáculo a los espectadores. Como una oportunidad para demostrar el poder de Occidente sobre sus colonias, las exposiciones se convirtieron en un elemento habitual de las ferias comerciales internacionales y fomentaron el gusto por el exotismo y los viajes a lugares remotos.

© Shane Lynam

Los europeos se maravillaban con las mujeres africanas con los pechos al descubierto y se divertían con recreaciones de la "vida primitiva" en las colonias. Allí, antropólogos e investigadores podían observar aldeas enteras de tribus y reunir pruebas físicas que sustentaran sus teorías sobre la superioridad racial.

El pabellón tunecino.

Si bien los aldeanos habían llegado a París por voluntad propia y recibían dinero para ser exhibidos, también eran oprimidos, explotados y degradados. La distinción entre persona y espécimen era difusa. No eran invitados. Eran rostros anónimos al otro lado de una barrera.

Cuando la Exposición Tropical concluyó sus cuatro meses de duración en octubre de 1907, se desconoce cuántos de los participantes regresaron sanos y salvos a casa. Los aldeanos fueron seducidos por agentes lujuriosos o incluso engañados por sus propios jefes para unirse a compañías circenses que realizaban giras internacionales. Desde Marsella hasta Nueva York, su vulnerabilidad en un mundo capitalista fue explotada a cada paso.

Algunos finalmente encontrarían el camino a casa después de unos años, pero otros nunca lo lograrían. Si no caían víctimas de enfermedades desconocidas para ellos —viruela, sarampión, tuberculosis—, morirían de adversidad en un mundo extraño.

Se rumorea que un edificio, el pabellón de Indochina, será remodelado para funcionar como un pequeño museo y centro de investigación. Podría ser una solución inteligente para un tema delicado. Si el gobierno francés destruyera los jardines, se le acusaría de intentar encubrir el pasado. Si se restauraran por completo, podría interpretarse como una conmemoración del uso muy siniestro del poder por parte de Francia en el pasado.

Y así, el jardín permanece, de una belleza inquietante; una vergüenza olvidada.

La historia de Sarah: una joya colonia

El primitivismo de exhibir lo "primitivo" comenzó durante la época moderna, cuando exploradores como Colón y Vespucio atrajeron a los nativos de sus países de origen para que regresaran a Europa. Para demostrar el descubrimiento de tierras exóticas, los nativos eran exhibidos como trofeos. Pero lo que comenzó como una curiosidad admirable degeneró en una era de superioridad racial y la invención de lo salvaje.

Una joven sudafricana de 20 años, conocida como Sarah “Saartjie” Baartman, sería un símbolo de la época oscura que dio origen a la popularidad de los zoológicos humanos. Fue reclutada por un comerciante de animales exóticos en Ciudad del Cabo y viajó a Londres en 1810 para participar en una exhibición. La joven asistió voluntariamente con la excusa de que encontraría riqueza y fama. Los exhibidores buscaban en sus "exóticas" reclutas ciertas cualidades que coincidieran con el ideal de belleza europeo u ofrecieran una novedad inesperada. Sarah tenía una característica genética conocida como esteatopigia: glúteos prominentes y labios vaginales alargados.

Se encontró siendo exhibida en jaulas en atracciones secundarias, vestida con ropa ajustada que violaba cualquier norma cultural de la época. Unos años después, llegó a París, donde antropólogos raciales la exploraron, la indagaron y formularon sus teorías. Sarah finalmente recurrió a la prostitución para mantenerse y bebió mucho. Llevaba solo cuatro años en Europa.

Tras morir en la pobreza, el esqueleto, los órganos sexuales y el cerebro de Sarah se exhibieron en el Museo de la Humanidad de París, donde permanecieron hasta 1974. En 2002, el presidente Nelson Mandela solicitó formalmente la repatriación de sus restos. Casi doscientos años después de haber estado en cubierta y haber visto su mundo desaparecer tras ella, Sarah Baartman finalmente regresó a casa, donde el aire olía a buchu y menta, y la sabana la llamaba.

Imágenes adicionales vía Les Expositions Universelles de Paris, Invisible Paris, Shane Lynam y Olivier Aubert

Artículo original en inglés: https://www.messynessychic.com/2012/03/02/the-haunting-human-zoo-of-paris/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 29 de julio de 2024 en spoon-tamago.com

Original por: Johnny

Traducción por: Lizzy Z.

Tulipán, en Japón, se pronuncia chulip. Y chu significa beso, por lo que era inevitable que alguien se divirtiera con el juego de palabras. Pero nunca imaginé una serie de obras de arte tan extraña como esta. El artista Takayuki Fukusawa (famoso por su collar de escote) creó una planta ficticia llamada Chulip¹, así como un diario ficticio para documentar científicamente sus hallazgos ficticios.

Las ilustraciones puntillistas, a la vez misteriosas y divertidas, son realmente exquisitas y le valieron a Fukusawa un Premio Internacional de Ilustración² el año pasado.

Fukusawa incluso convirtió su creación en un objeto inerte: un recipiente que puede usarse como macetero, taza o decantador de vino. Los vende en el sitio web de artesanías Minne³ por 3200 yenes.

Artículo original en inglés: https://www.spoon-tamago.com/chu-lip-the-fictional-plant-that-loves-to-kiss/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 9 de febrero de 2026 en koreanindie.com

Original por: Ashley J. Chong

Traducción por: Lizzy Z.

Antes de conocer a flow blow, conocía su música. Si eres fan del K-pop, seguramente tú también. El dúo estuvo detrás de la canción debut de Wanna One, "Energetic", y también trabajó en temas conocidos como "Shine" de PENTAGON y "Pick Me" de PRODUCE 48. Casi una década después de comenzar su trayectoria como productores, flow blow lanzó su primer EP, presentándose nuevamente como artistas.

Me intrigó la historia de flow blow cuando contactaron con nosotros. Como alguien familiarizado con los lanzamientos de K-pop del dúo, tenía curiosidad por la evolución de su sonido artístico y cómo llegaron a donde están ahora.

Por favor, preséntense a nuestros lectores.

Hola, Korea Indie, somos flow blow. Zyro y HAI trabajamos juntos como dúo.

¿Qué significa su nombre artístico? ¿Usaron el mismo nombre mientras producían para otros artistas?

Cuando empezamos a trabajar como productores, entramos en la escena del K-pop, y el nombre surgió de un juego de palabras. En lugar de simplemente seguir la corriente de la música pop convencional, queríamos "explotarla" o desafiarla a nuestra manera.

Para ser honestos, también nos gustó mucho lo bonito que sonaba el nombre. Cuando trabajamos como artistas, usamos el nombre escrito en minúscula como "flow blow". Queríamos separar sutilmente nuestra identidad como productores, Flow Blow, de quiénes somos como artistas.

Antes de lanzar su propia música, eran productores. ¿Esta secuencia fue intencionada?

En realidad, fue todo lo contrario. Al principio, queríamos ser DJs y admirábamos mucho a artistas como Zedd. Gracias a una oportunidad inesperada y muy agradecida, empezamos a trabajar como productores en la escena del K-pop. Mientras tanto, nuestros planes de lanzar nuestro propio disco se posponían constantemente.

¿Cómo creen que su experiencia como productores ha influido en su enfoque musical actual?

Trabajar con diferentes artistas nos permitió observar de cerca el proceso de grabación y aprender mucho de diversos colaboradores de la escena pop. Nuestra experiencia con la mezcla, masterización y distribución se ha convertido en una base sólida para crear nuestro propio EP.

No creemos que nuestro enfoque musical haya cambiado drásticamente. Si antes producíamos para otros grandes artistas, ahora simplemente nos centramos en encontrar el estilo que mejor se adapta a nosotros. Dado que el K-pop abarca una gama tan amplia de géneros, también nos ayudó a expandir de forma natural nuestro espectro musical. Si escuchas nuestra música, probablemente notarás una gran variedad de matices.

¿Cómo fue la transición entre los diferentes roles (productor vs. artista)? ¿Surgieron desafíos inesperados en el proceso?

Cuando trabajábamos como productores, podíamos centrarnos exclusivamente en la música, ya que la compañía se encargaba del marketing y la producción general [de los lanzamientos]. Sin embargo, como artistas independientes, somos responsables de cada paso, desde la promoción hasta la producción, lo que sin duda conlleva más desafíos.

Para este EP, produjimos discos físicos por primera vez, y la comunicación con las fábricas y la promoción de los productos terminados todavía se siente extraña y difícil en ocasiones.

En Apple Music, su discografía se etiquetó inicialmente como K-pop ("peace signs", "spotlight"), luego se inclinó hacia el dance con "invisible" y, desde "second to me", se ha etiquetado como electrónica. ¿Cómo identifican su música? ¿Y cuáles son sus influencias musicales?

En cuanto a géneros, creemos que aún estamos construyendo nuestra propia identidad, y agradeceríamos que los oyentes pudieran acompañarnos en ese viaje. Musicalmente, nos apasiona una amplia gama de estilos, desde el jazz hasta la música electrónica y el trap. Es difícil señalar un solo género como nuestra principal influencia.

Ya sea por la elección de sonidos (la batería de "Spotlight" en la introducción me recordó a la de la película Pantera Negra) o por breves momentos de teoría musical (la ligera modulación en "OUTTA TOUCH"), parece que hay mucha intención detrás de cómo unen sus canciones.

¿Cuál es su enfoque musical? ¿Y para quién crean música?

Antes que nada, gracias por escuchar nuestra música con tanta atención. Más allá de crear buenas melodías o armonías, intentamos contar una historia a través de nuestras canciones. Al construir esa historia, solemos centrarnos más en la narrativa —casi como guionistas— que en la teoría musical.

No nos fijamos un público objetivo específico al crear música. Primero la creamos para nosotros mismos, pero, por supuesto, esperamos sinceramente que conecte con la mayor cantidad de gente posible.

¿Qué los inspira? ¿Cómo se les ocurrió el título NOISY DAWN?

Este EP nació inspirado en la idea del "amanecer". NOISY DAWN cuenta literalmente la historia de un "amanecer ruidoso".

Un amanecer puede sentirse abarrotado y bullicioso en algunos lugares, mientras que en otros evoca vacío, emoción o tristeza. Queríamos capturar estas emociones contrastantes que coexisten al amanecer.

Para la financiación colectiva del EP, permitieron el acceso a archivos de Ableton. Parece que buscan no solo invitar a los fans al espacio creativo, sino también inspirar a futuros músicos.

De hecho, ya hemos impartido seminarios para personas interesadas en nuestro proyecto. Desde nuestros inicios como productores, mucha gente sentía curiosidad por los aspectos técnicos y musicales de nuestros archivos de sesión. Compartir los archivos de Ableton fue una de las maneras en que queríamos responder a ese interés.

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¿Cuál fue la lógica detrás de esta decisión?

Cuando estudiábamos música, éramos grandes fans de Mr. Bill. Comprar sus archivos de proyecto nos hacía inmensamente felices y nos ayudaban mucho en la práctica. Queríamos compartir esa experiencia con los demás.

¿Qué los inspiró a empezar con la música?

HAI: Quizás por mis padres, la música siempre me ha acompañado desde que nací, casi como una manta de seguridad con la que creces. No hubo un solo momento que me inspirara; hacer música simplemente se siente natural para mí.

ZYRO: Aprendí piano en la iglesia de joven, lo que despertó mi interés por la música. Más adelante, a pesar de la oposición de mis padres, comencé a asistir a una academia y me dediqué a la música más en serio.

Han trabajado con otros artistas anteriormente, y en su EP debut, destacamos la colaboración con HYO, miembro de Girls’ Generation, DJ y solista, y la cantautora Nia. ¿Cómo surgen estas colaboraciones?

Ya éramos fans de HYO cuando era DJ. Nos pusimos en contacto con ella a través de SM y aceptó amablemente la colaboración. Fue un sueño hecho realidad y estamos muy agradecidos.

Conocimos a Nia en Corea en 2025 a través de una presentación editorial. Sentimos que su tono y expresividad encajaban a la perfección con nuestra música, así que le pedimos que participara en una canción. Aportó ideas líricas ricas y líneas fuertes en ambos temas principales [“OUTTA TOUCH”, “WILDCHILD”], y quedamos muy satisfechos con el resultado.

Sus lanzamientos suelen ir acompañados de visualizadores. Los dos de las canciones principales de NOISY DAWN me recordaron a los humanoides plateados de los videoclips de Hitchhiker, mientras que, por otro lado, el visualizador de "let us part" es más extravagante, protagonizado por dos osos.

¿Cómo ven la relación entre los elementos visuales y la música? ¿Qué tan necesarios son para experimentar la visión/intención completa de la canción?

Siempre hemos creído que los elementos visuales son importantes, ya que pueden mejorar enormemente la inmersión musical. Sin embargo, no los consideramos absolutamente esenciales, en parte porque crearlos nosotros mismos cada vez puede ser exigente.

En el fondo, somos músicos, así que consideramos los elementos visuales un elemento adicional. Aun así, cuando sentimos que hay un mensaje visual fuerte que transmitir, terminamos creándolos sin darnos cuenta del esfuerzo que requiere.

Ampliando los sentidos, si su música fuera un sabor y un aroma, ¿cuáles serían y por qué?

Sería el aroma de una fruta pelada que aún no ha madurado del todo. No creemos que nuestra música sea perfecta todavía; actualmente, tiene una frescura cruda y sin refinar. Esperamos que los oyentes disfruten viéndonos madurar con el tiempo, jaja.

¿Qué sigue para flow blow? ¿Algún comentario final para nuestros lectores?

Nos estamos preparando para las presentaciones en vivo con la vista puesta en 2026 y también estamos trabajando arduamente en nuestro próximo lanzamiento. Esperamos que nos sigan.

Esperamos poder conocerlos en persona algún día. Muchas gracias por tomarse el tiempo de encontrarnos y leer nuestra historia; incluso un poco de atención significa mucho para nosotros. Tenemos muchas más historias interesantes que contar y haremos todo lo posible para crear oportunidades para compartirlas.

Spotify

Artículo original en inglés: https://www.koreanindie.com/2026/02/09/interview-with-flow-blow/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 23 de febrero de 2012 en messynessychic.com

Original por: Messynessy

Traducción por: Lizzy Z.

¿Sabías que durante casi una década (9 años para ser exactos), la marca de automóviles Citroën alquiló la Torre Eiffel y la iluminó con 125.000 luces brillantes? El letrero se erigió en 1925 y permaneció allí hasta que Citroën quebró por primera vez en 1934. Lo irónico es que su quiebra se debió en parte a las elevadísimas facturas de electricidad.

Artículo original en inglés: https://www.messynessychic.com/2012/02/22/the-eiffel-tower-was-once-a-giant-advertising-billboard/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 26 de junio de 2017 en messynessychic.com

Original por: Messynessy

Traducción por: Lizzy Z.

La actriz Phyllis Gordon con su guepardo.

“En resumen, estamos íntimamente ligados a los animales y es satisfactorio acogerlos y domesticarlos. Subconscientemente, somos una mezcolanza. No sabemos quiénes somos, así que, para simplificar, basamos nuestra individualidad en los animales.”

Dr. Yi-Fu Tuan, geógrafo cultural de la Universidad de Wisconsin

“Existe una tensión constante al mantener animales salvajes. La gente los quiere salvajes, pero también quiere que se comporten bien.”

-Dr. Serpell, director del Centro para la Interacción de los Animales y la Sociedad de la Facultad de Medicina Veterinaria de la Universidad de Pensilvania

Audrey Hepburn y su cervatillo

Salvador Dalí y su oso hormiguero saliendo del metro de París

Josephine Baker y su mascota guepardo, 1931

Un hombre con su perro y su jabalí en 1955

Zorita, la bailarina burlesca, pasea a su serpiente mascota. En la sociedad moderna, el estereotipo es que los hombres suelen preferir animales depredadores como mascotas y las mujeres prefieren adoptar criaturas "lindas". Esta mujer no.

Frida Kahlo con su mascota Granizo, 1939

Canguro como mascota, 1959 en Nueva York

Desayuno con macota chimpancé, 1971

El leopardo negro mascota “juega” en el patio trasero, 1971.

June Havoc y su mascota tucán, 1950

Jugando con un leopardo como mascota, 1971

Rupert el Rino, 1960

Ocelote mascota, 1961

Un hombre y su mascota Caimán Trudy, Reino Unido, 1963

Una mujer parisina y su guepardo, 1932.

Esta es una copia antigua de un catálogo de mascotas exóticas publicado por Stromberg.

Desde tiempos inmemoriales, la humanidad ha intentado domesticar animales. Las culturas aborígenes capturaron y domesticaron una amplia gama de mamíferos, como aves, jaguares y osos. En las tribus amazónicas, las mujeres incluso amamantaban a sus crías. Las mascotas salvajes también ayudaban a los niños a aprender sobre los animales. Para la realeza y los ricos, mantener grandes colecciones de animales exóticos era una forma de ostentar riqueza y poder.

“Todos los animales existen de forma independiente y necesitan respeto. Esto es diferente a la tenencia de mascotas contemporánea, donde el animal se reduce a un niño.”

Dr. Eugene Hunn, etnobiólogo de la Universidad de Washington

Vía Retronaut y New York Times

Artículo original en inglés: https://www.messynessychic.com/2012/04/19/when-wild-pets-were-the-accessory-du-jour/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.