Artículo original publicado el 30 de octubre de 2018 en thefashionlaw.com

Original por: TFL

Traducción por: Lizzy Z.

 

Imagen: Louis Vuitton  

En caso de que necesites pruebas sólidas de que vale la pena apostar por Corea y sus exportaciones culturales, no busques más, solo mira a LVMH Moët Hennessy Louis Vuitton, la empresa matriz de Louis Vuitton, la marca de lujo más valiosa del mundo. El conglomerado con sede en París ha tenido sus ojos en el este durante años, y gracias a su brazo de capital privado, apuesta por la influencia que Corea del Sur mantiene en términos de cultura no solo dentro de sus propias fronteras sino también en China y, cada vez más, en occidente también.

En los últimos años, LVMH, a través de L Catterton Asia (su unidad de capital privado), ha adquirido importantes participaciones en tres entidades coreanas: Gentle Monster, una marca de gafas joven en ciernes; CLIO Cosmética; y, por último, pero no menos importante, YG Entertainment, una de las principales empresas de administración de K-pop del país. Agrega al entusiasmo de LVMH por invertir en compañías coreanas el interés de la industria de la moda, en general, en las estrellas más importantes del país. Chanel y Fendi, marcas en las que Karl Lagerfeld tiene el control creativo, continúa aprovechando las estrellas K-Pop para aparecer en sus campañas y sentarse en la primera fila de sus pasarelas.

También se puede ver en sus campañas publicitarias. La división de moda masculina de Louis Vuitton, bajo la supervisión de Virgil Abloh, ha elegido al ex miembro del grupo EXO-M, Kris Wu, para su campaña de sastrería para hombres. En las últimas temporadas, Wu ha caminado (y se ha desempeñado como embajador de la marca) para Burberry, mientras agracia las portadas de revistas para Vogue Me, Vogue China, Cosmo y L'Officiel, entre otras. Kai de EXO ha sido llevado al redil de la moda por Gucci.

La marca con sede en Nueva York Alexander Wang, que es conocida por la selección progresista de músicos para campañas publicitarias y bandas sonoras de espectáculos, se ha interesado especialmente por G-Dragon y CL, al igual que Jeremy Scott, Juun. J, y el exdirector creativo de Saint Laurent, Hedi Slimane, quien notificó primero a G-Dragon, fanático de mucho tiempo, sobre su colección en su colección debut para Saint Laurent.

Burberry se une a estas marcas y no faltan otras entidades de renombre, que también continúan aprovechando el poder de venta de estas famosas figuras. La marca británica, que ayudó a abrir los shows de Primavera / Verano 2018 en Londres (con una colección de Otoño / Invierno 2017 de See Now-Buy Now), invitó a los integrantes del grupo Winner MINO y HOONY a Londres para el evento. ¿No conoces a Winner? La boyband, que, junto con Big Bang de G-Dragon, está en la compañía YG, ha tenido un gran éxito hasta el momento en 2017 después de regresar de una pausa de un año. El grupo se renovó luego de perder a su vocalista principal, Nam Tae Hyun, y como lo dijo recientemente Billboard, "rápidamente ha tomado impulso como uno de los grupos masculinos más prometedores de Corea entre los cuatro singles que lanzaron en 'Our Twenty Four' y 'April's Fate Number Four", 'que contó con' Really Really 'y la balada' Fool '”.

"Aunque los cambios en la alineación a menudo son un desastre para los grupos de K-pop", escribe Tamar Herman de Billboard, "el ahora cuarteto ha cambiado las cosas para deleitarse y mostrar un estilo musical distintivo entre las cuatro canciones, ofreciendo un estilo más suave del que es típico su etiqueta, YG Entertainment, que también alberga a BIGBANG y Blackpink ". Y, aun así, los miembros del grupo han estado dejando sus marcas en la industria de la moda desde el principio. En 2014, el grupo se llevó a casa el premio "New Icons" de Style Icon Asia, seguido del premio "Awesome K-Style" en 2016. Han hecho olas con editoriales en revistas, como InStyle, Elle, W, Nylon, Marie Claire, y GQ, gracias a su afición por el estilo personal; sus looks a menudo consisten en marcas que van desde nombres reconocidos como Gucci, Loewe, Louis Vuitton y Saint Laurent, hasta artículos de inspiración callejera como los de Gosha Rubchinskiy, Supreme, Off-White y Alyx.

Mientras tanto, Tommy Hilfiger, que descendió sobre Londres por su propio asunto Ver ahora-Comprar ahora, le dio la bienvenida a Chanyeol de EXO en su primera fila, lo que no causó la escasez de fanáticos. EXO, el grupo de chicos de Corea del Sur y China, formado por S.M. Entertainment en abril de 2012 y dividido en dos subgrupos, EXO-K y EXO-M, que se promocionan en Corea del Sur y China por separado, ha ganado fuerza entre la industria de la moda tanto en línea como en la pasarela.

 

 

Artículo original en inglés: http://www.thefashionlaw.com/home/burberry-leverages-the-power-of-k-pop-for-springsummer-2018

 

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

 

 

Artículo original publicado el 9 de mayo de 2016 en hypebeast.com

Original por: Josephine Cruz

Traducción por: Lizzy Z.

 

Supreme, maharishi y otros reelaboran Hanten, Noragi, Samue y Dou Zinbei.

Desde la chaqueta de recuerdo japonesa hasta el omnipresente bombardero MA-1, algunas de las siluetas de prendas de vestir más queridas de la moda urbana se inspiran en los estilos de ropa históricos. Esta temporada ha sido testigo de una afluencia de piezas prestadas de una prenda tradicional aún más famosa: el kimono. La vestimenta formal apareció por primera vez en Japón a principios del siglo V d. C., y fue, en su forma original, influenciada por la ropa china Han. No fue hasta el período Edo (1603–1867 d. C.) que las mangas se hicieron más largas y el obi (cinturón) se hizo más ancho; desde esta encarnación, la forma básica de los kimonos de hombres y mujeres se ha mantenido prácticamente igual. Los kimonos, más que una simple prenda de vestir, se consideran a menudo como obras de arte, especialmente aquellos que están hechos de materiales finos o por muchos artesanos de renombre que conservan las técnicas de construcción de siglos de antigüedad. En sus formas más contemporáneas y adoptivas, las prendas de estilo kimono ofrecen a los usuarios una alternativa adornada pero usable a un blazer, chaqueta o abrigo. Aquí hay cinco de los destacados estilos de kimono de esta temporada de una pandilla de nuevos y viejos favoritos de streetwear.

 

Supreme x Sasquatchfabrix. Chaqueta de Hanten

Supreme siempre tiene algunas sorpresas bajo la manga cuando se trata de colaboraciones estacionales, y esta temporada se mostró en suspenso cuando revelaron una inesperada colección colaborativa con Sasquatchfabrix. Fundada en 2003 por Daisuke Yokoyama, la etiqueta japonesa de culto se ha hecho conocida por combinar vanguardia con moda urbana, integrando textiles únicos, elementos de skate y la cultura del grafiti y las técnicas de producción tradicionales japonesas. Estas sensibilidades fueron fuertes a lo largo de toda su colección con los reyes de la publicidad con sede en Nueva York, y especialmente en esta chaqueta Hanten. La Hanten (袢 纏) es una chaqueta que se hizo popular durante el periodo Edo y era, en su forma tradicional, una chaqueta de trabajador, a menudo se acolchaba para darle más calidez y tenía mangas más cortas para no interferir con las manos al trabajar. El período Edo (1615–1868) fue de gran florecimiento cultural en Japón, ya que el desarrollo económico contribuyó al nacimiento de la clase media, lo que significa que había una nueva clase de ciudadanos que podían permitirse lujos como la ropa de moda en lugar de la práctica. Sin embargo, hubo leyes que impidieron la exhibición ostentosa de la riqueza por parte de todos, excepto la casta guerrera. Muchas chaquetas, incluyendo la Hanten y la similar Haori, fueron diseñadas con diseños discretos, y si tenían más detalles lujosos, a menudo se ocultaban en el forro. La versión The Supreme x Sasquatchfabrix salió en verde militar o negro, y contó con elementos clásicos como una solapa bordada y un cierre de corbata, compensados por elementos contemporáneos como la espalda de una cola de pez y la atrevida marca Supreme en las mangas.

 

Grupo Guerrilla: Chaqueta Noragi EYES & SINS

La subetiqueta de Guerrilla Group EYES & SINS es conocida por producir piezas que se sentirían como en casa en cualquier distopía, película de ciencia ficción moderna, marcada por una paleta de colores apagados y señales de estilo militar pesado. La chaqueta Noragi es una de las piezas más llamativas de su colección más reciente, con detalles de cremallera gruesos que actualizan perfectamente la silueta tradicional del kimono. El Noragi (野 良 着) es en realidad uno de los ejemplos más tradicionales de ropa de trabajo japonesa. Originalmente usado por la clase trabajadora, incluidos los agricultores, el Noragi está marcado por un ajuste suelto y desestructurado que hace que sea fácil de usar y moverse. La chaqueta está construida de manera robusta con ECOYA® y EAGLETEX®, lo que garantiza tanto la impermeabilidad como la transpirabilidad, lo que la convierte en un complemento moderno y funcional para cualquier vestuario.

 

MEANSWHILE Cotton Birds Eye Monk’s Samue

MEANSWHILE puede tener solo unos tres años, pero en ese tiempo ha desarrollado una reputación de vestimenta práctica y vestimenta que no escatima nada cuando se trata de carácter o fantasía. Esta temporada, el sello japonés ofreció su propia interpretación del samue (作 務 衣), una chaqueta tradicional que usan los monjes de la mayoría de las facciones budistas japonesas cuando se dedican al acto de samu. Samu se refiere al trabajo físico que se realiza como una práctica simple, práctica y espiritual y puede incluir actividades como limpiar, cocinar, cultivar un huerto o cortar leña. Samu es popular en los monasterios Zen, particularmente como un medio para mantener el monasterio y al mismo tiempo se practica la "atención plena". Las samue tradicionales estaban hechas de algodón o lino y, a menudo, se teñían de marrón o añil para distinguirlas de las prendas más formales y adornadas.  En los tiempos modernos, el samue sigue siendo una opción popular como ropa casual o de trabajo; A los jugadores de Shakuhachi también se les ve a menudo usando samue, debido a la asociación histórica del instrumento con el budismo zen. El diseño de MEANSWHILE refleja fielmente una muestra tradicional en corte y color, aunque con una correa de nylon ajustable y una hebilla moderna agregada para mayor comodidad y conveniencia.

 

Chaqueta maharishi 8046 MA de monje

El maharishi de Londres es uno de los pilares de la ropa moderna de estilo militar, y son maestros en la reimaginación de estilos probados y verdaderos para una audiencia contemporánea. Sólo tiene sentido que hayan elegido uno de los estilos de kimono más tradicionales de la cultura japonesa para esta pieza del SS16. Como su nombre indica, este abrigo fue inspirado por túnicas usadas por monjes budistas en Japón. El budismo se originó en la India, donde las temperaturas son mucho más cálidas, por lo que los monjes solo necesitaban una prenda exterior, el tradicional kasaya o kesa (袈裟) en japonés, una túnica más externa que se lleva generalmente sobre el hombro como símbolo de fe contra la protección de cualquier elemento. Sin embargo, a medida que el budismo se extendió a los climas más fríos de Japón y China, se necesitaron otras prendas para obtener protección adicional, y las ropas budistas en estos países evolucionaron para abarcar túnicas superpuestas además del kesa. Con el tiempo, las muchas sectas budistas de Japón desarrollaron sus propios estilos kesa distintivos. maharishi diseñó esta adaptación del resistente nylon veneciano italiano a una silueta más alargada, y agregó algunos detalles adicionales actualizados que incluyen detalles reflectantes, ventilaciones para las axilas, bolsillos laterales ocultos y un interior acolchado en contraste en color naranja.

 

ALK Phenix Dou Zinbei

La marca japonesa ALK Phenix es menos conocida en el mundo occidental, pero se está convirtiendo en una que ver por sus piezas sobresalientes, especialmente cuando se trata de prendas exteriores. Para el SS16, ofreció su propia versión de un estilo de kimono menos conocido en zinbei (甚 平), que en realidad se usaba tradicionalmente en Japón como una forma de ropa de dormir o ropa de hogar. El zinbei a veces se usaba fuera de la casa, pero solo para realizar tareas o recados que se encontraban cerca, y presentaba costuras sueltas para permitir la ventilación durante el calor. Los zinbei tradicionales usualmente estaban hechos de materiales livianos como el cáñamo o el algodón, mientras que ALK Phenix voltea las cosas al crear su versión de Kevlar durable, conocida principalmente como el material con el que se hacen los chalecos antibalas, lo que le da a la silueta clásica una actualización utilitaria robusta y moderna. . La chaqueta también cuenta con un bolsillo oculto incorporado en la solapa.

 

Artículo original en inglés: http://hypebeast.com/2016/5/5-kimono-styles-reinterpreted-in-streetwear-this-season

 

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

 

 

Artículo original publicado el 16 de septiembre de 2016 en soompi.com

Original por: Brookenicole

Traducción por: Lizzy Z.

Parece que cada semana en el mundo del K-pop, otro video de música llamativo aterriza en YouTube y nace un nuevo grupo. Aumenta un fandom, las canciones del grupo están en los primeros lugares de las listas de popularidad, y esperamos con impaciencia a que su sello musical afine a otro grupo de aprendices para reiniciar la rueda. Pero con tantos grupos debutando, formándose y disolviéndose literalmente cada segundo, ¿por qué es tan raro ver a uno mixto?

No es como los grupos mixtos no pueden tener éxito. Ellos pueden. Urban Zakapa, Clazziquai Project, Koyote, 8Eight y MFBTY son ejemplos fáciles de esto. Aunque ninguno de estos grupos realmente lleva la etiqueta principal de "K-Pop", todavía son grupos mixtos que han logrado un éxito inmenso en sus respectivos géneros.

Sin embargo, incluso con sus logros como una referencia, los grupos idol coed se estrellan más a menudo de lo que tienen éxito. Solo mire el resultado de F1RST, un grupo mixto de tres mujeres y cuatro hombres que se disolvieron poco después de su segundo single, "Ma Ma My".

La saga continúa con Sunny Hill, que gana fuerza como un grupo de chicas después de perder a su único miembro masculino en 2014:

Y Co-Ed School, cuya alineación original incluía cuatro chicas y seis chicos, finalmente se dividió, lo que resultó en dos grupos independientes de un solo género, F-ve Dolls y SPEED.

Los grupos de ídolos mixtos no tienen una larga historia de historias de éxito todavía. Los fanáticos del K-Pop pueden haber demostrado una y otra vez que prefieren ver los géneros separados, pero eso no significa que no sería sorprendente ver más grupos de géneros mixtos. Afrontémoslo: K-Pop es un género que se basa en gran medida en conceptos para diferenciar cada canción y artista del resto. Un grupo mixto es, en cierto modo, un concepto. Y los conceptos fácilmente identificables funcionan.

Como nuevos conceptos, a todos les gusta un buen dúo. Un grupo mixto ofrece la oportunidad infinita de un dúo, y siempre es agradable escuchar voces masculinas y femeninas en la misma pista. Lucky J demuestra esto con su hábil equilibrio de rap y voz en "No Love" a continuación.

Cuando se trata de actuaciones, Troublemaker nos muestra cómo un dúo mixto puede iluminar el escenario con química extrema, bailes de pareja y un poco de skinship.

Pero los grupos mixtos aún son capaces de conceptos significativos que no dependen de la identidad basada en el género para trabajar. Sunny Hill muestra esto en su video musical (altamente subestimado) para "The Grasshopper Song".

Al igual que la unidad de baile de SM Younique en "Maxstep":

Y los proyectos mixtos como Triple T, Nasty Nasty y JIMIN N J.DON muestran el amplio espectro de conceptos posibles que un grupo mixto puede lograr.

Aunque son raros, los grupos mixtos son muy entretenidos y ofrecen un ángulo fresco al concepto de grupo. Sí, hay miles de razones por las cuales no funcionarían. Pero eso es cierto para todos los grupos que hay.

 

Quiero decir, ¿quién hubiera pensado que veríamos a un grupo de aprendices de diferentes agencias de música promocionando juntos como un solo grupo? Era inaudito. Hasta que I.O.I. entró en escena y probaron que podía hacerse. Ahora, solo necesitamos un grupo mixto para hacer lo mismo. La oportunidad está ahí. Es hora de que más sellos tomen la oportunidad y debuten uno.

 

¿Qué piensas? ¿Quieres ver más grupos mixtos en K-Pop o crees que no funcionaría? ¡Comenta abajo!

 

Artículo original en inglés: https://www.soompi.com/2016/09/19/k-pop-needs-coed-groups/

 

 

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

 

Artículo publicado el 28 de agosto de 2015 en the-artifice.com

Escrito por: YsabelGo

Traducción por: Lizzy Z.

Para algunos, hacer cosplay es un hobby; para otros, es un estilo de vida. Si has hecho cosplay o no, el cosplay se ha convertido en algo predominante en la sociedad actual. Mucho tiempo y trabajo se invierte en la creación de estos disfraces para que los individuos que los usan participen en eventos en los que podrán convertirse en sus personajes favoritos. Para los desinformados, hacer cosplay es lo mismo que vestirse de bruja en Halloween. Pero para aquellos que practican las artes, el cosplay es más que disfrazarse, es convertirse por completo en un personaje y presentarse frente a cientos de fanáticos.

¿Cómo comenzó este fenómeno? ¿Cuándo creció el cosplay de “disfraces de adultos” en algo que ha sido aceptado como una sub cultura y una representación de un fandom?

LA HISTORIA DEL COSPLAY   

Foto a la izq. (pie de foto: Forrest J. Ackerman en su “futuristidisfraz” en 1939.)

Inicialmente llamado como “disfrazarse”, el cosplay comenzó a finales de los años treinta en Norteamérica. En ese entonces, el cosplay no requería que los participantes imitaran la apariencia de un personaje. Más bien, solo tenían que vestirse apropiadamente según el género; esto es lo que hacía Forrest J. Ackerman con su disfraz futurístico cuando asistió a una convención de sc-fi. Él fue el primer asistente en aparecer con un disfraz, así que en los años siguientes, las convenciones comenzaron a parecer bailes de máscaras, y se daban premios a quien tuviera “el mejor disfraz”.

En Japón, la serie de manga Urusei Yatsura, y la serie de televisión Mobile Suit Gundam, ayudaron a lanzar el movimiento, ya que estudiantes universitarios japoneses se vestían ansiosamente de sus personajes favoritos para las convenciones. Tomando prestada la práctica de los bailes de máscaras en Norteamérica, los fanáticos recrearían sus escenas favoritas, lo cual le agregaba emoción ya que eran capaces de demostrar su admiración por sus series favoritas.

No fue hasta 1984 que el término “cosplay” se inventó, al combinar las palabras “costume” (disfraz) y “play” (juego). Este término fue acuñado por el reportero japonés Nobuyuki Takahashi, después de haber ido a Worldcon en Los Ángeles. Cuando iba a traducir la palabra “masquerade” (disfrazarse) se escuchaba “anticuada” y utilizó “cosplay” para describir el concepto.

Foto: Artículo sobre el cosplay de Nobuyuki Takahashi, el cual salió en 1983.     

Pasando rápido a la actualidad, momento en que el cosplay ha creado una subcultura propia: en Norteamérica, ya no es raro ver gente usar disfraces en las convenciones. El cosplay ya no se limita al anime o sci-fi, se ha dividido en otras categorías, como superhéroes, personajes de caricaturas, de videojuegos, y más. De manera similar, Japón ha hecho al cosplay parte de su cultura pop, en especial en distritos como Harajuku y  Shibuya. Los cosplayers en esas áreas se disfrazan a diario, por lo que no es raro ver a alguien resaltar de entre los civiles.

Foto Un par de cosplayers caminado en Harajuku.

Asimismo, los maid cafés se han hecho extremadamente populares; en ellos, las meseras se visten de sirvientas y atienden a su “amo” (también conocido como cliente). Esta clase de actuación puede ser considerada como “rara” para otros, lo cual nos deja la pregunta de porque las personas eligen hacer cosplay en primer lugar.

PORQUE LAS PERSONAS PARTICIPAN

Hay muchas razones por las cuales los participantes viven en el arte del cosplay. Al igual como es de divertido vestirse como una persona diferente en Halloween, los cosplayers disfrutan transformarse en un personaje.  En el video de BuzzFeedYellow “Why I cosplay” (porque hago cosplay) dos cosplayers comparten que convertirse en alguien más les da fuerza porque los ayuda a ganar confianza. Uno explica “Gracias al cosplay, me puedo convertir en esos personajes. Podría vivir indirectamente con lo cool que son.” Ya que el cosplay se enfoca en la similitud al personaje, esto se ve a través de trajes de alta calidad y una representación realista. En cierto sentido, el cosplay es como la actuación, ya que los participantes deben entrar en personaje y comportarse como ellos una vez que usan el traje.

Dentro de esta subcultura también existe un fuerte sentido de comunidad. Ya sea que uno disfrute de la costura, modelar, o la fotografía, los fans son capaces de interactuar con otras personas que están en el mismo fandom; hay un sentido de unión, y es emocionante ver a otra persona con el mismo cosplay u otro personaje de la misma serie. Se toman fotos en grupo, y hacen “fan service” para emocionar a los espectadores.  En algunos casos, los cosplayers se reúnen para ocasiones distintas a las convenciones; por ejemplo, aquellos que disfrutan de hacer disfraces van a reuniones de costura para trabajar en sus trajes con otros cosplayers y comparten consejos.   También hay fiestas de playa de cosplay y eventos en clubs que son presentados por entusiastas que le dan oportunidades a los cosplayers de usar sus trajes en lugares diferentes.

En última instancia, lo que todos los cosplayers tienen en común, es que cada persona entra en esta afición porque es divertido hacer cosplay. Requiere de tiempo y dedicación, pero también es gratificante ver los resultados. Después de todo, nadie pasa horas haciendo su traje sólo para ponérselo a regañadientes una vez y ya; es una oportunidad para representar a un fandom, y que puede practicar cualquiera que esté dispuesto a aprender.  

MONETIZACIÓN   

Aunque muchos cosplayers participan para divertirse, hay algunos que lo hacen para ganarse la vida; por ejemplo, la celebridad cosplayer, Jessica Nigri, se hizo popular cuando su disfraz de “Pikachu Sexy” se publicó en la red. Desde entonces, ha aparecido en convenciones como modelo oficial de cosplay para numerosos personajes, como  Connor Kenway (Assassin’s Creed III), Vivienne Squall (KILLER IS DEAD), y la versión femenina de Captain Edward Kenway (Assassin’s Creed IV: Black Flag). Su fandom ha crecido exponencialmente al tener páginas de fans en Facebook, Tumblr, y un subreddit dedicado a ella. Jessica también vende posters autografiados y le pagan para crear nuevos trajes para los videojuegos que están por salir.      

Aparte de Jessica Nigri, también hay otros cosplayers que cobran por que les tomen fotos. A pesar de que la monetización apoya a los participantes en este arte, también crea complicaciones; Angela Bermudez, una cosplayer de Costa Rica, se quedó varada en un país extranjero al ser víctima de un frade. Le prometieron que su hotel y boleto de avión estarían cubiertos, pero ya era demasiado tarde cuando se dio cuenta de que la habían estafado, ya que la persona que estaba a cargo de su alojamiento fue detenida. En consecuencia, ella sólo fue capaz de volver a casa debido a las donaciones de sus fans de buen corazón.

Esos son los riesgos a los que se enfrenta un cosplayer profesional, y es una desgracia que aquellos que le ponen un gran empeño a su oficio sean ridiculizados o que no los tomen en serio. Pero, ¿qué hace “profesional” a un cosplayer en su oficio de tiempo completo? ¿Son los trajes, o como alguien los modela? ¿Qué hace a un cosplay “bueno” en primero lugar?

¿QUÉ HACE A UN BUEN COSPLAY?

Foto El disfraz que tomó 700 horas para hacerlo. Diseñado y modelado por Linda Le.

En agosto de 2015, The Try Guys de Buzzfeed lanzaron una serie de cuatro partes que exploraba el mundo del cosplay. En esta, The Try Guys aprendieron cuanto esfuerzo se le da a un traje antes de una convención.  Estaban muy preocupados en como un traje podía llevar 700 horas para terminarlo, lo cual lleva a otras personas a pensar en los factores que se necesitan para hacer un buen cosplay.

1. La atención al detalle

Al prepararse para una convención de cosplay, es importante planear antes y tomarse el tiempo con la fabricación del traje; aunque mirones puedan no ser capaces de distinguir la diferencia entre dos telas o pelucas, notarán si un traje no se ve bien. Aficionados ávidos también se darán cuenta si faltan detalles (como una pulsera) por lo tanto, varias fotos se deben analizar antes de hacer el traje; sin embargo, lo que llama la atención más que cualquier otra cosa es como le queda el traje a la persona. Por eso es que los cosplayers deben adaptar el traje para que se ajuste a las proporciones de su cuerpo, sin importar si tienen el mismo tipo de cuerpo que el personaje.

El cosplay es más que nada sobre el aspecto general.  El maquillaje puede ayudar a acentuar el look, sobre todo si el personaje tiene características especiales, como un bigote, orejas de elfo, etc. Por ejemplo, Naruto en Modo Sabio tiene una pigmentación anaranjada/rojiza alrededor de los ojos, por lo que es un detalle que un cosplayer no debe de olvidar si decide hacer cosplay de Naruto en Modo Sabio.

2. Creatividad

Foto The Try Guys haciendo cosplay de los personajes de Sailor Moon, pero agregándole su giro “estrella del rock galáctica”.

Mientras que el personaje se reconozca, los aficionados tienen la libertad creativa con sus disfraces; una de las formas más populares de cambiar el diseño de un personaje es hacer un cambio de género. En este se cambia el género del personaje y modifica el traje de acuerdo a ello; por ejemplo, The Try Guys decidieron hacerlo al crear una versión de hombre de las Sailor Scouts.

Otra opción popular es la de modificar el disfraz para que se adapte a una temática diferente, como el estilo victoriano, steampunk, lolita, etc. No solo emana creatividad, también requiere de imaginación ya que puede que no haya alguna foto que usar como referencia; sin embargo, al hacer demasiadas modificaciones  se corre el riesgo de que las personas no reconozcan el personaje, y puede ser agotador responder sin cesar a la pregunta: “¿Quién se supone que eres?”

3. Confianza

La confianza ayuda a la persona a resaltar de entre aquellos que portan el mismo traje. La manera en la que una persona posa e interactúa tiene un efecto en la experiencia, aunque podría ser un poco incómodo al principio para los que hacen cosplay por primera vez; pero la confianza se puede construir mientras que la persona esté dispuesta a estar y enfrentarse al público. Una cosplayer llamada Kristen Lanae es un ejemplo de como una mujer tímida le agradece al cosplay por ayudarla con su seguridad en sí misma. En una entrevista con el Daily Mail, Kristen comenta, “siempre he sido muy callada y tímida, pero cuando me pongo un disfraz salgo a la vida. Diría que es por todas las reacciones positivas que recibo cuando traigo un cosplay.”

Foto en medio: Kristen Lanae con su cosplay de Misty – Pokémon.

Hay una gran cantidad de apoyo en la comunidad para aquellos que quieran entrar al mundo del cosplay. Las personas pueden tomar fotos de su progreso y pedir consejos sobre cómo construir o hacer una determinada cosa o pieza de ropa. Hay fanáticos que animan a otros cosplayers y les dejan comentarios en sus redes sociales para apreciar su trabajo. No obstante, en cualquier forma de arte, siempre hay un riesgo, ya que otros no pueden ver la belleza de ello o lo encuentran confuso; pero debido a que el cosplay es una forma de arte física, existen más riesgos que el simple hecho de que algunos espectadores no entiendan el traje del cosplayer.            

LOS RIESGOS DEL COSPLAY

1. Acoso sexual

Desafortunadamente, algunos personajes están diseñados para ser provocativos, y usan leotardos de licra o uniformes de escuela con faldas cortas. Como resultado, los aficionados se olvidan de que hay individuos dentro de esos disfraces, ya que son llevados en la fantasía de que su personaje favorito ha cobrado vida. Esto es un problema porque muchos casos de acoso sexual se han reportado por cosplayers que están tratando de disfrutar las convenciones. Mujeres han sido manoseadas y hombres han sido menospreciados por no encajar en un determinado traje. Por lo tanto, los organizadores están dando a conocer este problema mediante la implementación de políticas contra el acoso. En la Comic Con de Nueva York, los asistentes podrán ver un gran cartel que dice “El Cosplay no da consentimiento [a acoso]” y que todos deben de ser tratados con respeto.

Foto Un letrero grande que dice “El Cosplay no da consentimiento [a acoso]” Puede ser visto cuando se entra a la convención. 

Recuerda: el hacer cosplay de un personaje no es una invitación a comentarios indecentes o acoso sexual. El cosplay debería de poder ser practicado con libertad, sin que los participantes se preocupen por el riesgo a ser acosados.

2. Opiniones

Como se dijo anteriormente, hay algunos aficionados que se encuentran atrapados en cómo se debe de ver un personaje si en la vida real. Como resultado, estos juicios se pasan a los cosplayers que no se parecen a los personajes, lo cual es una práctica incorrecta de esta forma de arte. Las personas vienen en diferentes formas y tamaños, y no deberían de avergonzarse por su cuerpo si no se ajusta a la estructura corporal del personaje. Yaya Han, una cosplayer muy popular y partidaria de que cualquier tipo de cuerpo, ha hablado sobre este tema, y afirma:

“No hay un libro de reglas, mandamientos o notas en COMO se debe hacer un cosplay. Si te quieres vestir de un personaje que no se parece a ti, ¡adelante! Hay muchas opiniones sobre la raza, sexo, peso, tamaño, altura y otras cosas que NO SE PUEDEN CAMBIAR en el cosplay, nunca ha tenido sentido para mí.”

Foto: Un grupo de chicas haciendo cosplay de La Mujer Maravilla, todas igual de hermosas. (Foto por Patrick Sun.)

El cosplay debería de ser una experiencia divertida para todos. Aunque hay algunos aspectos negativos dentro de la comunidad, también existe una gran cantidad de positivismo; por lo tanto, las personas no deben desalentarse de hacer cosplay de su personaje favorito. Hacer cosplay es una oportunidad para relacionarse con aquellos  que tienen intereses similares, y la oportunidad de hacer cosplay de su personaje favorito. Es una oportunidad de representar a un fandom y conocer a otros con las mismas aficiones. Después de todo, ¿Cuándo se tiene la oportunidad de ver a Naruto comiendo el almuerzo con Superman?

 

El cosplay ha evolucionado de disfrazarse a una forma de arte. Aunque puede ser considerado como imitación, allí hay individuos que le dan su propio giro creativo en los trajes y la apariencia general. Lo que alguna vez fue un pasatiempo, le ha permitido a los participantes hacer una carrera profesional del cosplay; esto demuestra la prevalencia del cosplay en la sociedad. Se ha convertido en parte de la subcultura y ya no puede considerarse como “disfraces de adultos”.

El cosplay es considerado como una forma de arte porque es una expresión artística que fortalece a los individuos cuando se transforman en diferentes personajes. Y como cualquier forma de arte, el cosplay comienza con pasión, y se convierte en algo tangible en el momento en que un individuo decide traerlo a la vida.

Trabajos citados  

Ashcraft, Brian, and Luke Plunkett. “Where The Word “Cosplay” Actually Comes From.” Kotaku, 22 Oct. 2014. Web.

BuzzFeedVideo. “The Try Guys Make Sailor Moon Costumes • Cosplay: Episode 2.” Online video clip. Youtube, 2 Aug 2015. Web.

BuzzFeedYellow. “Why I Cosplay.” Online video clip. Youtube, 9 Sept 2014. Web.

Don. “Jessica Nigri.” Know Your Meme News. Cheezburger Inc., n.d. Web.

Gallagher, Luke. “Why Manufactured Drama on Syfy’s ‘Heroes of Cosplay’ Is Ruining Cosplay.” Nerdbastards.com, 21 Aug. 2013. Web.

Kondolojy, Amanda L. “Playing Dress-Up for Adults: The History of Cosplay – Cheat Code Central.” Cheat Code Central, n.d. Web.

Morgan, Maybelle. “Shy Cosplay Fanatic Reveals How Dressing up as Iconic Action and Fantasy Heroines Helped Her Overcome a Lifetime of Low Self-esteem.” Daily Mail. Associated Newspapers, 27 July 2015. Web.

Mexican, Darth. “Cosplay Crisis: Scammed And Left In Another Country.” The Geek Lyfe. GhostPool.com, 14 July 2015. Web.

Raymond, Adam K. “75 Years Of Capes and Face Paint: A History of Cosplay.” Yahoo, 24 July 2015. Web.

Romano, Andrea. “Cosplay Is Not Consent: The People Fighting Sexual Harassment at Comic Con.” Mashable. N.p., 15 Oct. 2014. Web.

White, Kaila. “Two Metro Phoenix Women Make Cosplay a Career.” Azcentral. N.p., 4 June 2014. Web.

 

        

Articulo original recuperado de http://the-artifice.com/cosplay-overview/