Artículo original publicado el 15 de febrero de 2011 en spoon-tamago.com

Original por: Johnny

Traducción por: Lizzy Z.

Natsumi Hayashi¹ es una fotógrafa con sede en Tokio que se hace llamar cámara yowayowa (debilucha) la mujer de la cámara, y se burla de sí misma porque apenas puede llevar su propia cámara. Comenzó a documentar públicamente² su trabajo en 2009, que comenzó con tomas mundanas de comida y sus dos gatos. En 2010 el foto-diario dio un giro inesperado, transformándose en un escaparate de una serie titulada “la levitación de hoy” donde, entremezclada con fotos de sus gatos (no levitando), publicaba fotos de ella congelada en el aire.

Desde una perspectiva técnica, es impresionante lo quietas que aparecen algunas de las fotos. Es difícil imaginar que se ejerció una gran fuerza de energía para impulsarla en el aire. Quizás lo que es tan fascinante de las imágenes es la ausencia de energía y momento, literalmente, congelado.

Otra razón por la que me atraen algunas de las imágenes es que, si bien su naturaleza es completamente lúdica, hay un tema subyacente subversivo y un tanto rebelde. En una sociedad que impone silenciosamente la conformidad, una persona que toma fotografías mientras salta públicamente en el aire está destinada a sobresalir. Y su atracción por lugares donde tales actos serían mal vistos o considerados peligrosos (plataformas de trenes y cruces elevados) solo ayudan a despertar la aprensión.

Notas:

1 http://yowayowacamera.com/

2 https://yowayowacamera.com/banana/archives/

Artículo original en inglés: https://www.spoon-tamago.com/yowayowa-camera-woman-aka-natsumi-hayashi/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 26 de abril de 2018 en spoon-tamago.com

Original por: Johnny

Traducción por: Lizzy Z.

La ola de modernidad comenzó a barrer Japón durante el período Taisho (1912-1926) cuando la sociedad japonesa y el sistema político se abrieron significativamente. La prosperidad económica creó una clase de personas que tenían más dinero para gastar y vivían cada vez más en ciudades donde entraban en contacto con influencias del extranjero. Los términos Mobo y Moga (Modern Boy y Modern Girl) se acuñaron para referirse a esos chicos y chicas "it" que vestían moda occidental y a menudo se les veía en la glamorosa Ginza.

Una portada ilustrada de la canción "Tokyo Kouta" personifica a Moga, o Modern Girl

Diseño de empaque vintage para tabaco por Hisui Sugiura

Una tabaquería de los años 30. Estas tiendas también estaban muy estilizadas y diseñadas para vender un estilo de vida, así como un producto.

Pero las mareas de cambio fueron rápidas y la atmósfera optimista del período Taisho se desvaneció cuando Japón entró en una grave depresión económica tras el final de la Primera Guerra Mundial. “El período inicial de Showa también fue un período de turbulencia y agitación marcado por la crisis financiera mundial (Depresión de Showa), el Incidente de Manchuria y el comienzo de la Guerra de Asia y el Pacífico”. Eso es de una nueva exposición¹ en Tokio que sigue los cambios en los estilos de vida a través del punto de vista de los envases antiguos y el diseño gráfico.

Titulada “Tokio a través de los ojos del niño y la niña modernos²”, la exhibición reúne varios objetos de un consorcio de museos. Van desde el diseño de envases de cigarrillos y jabón hasta fotografías antiguas, carteles y sellos. El envase del champú, por ejemplo, supuso un cambio significativo en el comportamiento del consumidor. Hombres y mujeres que anteriormente se lavaban el cabello tal vez una vez por semana, comenzaron a lavarse el cabello a diario y ayudaron en gran medida a dar forma al énfasis de Japón en la limpieza.

La exposición estará expuesta hasta el 8 de julio de 2018 en el Museo del Tabaco y la Sal de Tokio³. La entrada general es de 100 yenes.

Cartel de 1930 para el tabaco Minori.

Envase para champú Kao (1932). Su advenimiento cambió enormemente el enfoque de Japón sobre la higiene personal.

Anuncio de 1932-1935 para lugares de interés turístico a lo largo de la línea ferroviaria de Tobu

Una fotografía antigua de 1932 del edificio Wako en Ginza (anteriormente Hattori Watches, el predecesor de Seiko)

Diseño gráfico de un cartel de promoción del radio-taiso o calistenia matutina (1928)

Un cartel de 1932 para el tabaco que dice “Para la patria, la seguridad. Para socializar, tabaco. Cuando el país entró en la Segunda Guerra Sino-Japonesa, el diseño gráfico incorporó elementos militaristas y nacionalistas.

Cartel de 1943 llamando a las mujeres a unirse a la fuerza de telecomunicaciones. El lema dice: “Un soldado de telecomunicaciones desde su propia casa”.

Cartel de 1950 para Morinaga Caramel. A partir de esta época (5 años después de la guerra), las cosas empezaron a mejorar para Japón. Artículos discrecionales como caramelos comenzaron a circular en el mercado una vez más.

Notas:

1 https://www.fashionsnap.com/article/2018-04-21/moga-tokyo-museum/

2 https://www.tabashio.jp/index.html

3 https://www.tabashio.jp/index.html

Artículo original en inglés: https://www.spoon-tamago.com/japanese-lifestyle-moga-moba/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 1ro de abril de 2021 en vogue.com

Original por: Liam Hess

Traducción por: Lizzy Z.

Izq. a Der.: Minjukim, Painters, Pian, Hanacha Studio y LIE. Todas las fotos son cortesía de los diseñadores; Diseño: David Vo

Hace poco más de un año, la Semana de la Moda de Seúl¹ se convirtió en uno de los primeros grandes eventos de moda en ser víctima del coronavirus. Debido al lugar de Corea del Sur como punto de acceso temprano para la pandemia, el anuncio de su aplazamiento se realizó mientras la Semana de la Moda de París aún estaba en marcha. Si bien la situación en Corea del Sur actualmente es estable, los organizadores de la semana se aseguraron de que los eventos de esta temporada² se llevaran a cabo de la manera más responsable posible, con todos los programas siendo transmitidos en directo sin audiencia. Sin embargo, lo que surgió de estas limitaciones fue una cantidad sorprendente de creatividad, con muchas de las colecciones destacadas de la semana provenientes de voces más jóvenes y emergentes.

En circunstancias normales, la mayoría de los espectáculos tendrían lugar en el grandioso escenario de Dongdaemun Design Plaza, diseñado por Zaha Hadid, que, si bien es conveniente, ofrece poco espacio para que los diseñadores experimenten con la forma en que se presentan sus colecciones. Un lado positivo que surgió esta temporada, entonces, fue la variedad más amplia de fondos, con diseñadores que exploraron lugares desde los sagrados pasillos del Museo Nacional de Corea hasta los frondosos alrededores del Han Riverside Park, brindándoles la oportunidad de construir un mundo más cohesivo junto con cada colección. Esta combinación de ubicaciones mostró más de lo que Seúl tiene para ofrecer como capital del diseño, incluso desde lejos, algo que los organizadores de la semana harían bien en continuar incluso cuando regrese la normalidad.

Los aspectos más destacados llegaron a través de caras conocidas como Minju Kim, previamente nominada al Premio LVMH, que se mostró fuera de horario; nombres coreanos más establecidos como LIE; y una serie de talentos emergentes, incluidos Hanacha Studio y Painters. Juntos crearon una mezcla ecléctica que refleja el rico mosaico de escenas de estilo que han hecho de Seúl una capital de la moda.

A continuación se muestran a los cinco diseñadores que hay que conocer de la temporada de otoño de 2021 de la Semana de la Moda de Seúl.

Cortesía de LIE

LIE

Como uno de los nombres más establecidos en el programa de la Semana de la Moda de Seúl, el diseñador Chung Chung Lee de LIE³ mostró su colección en la colosal plaza afuera del Museo Nacional de Corea. Fue un escenario adecuadamente épico para una salida que contó con prendas separadas y prendas exteriores impecablemente cortadas e inmediatamente deseables. Varias piezas particularmente atractivas se inspiraron en la equitación, incluido un abrigo corto con cinturón y un detalle de hombro cruzado y bolsos de cuero estilo silla de montar con borlas, hebillas e incluso estribos. ¿El accesorio más divertido? Una fusta.

Cortesía de Minjukim

Minjukim

Posiblemente la mayor historia de éxito de la moda coreana de los últimos años, los vestidos maravillosos frou-frou y los encantadores abrigos de gran tamaño de Minju Kim⁴ se volvieron globales después de que emergió como la merecida ganadora del concurso Next in Fashion de Netflix, ganando $250,000 de Net-a-Porter para lanzar una nueva colección en su sitio. Si bien Kim elige principalmente presumir de agenda, estrenó su colección de otoño de 2021 con un elegante lookbook que la vio darle un giro más nítido y gráfico a sus distintivos diseños femeninos, Los aspectos más destacados incluyeron prendas de punto adornadas con conejitos, cárdigans con estampados florales recortados abstractos inspirados en El joven manos de tijera, una serie de vestidos con volantes con hombros extragrandes y cuellos de peter pan). Puede que sea uno de los nombres más conocidos de la semana, pero con una colección que siguió moviéndose hacia adelante, Kim claramente no se está durmiendo en los laureles.

Hanacha Studio

Graduada del London College of Fashion, Hana Cha de Hanacha Studio⁵ emergió como una de las destacadas de la semana con una colección que fusionó siluetas dramáticas con estampados pictóricos para formar un todo distintivo y oscuramente romántico. Si bien la diseñadora es conocida por su punto de vista intelectual (recientemente completó un doctorado en la Universidad Hong-ik de Seúl sobre la relación entre el movimiento Bauhaus y la moda), había una ligereza de toque presente en los flecos de cristal que recorren los dobladillos de los abrigos y las chaquetas y las piezas de mezclilla salpicadas de pintura. Esta semana, Cha se estableció como un nuevo talento emocionante para seguir.

Pian

Cortesía de Pian

Si bien Seúl fue uno de los primeros lugares avanzados para la vestimenta sin género, todavía hay una rica tradición de sastrería masculina inventiva presente en la ciudad, cortesía de marcas de larga duración como Münn y Caruso. El nombre más nuevo en la cuadra es el diseñador HyunHo Kim de Pian⁶, quien mostró su colección de sastrería fuera de lo normal al atardecer debajo de un puente en una isla en el río Han. Equilibrando la comodidad con un glamour dandy y desgarbado, y una dosis final de desaliñado dickensiano, su colección de otoño consistió en trajes de tres piezas y chaquetones confeccionados con lino lavado y denim tratado, mientras que los elementos de patchwork estilo Junya recibieron una nueva actualización a través de costuras vistas y cierres asimétricos. Fue interesante ver a un diseñador de moda masculina destacarse como una de las voces más intrigantes de la semana, sobre todo con una colección tan creativa como codiciada.

Painters

El comodín de esta temporada fue Painters⁷, una creación del diseñador Won Jeon, quien recibió el premio H&M x London College of Fashion Design Award en 2015 antes de establecer su marca hace tres años. Habiendo emergido como uno de los diseñadores más ingeniosos y divertidos de Seúl, las proporciones al revés del distintivo de Jeon, el ojo caleidoscópico para el color y las texturas inesperadas estaban con toda su fuerza. Los vestidos combados y abultados venían envueltos alrededor del cuerpo en algodones como nubes y negros brillantes de bolsas de basura, mientras que una pieza particularmente memorable cortada de una piel sintética gris esponjosa presentaba una protuberancia similar a la de un canguro en la cintura, tan seductora como extraña. Parece que la tendencia emergente de proporciones envolventes de gran tamaño es una con la que Jeon está totalmente de acuerdo.

Notas:

1 https://www.vogue.com/tag/event/seoul-fashion-week  

2 https://www.vogue.com/slideshow/seoul-fashion-week-fall-2021-best-street-style  

3 https://www.instagram.com/liecollection_/?hl=en

4 https://www.instagram.com/_minjukim_/?hl=en

5 https://hanacha-studio.com/

6 https://www.instagram.com/pi____an/?hl=en

7 https://www.instagram.com/paintersfromseoul/?hl=en

Artículo original en inglés: https://www.vogue.com/article/5-designers-to-know-seoul-fashion-week-fall-2020

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 22 de octubre de 2022 en spoon-tamago.com

Original por: Johnny

Traducción por: Lizzy Z.

Kumiko es una técnica japonesa tradicional que utiliza numerosas barras de madera, cruzadas y colocadas para formar varios diseños y expresiones. No se utilizan clavos ni piezas metálicas, y las piezas de madera se ensamblan ajustando ranuras y ángulos. Los diseños finales suelen ser planos y se utilizaban tradicionalmente como separadores de espacios, pero más recientemente han adquirido funciones modernas como posavasos.

Rompiendo ese molde está Mai Suzuki y el artesano kumiko Kazuhiro Kadowaki quienes, juntos, han creado kumiko esféricos que ofrecen aplicaciones nuevas y emocionantes.

Nacida en Tokio en 1998, Mai Suzuki es la fundadora de “NAMAIKI”¹, una iniciativa que fusiona artesanía y tecnología para crear nuevas posibilidades. Un encuentro casual con el artesano kumiko Kazuhiro Kadowaki condujo a una colaboración y dio como resultado estas impresionantes luces esféricas, un marco de espejo e incluso un vestido.

Las obras se exhiben en Tokio² esta semana como parte de DesignArt Tokyo 2022³. Spoon & Tamago es un orgulloso patrocinador de medios del evento.

1 https://en.nama-iki.com/

2 https://designart.jp/designarttokyo2022/exhibitions/614/?lang=en 

3 https://designart.jp/designarttokyo2022/?lang=en

Artículo original en inglés: https://www.spoon-tamago.com/2022/10/22/mai-suzuki-proposes-new-applications-for-traditional-kumiko/#more-53817

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 22 de octubre de 2022 en spoon-tamago.com

Original por: Johnny

Traducción por: Lizzy Z.

Forestbank es un nuevo tipo de material, creado por el diseñador Yuma Kano¹, que agrega materiales del bosque que normalmente se consideran inútiles para la construcción o la fabricación de muebles. En específico, árboles pequeños, follaje, corteza, semillas, tierra y otros pequeños desechos forestales se mezclan con una base mineral reactiva y una resina acrílica a base de agua que no utiliza solventes orgánicos ni compuestos orgánicos volátiles, lo que da como resultado un nuevo tipo de material que nace de sin valor y, sin embargo, contiene más elementos del bosque que la madera típica.

Forestbank™ (una marca registrada) tiene patrones que varían según el ángulo y la profundidad del corte, creando una variedad que es tan compleja y fascinante como la propia veta de la madera. “Los amarillos y verdes característicos son la coloración real de los árboles, que están teñidos por bacterias que se encuentran en la naturaleza”, explica Kano. Las hojas de diferentes estaciones, la tierra del suelo del bosque, las raíces y las semillas se unen para formar patrones complejos y secciones transversales que normalmente pasan desapercibidas.

El material se puede moldear con métodos ordinarios de carpintería y aplicarse en diversos campos, como muebles e interiores. Y los bosques ni siquiera tienen que ser la única fuente, señala el diseñador. Puede provenir de los árboles podados que bordean las calles, de los jardines o incluso de los restos de madera de los talleres de carpintería.

Puede ver Forestbank™² por sí mismo esta semana, ya que se exhibe como parte de la edición 2022 de DesignArt Tokyo³. Spoon & Tamago es un orgulloso patrocinador de medios del evento.

1 https://yumakano.com/

2 https://designart.jp/designarttokyo2022/exhibitions/2427/?lang=en

3 https://designart.jp/designarttokyo2022/?lang=en

Artículo original en inglés: https://www.spoon-tamago.com/2022/10/22/forestbank-yuma-kano/#more-53804

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.

Artículo original publicado el 9 de marzo de 2020 en ricedigital.co.uk

Original por: Pete Davison

Traducción por: Lizzy Z.

Me acerqué a las redes sociales para preguntarles cuáles pensaban que eran las mejores parejas de anime, y algunos de ustedes no fueron tímidos con sus respuestas: combinamos sus pensamientos, con consenso general, para llegar a las innegables y superiores  5 mejores parejas de anime.

5 – Kirito y Asuna – Sword Art Online

Cada vez que ponemos a estos dos en la lista, la gente se queja, desafortunadamente para ellos, no se puede negar el impacto que han tenido Kirito y Asuna. Todo el mundo sabe acerca de ellos, y sin duda son una de las parejas poderosas del anime: la voluntad de la primera temporada realmente me puso a bordo con esta pareja, y mi corazón estaba ciertamente más cálido cuando sucedió.

4 – Ed y Winry – Fullmetal Alchemist

Hablando de una combustión lenta, creo que fue obvio desde el principio que Winry sentía algo por Ed, pero a medida que pasaba el tiempo, estaba claro que Ed sentía lo mismo. A medida que los dos crecen, se vuelven cada vez más cercanos, hasta que de repente te das cuenta de que ambos se han convertido en adultos, ¡y sus sentimientos han crecido en el camino!

3 – Rikka y Yuuta – Chuunibyou

Esta es una gran relación porque Rikka deja que Yuuta sea él mismo y comparten muchos rasgos similares. Dicho esto, Rikka es bastante mental y con el tiempo se enamoran. Sin embargo, no es simple porque ambos viven en sus propias fantasías, especialmente Rikka, y hay personas que quieren que crezcan. ¡Esta es una gran oda a ser uno mismo y no preocuparse por lo que piensen los demás!

2 – Taiga and Ryuuji – Toradora

Ah, Toradora, un anime de romance clásico, probablemente esperabas que estos dos estuvieran en la lista, ¡y aquí están! Si bien ambos comenzaron con la intención de ganarse el amor de otra persona, su compromiso de ayudarse mutuamente los llevó a desarrollar sentimientos el uno por el otro. También creo que son personajes con los que nos podemos relacionar porque son muy reacios a revelar cómo se sienten, especialmente el uno con el otro. El amor que estos chicos muestran el uno por el otro es un verdadero calor para el corazón.

1 – Tomoya y Nagisa – Clannad

Y aquí lo tenemos, la mejor pareja de anime sin dudas: Tomoya y Nagisa de Clannad. Esta relación comienza increíblemente dulce, con Tomoya tratando de animar a Nagisa a perseguir sus objetivos y, al hacerlo, volverse más y más cercanos, hasta que terminan viviendo juntos. Entonces es solo cuestión de tiempo antes de que desarrollen sentimientos el uno por el otro, pero nuevamente, no pueden confesar esos sentimientos. Eventualmente tenemos un momento súper lindo después del festival escolar donde con el tiempo revelan sus sentimientos el uno al otro. Si has visto After Story, sabes que esta relación tiene sus giros y vueltas, pero eso la hace aún más fuerte. Adorable.

Artículo original en inglés: https://ricedigital.co.uk/top-5-best-anime-couples/

*Este artículo es una traducción sin ningún intento de plagio.