Artículo original publicado el 9 de abril de 2021 en koreatimes.co.kr

Original por: Park Ji-won

Traducción por: Lizzy Z.

Una camiseta del Holy Number 7 hecha de tela reciclable / Cortesía de Holy Number 7

La pandemia ha marcado un antes y un después para las marcas de moda, ya que los diseñadores locales han comenzado a reflexionar sobre su posible responsabilidad en la propagación del COVID-19. Algunos han concluido que no son inmunes a la responsabilidad, ya que cada año miles de millones de toneladas de residuos textiles terminan en vertederos.

Preocupados por la degradación ambiental provocada por la moda, algunos diseñadores están tomando medidas tardías para frenar los residuos textiles.

Hansome, filial de moda de Hyundai Department Store, lanzó su Proyecto Carbono Cero en febrero para reducir las emisiones de carbono mediante el reciclaje de sus residuos textiles en productos de diseño de interiores, en lugar de simplemente tirarlos. La empresa quemaba hasta 80.000 prendas de ropa, con un peso de 60 toneladas, al año para controlar el inventario. Pero decidimos lanzar el proyecto para asumir nuestra responsabilidad como empresa de moda y prevemos reducir nuestras emisiones de carbono en 144 toneladas al año.

Montura de Holy Number 7 realizada con telas sobrantes y de stock muerto / Cortesía del Holy Number 7

Convirtiéndose en una norma en la industria de la moda.

En la última Semana de la Moda de Seúl Otoño/Invierno 2021, celebrada en línea en marzo, con la participación de 43 marcas y diseñadores, entre ellos Holy Number 7, Hanacha Studio, ul:kin, KWAK HYUN JOO COLLECTION, PARTSPARTS y RINJEON, los participantes declararon su apuesta por la moda sostenible, introduciendo el concepto de sostenibilidad o respeto al medio ambiente para esta temporada. Según los organizadores, esta cantidad de marcas es la mayor registrada en la Semana de la Moda de Seúl.

Holy Number 7, una marca sin género con cinco años de antigüedad, basada en frases bíblicas que abordan problemas sociales actuales, participa activamente en la moda sostenible reciclando telas sobrantes y de desecho en su nueva colección. Su objetivo es concienciar sobre los problemas ambientales y se compromete a no producir residuos textiles en su línea de productos. Alrededor del 60 % de sus artículos y prendas de moda se basan en este concepto.

“La pandemia me inspiró a centrarme en los problemas ambientales y a tomar medidas. Creo que algunas de nuestras actividades pasadas son responsables del deterioro del medio ambiente, lo que condujo a la situación del virus. Es hora de actuar juntos por el medio ambiente”, declaró Choi Kyoung-ho, director ejecutivo y diseñador de Holy Number 7, a The Korea Times el martes.

Añadió que los ingresos no son la única razón detrás de la decisión de su empresa de reciclar telas, y señaló que otros problemas globales, como el comercio justo y los derechos humanos de los trabajadores, han impulsado a su empresa a adoptar una nueva normalidad.

“En los países europeos, la moda sostenible ya se ha convertido en la norma. Muchos compradores europeos están interesados ​​en adquirir productos sostenibles. Pero aquí en Corea, solo unas pocas marcas de moda han adoptado este enfoque, aunque el número de marcas con conciencia ambiental está aumentando”, afirmó Choi.

Comentó que el supraciclaje es un desafío para la moda coreana porque la industria textil local no sigue los mismos patrones. "Estamos cambiando nuestros materiales y sistemas gradualmente para fabricar más productos de este tipo. La sostenibilidad en la moda es inevitable", concluyó.

Yeonjun de TXT con la colección LSD otoño/invierno de ul:kin NYFW / Cortesía de ul:kin

Los diseñadores dicen que la sostenibilidad ha provocado un cambio en la fabricación de textiles. “Antes, los diseñadores de moda priorizaban los materiales visualmente atractivos y sus productos reflejaban esta característica. Pero eso es algo anticuado. Hoy en día, creo que los diseñadores de moda se enfrentan a la necesidad de incluir mensajes sociales en sus diseños y mejorar el sistema de fabricación para que sea más sostenible”, declaró Lee Seong-dong, director creativo de ul:kin. Su marca, lanzada en 2014, ha recibido atención mediática por su reciclaje creativo de pinturas, convirtiéndolas en bolsos, y su objetivo es crear productos de moda sostenibles combinando arte, reciclaje creativo, deconstrucción y reconstrucción, y conceptos híbridos.

Subrayó que se está pidiendo a las marcas de moda que fabriquen productos estéticamente agradables y éticos al mismo tiempo.

Bolso de Ul:kin hecho a partir de una pintura / Cortesía de ul:kin

La gente no se subirá a un Tesla con pieles. Nuestra marca no hizo mucha promoción, pero las ventas están aumentando tanto a nivel nacional como internacional, presumiblemente porque cada vez más gente se identifica con nuestra filosofía de sostenibilidad. Considero que esto representa un cambio en la demanda de los consumidores en los últimos años. Sin embargo, no tiene sentido simplemente crear un producto basado en una filosofía ética. Cada vez más consumidores compran un producto que sea moderno y que también tenga algo que ver con la sostenibilidad. Por eso, intentamos incluir tejidos ecológicos como el poliéster reciclado y desarrollar nuestro propio tejido respetuoso con el medio ambiente, a la vez que incorporamos más elementos culturales para que el producto sea único. Los artículos de moda y la ropa forman parte de nuestro movimiento social.

Artículo original en inglés: https://www.koreatimes.co.kr/lifestyle/trends/20210409/upcycling-boom-in-fashion-designers-take-action-to-reduce-textile-waste

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 26 de octubre de 2017 en blog.mjohnso.com

Original por: Melissa Johnson

Traducción por: Lizzy Z.

La música de fondo que suena en el primer minuto del video, "Please Look After Blady", es una elección acertada. Oscura y siniestra, presagia el acto desesperado que se avecina en la segunda mitad. Luego, los miembros de Blady, de pie en una playa azotada por el viento, comparten una sincera búsqueda para aparecer en una larga lista de espectáculos de música y variedades. Al terminar su discurso, salen corriendo y caen al agua, vestidas únicamente con shorts y camisetas de manga larga.

Blady sí promocionó finalmente su canción, "Blood Type B Girl¹", en tres de los programas que solicitaron (M! Countdown de Mnet², Inkigayo de SBS³ y Show! Music Core de MBC⁴), aunque no durante su ciclo de promoción habitual. Ambas actuaciones ocurrieron un mes después de su solicitud, en enero, por lo que es improbable que fueran resultado de su artimaña. Además, de haber tenido éxito, es probable que Blady u otro grupo con dificultades hubiera intentado replicarlo, algo que, que yo sepa, ninguno ha hecho.

Por otra parte, la ausencia de tales estrategias puede tener menos que ver con su efectividad y más con el hecho de que hoy en día los ídolos de nivel medio y bajo tienen opciones. Ha surgido todo un espacio poblado de programas de televisión y compañías adaptadas a ellos y a sus necesidades. Ya sea ayudándolos a mostrar su potencial y aumentar su visibilidad mediante apariciones en televisión o apoyando económicamente sus álbumes, todas estas empresas comparten un objetivo común: están aquí para ayudar.

Sin embargo, esta ayuda no suele ser incondicional. Suele haber condiciones, que suelen disimular, como es el caso del programa de KBS, The Unit, que se estrenará próximamente. Anunciado como un proyecto de reinicio de ídolos, su premisa resulta magnánima. Dará, en sus palabras, a 200 ídolos "fracasados" una segunda oportunidad de triunfar, brindándoles la oportunidad de demostrar su potencial.

Sin embargo, la realidad del programa no está a la altura de tan ambicioso objetivo, ya que esa prometida segunda oportunidad no está garantizada. Para calificar para la segunda oportunidad, los ídolos deben audicionar frente a un panel de jueces y público, quienes determinan quiénes pasan. Si tienen suerte y logran obtener una de las 126 plazas disponibles, se dividirán en equipos que competirán entre sí mediante misiones. Los ganadores formarán parte de un grupo de proyecto de corta duración, aunque, en teoría, hay un premio de consolación. Al participar, los ídolos pueden aparecer en televisión y "demostrar su potencial", o en otras palabras, obtener "exposición".

Esa parte de la exposición debería verse con bastante escepticismo. Si bien los programas de supervivencia son hábiles al usarla para promocionar su programa y suavizar algunos de sus aspectos más duros, rara vez funciona. Un ejemplo es Produce 101 de Mnet, que terminó su segunda temporada a principios de este año. En ese programa, a los participantes no se les ofreció ninguna compensación económica; ninguno de ellos recibió remuneración por su tiempo en el programa, solo exposición.

Una crítica frecuente, sobre la que he escrito extensamente en relación con el programa, es que Mnet no distribuyó esta exposición equitativamente. Algunos participantes tuvieron más tiempo en pantalla que otros, y algunos tuvieron poco o ningún tiempo en pantalla.

Quienes sí tuvieron tiempo en pantalla o incluso "ganaron" y se convirtieron en miembros del grupo final, I.O.I, no necesariamente tuvieron un mejor desempeño que quienes no lo lograron. Es decir, para estos ídolos, la asociación con Produce 101 no necesariamente se extendió a todos. Al contrario, si bien los participantes y ganadores pudieron haber contribuido a fortalecer la marca del programa, grupos como DIA, APRIL, Pristin y Gugudan no se acercaron a replicar el éxito.

Sin embargo, parafraseando lo que dije antes, estos grupos tienen otras opciones. Siempre podrían recurrir al circuito de programas de supervivencia, que sigue prosperando, o podrían probar otra táctica: el crowdfunding. En concreto, podrían utilizar Makestar, el servicio de "Global Hallyu Crowdfunding", que quizá no se promocione como un recurso para ídolos o agencias con dificultades, pero se ha ganado esa reputación gracias a su clientela. Su primera campaña de gran éxito fue en 2015 para el grupo femenino Stellar, que se encontraba en constantes dificultades y en una situación financiera precaria. Desde entonces, las campañas posteriores han sido para grupos en situaciones similares, centradas principalmente en recaudar fondos para sus debuts o regresos, o, en otras palabras, en "ayudar".

Al igual que con The Unit y Produce 101, esta promesa de ayuda plantea algunas preguntas. En el caso de Makestar, esto se debe menos a su inherente explotación que en los dos anteriores, sino más bien a su falta de transparencia. La compañía parece reacia a hablar de dinero, así que no lo hace, centrándose en detalles superficiales. Cada página de campaña enumera las recompensas y los perfiles de los ídolos y el video. No hay un desglose detallado de los riesgos, cómo se usará el dinero, si el proyecto tiene sobrefinanciación o incluso la comisión que Makestar cobra por cada campaña. Quienes se comprometen deben confiar en la palabra de Makestar y las agencias de entretenimiento.

En defensa de Makestar, sin embargo, no hay razón para no creerles al pie de la letra, salvo que forman parte de un sistema lleno de empresas basadas en una premisa similar. Prometen ayudar a los ídolos, pero luego hacen lo contrario. Es decir, utilizan a los ídolos en dificultades para ayudarse a sí mismos, ya sea para atraer a la audiencia o para fortalecer su propia marca, en lugar de a los ídolos, quienes tienen opciones limitadas. Es cierto que ya no necesitan arriesgar su vida como Blady por un anuncio en televisión, pero comparado con sus opciones actuales, eso no dice mucho.

Artículo original en inglés: https://blog.mjohnso.com/post/166822611841/the-business-of-struggling-idols

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

1 https://www.youtube.com/watch?v=G3plEUNWIew

2 https://www.youtube.com/watch?v=J6YicUmV0tE

3 https://www.youtube.com/watch?v=sRKSA7foURg

4 https://www.youtube.com/watch?v=x1BWHtEe4e0

Artículo original publicado el 13 de enero de 2023 en fictiontalk.com

Original por: Jon Gordon

Traducción por: Lizzy Z.

Pokémon, la querida franquicia con más de dos décadas de existencia, no solo ha conquistado los corazones de niños y adultos por igual, sino que también ha revolucionado la industria de los videojuegos en múltiples sentidos. Desde sus humildes inicios como un par de videojuegos para Game Boy, hasta convertirse en un fenómeno cultural, Pokémon ha dejado una huella imborrable en el mundo de los videojuegos.

Empecemos con el aspecto coleccionable de Pokémon. ¿A quién no le encanta atraparlos a todos? La emoción de encontrar un nuevo Pokémon, la emoción de intentar atraparlo y la satisfacción de añadirlo a tu colección es algo que ha hecho que Pokémon destaque en el mundo de los videojuegos. Es este concepto simple pero adictivo el que ha inspirado a otros juegos a incluir elementos coleccionables, convirtiéndolo en un elemento básico de la industria.

Uno de los aspectos más destacados de Pokémon son sus elementos de rol. Los juegos de Pokémon se clasifican como juegos de rol, lo que significa que los jugadores pueden controlar a un personaje, tomar decisiones y determinar el resultado del juego. Este tipo de juego no era tan común en 1996, cuando se lanzaron los primeros juegos de Pokémon, pero el éxito de Pokémon en este género ha impulsado el desarrollo de muchos otros juegos de rol que se han popularizado en los últimos años.

En su paso a los dispositivos móviles, Pokémon Go, lanzado en 2016, cautivó al mundo. El juego, que permitía capturar Pokémon en el mundo real con sus dispositivos móviles, se convirtió rápidamente en uno de los juegos para móviles más populares de todos los tiempos, recaudando más de 2000 millones de dólares tan solo en su primer año. Su éxito ha inspirado a muchos otros desarrolladores a crear juegos similares de VR/AR, lo que ha impulsado un aumento en la cantidad de juegos para móviles similares en los últimos años.

Pero el impacto de Pokémon no termina ahí; también tiene el poder de unir a la gente. La franquicia tiene un fuerte sentido de comunidad, con fans de todo el mundo que se reúnen para jugar, intercambiar cartas y ver el anime. Desde sitios web creados por fans, foros y grupos en redes sociales, Pokémon ha creado una plataforma para que la gente conecte y comparta su amor por la franquicia.

En conclusión, Pokémon ha transformado el mundo de los videojuegos de muchas maneras, desde su énfasis en el coleccionismo hasta el uso de elementos de rol, la popularización de los juegos para móviles y su fuerte sentido de comunidad. Es una franquicia que ha resistido el paso del tiempo y continúa evolucionando, y su impacto en el mundo de los videojuegos se sentirá durante muchos años más. Así que, tanto si eres un fan incondicional como si eres un jugador casual, es difícil negar el impacto que Pokémon ha tenido en la industria de los videojuegos.

Artículo original en inglés: https://fictiontalk.com/2023/01/13/from-game-boy-to-mobile-the-evolution-of-pokemon-and-its-impact-on-gaming/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 16 de marzo de 2025 en asahi.com

Original por: Kemji Shimizu

Traducción por: Lizzy Z.

De izquierda a derecha: Shinjiro Kohira, director de la Asociación de la Industria Textil Nishijin; Taigan Kobori, sacerdote principal de la Escuela Kenninji de la Secta Rinzai; y Kikuo Hirano, artesano textil tradicional certificado de Nishijin, posan frente a los pergaminos colgantes dedicados en el templo Kenninji, en el barrio Higashiyama de Kioto, el 14 de marzo. (Yoshiaki Arai)

KIOTO--El 14 de marzo, se donaron al templo Kenninji dos pergaminos colgantes "kakejiku", elaborados con técnicas avanzadas de brocado Nishijin, que representan las famosas pinturas de biombos "byobu".

Los pergaminos reproducen “Fujin Raijin zu Byobu” (Pantallas del dios del viento y del dios del trueno), declarado tesoro nacional y obra maestra de Tawaraya Sotatsu, pintor activo durante el Periodo Edo (1603-1867), propiedad del templo.

Los pergaminos estarán expuestos en el templo, en el distrito de Higashiyama de Kioto, desde finales de abril.

"Esperamos que los visitantes puedan experimentar el esplendor de la cultura japonesa", declaró Taigan Kobori, sacerdote principal de la Escuela Kenninji de la Secta Rinzai.

Cada uno de los pergaminos dedicados mide 192 centímetros de largo y 197 cm de ancho.

Fueron producidos en 2014 por la Asociación de la Industria Textil de Nishijin para conmemorar el 400 aniversario del nacimiento de Rinpa, la escuela de pintura japonesa cofundada por Tawaraya Sotatsu.

Artículo original en inglés: https://www.asahi.com/ajw/articles/15670710

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.